T’Pau fue un grupo de pop de finales de 1980 liderado por la cantante Carol Decker. Tuvieron una serie de éxitos en el Top 40 del Reino Unido, y varios éxitos en los Estados Unidos y Europa. Decker todavía se presenta bajo el nombre de T’Pau en exposiciones individuales y en los conciertos de la nostalgia de los 80’s.
La banda T’Pau se formó en 1986, tomando su nombre de una mujer sacerdotisa Vulcano del mismo nombre en el universo de Star Trek.
Su primer single y primer éxito de 1987 fue «Heart and Soul». Inicialmente un fracaso en el Reino Unido, se convirtió por primera vez en un éxito en el Billboard Hot 100 chart de EE.UU., alcanzando el # 4 después de haber sido presentado en un anuncio de Pepe Jeans y repitió la hazaña en el Singles Chart del Reino Unido algunos meses más tarde. Al año siguiente, la banda tuvo su mayor éxito con la balada «China in your hands», que pasó cinco semanas en el número 1 en la cartelera del Reino Unido, así como en varios países europeos, aunque extrañamente la canción tuvo poco impacto en el Billboard Hot 100.
Su álbum de 1987, Puente de los Espías (el álbum se llamó T’Pau en los EE.UU.) fue un best-seller y ganó varios premios de la industria musical británica. Puente de espías produjo un menor número de éxitos en el Top 40 de Reino Unido, incluyendo los sencillos «San Valentín» (UK # 9), «Sex Talk» (una nueva grabacion del anterior fracaso «Extraños íntimos») (UK # 23), y «Yo estaré contigo» (UK # 14).
1988 vio el lanzamiento de su segundo álbum Rage que produjo el éxito «Jardín Secreto». Un tercer álbum La promesa vió la luz en 1991, pero la banda se separó poco después. Decker re-formó la banda con una nueva línea en marcha en 1998, y T’Pau en los últimos años ha seguido trabajando en vivo regularmente.
Decker todavía hace apariciones en shows de televisión, incluyendo Hit me, Baby, one more time, Just the Two of Us, Never Mind the Buzzcocks y The Weakest Link. El ex Guitarrista Ronnie Rogers se encuentra actualmente en la banda Los Ronaldos. El Guitarrista Howard Dean ha estado de gira y ha con el vocalista Ian Gillan de Deep Purple.

Kenny Loggins (Kenneth Clark Loggins) es un cantante estadounidense, nacido el 7 de enero de 1948 en Everett, Washington.
En 1979 es galardonado con el premio Grammy a la Canción del Año, junto a Michael McDonald, como co-autor de What a Fool Believes de Doobie Brothers.
En 1980 gana el Grammy al mejor Cantante Pop por This Is It.
En plena década de los 80 alcanza gran popularidad gracias a éxitos como Danger Zone (tema de la película Top Gun), Footloose (de la película del mismo nombre) y I’m Free (Heaven Helps the Man).
En sus inicios tocaba junto a Jim Messina, quien venía de Buffalo Springfield, y con quién volvió a colaborar en 2005.

Discografía

* Celebrate Me Home (1977)
* Nightwatch (1978)
* Keep The Fire (1980)
* Kenny Loggins Alive (1980)
* High Adventure (1982)
* Vox Humana (1985)
* Back To Avalon (1988)
* Leap Of Faith (1991)
* Live at The Grand Canyon (1992)
* Outside: From The Redwoods (1993)
* Return To Pooh Corner (1994)
* Outside from Redwoods (1994)
* Yesterday, Today, Tomorrow: The Greatest Hits (1997)
* The Unimaginable Life (1997)
* December (1998)
* The Essential Kenny Loggins (2002)
* It's About Time (2003)

Singles

* "I Believe In Love" (1977)
* "Whenever I Call You Friend" (with Stevie Nicks) (1978)
* "Easy Driver" (1979)
* "This Is It" (1979)
* "I'm Alright" (1980)
* "Keep The Fire" (1980)
* "Don't Fight It" (1982)
* "Heart To Heart" (1983)
* "Heart" (1983)
* "Footloose" (1984)
* "I'm Free (Heaven Helps The Man)" (1984)
* "Vox Humana" (1985)
* "Forever" (1985)
* "I'll Be There" (1985)
* "Danger Zone" (1986)
* "Playing With The Boys" (1986)
* "Meet Me Halfway" (1987)
* "Nobody's Fool" (1988)
* "I'm Gonna Miss You" (1988)
* "Tell Her" (1989)
* "Conviction Of The Heart" (1991)

Paul Frederic Simon y Arthur Garfunkel se conocen desde muy pequeños en su ciudad natal: Nueva York; allí cultivan una gran amistad que se ve potenciada por su compartida afición por la música.
Paul tocaba la guitarra y Art tenía una bella voz, así que ambos decidieron probar fortuna en el mundo musical; tras tocar en fiestas escolares, colegios, etc... consiguen firmar un contrato con una discográfica para grabar varios singles; era 1957 y el duo que por aquel entonces se denominaba Tom & Jerry, logró publicar varios singles de escasa repercusión, lo que provocó la disolución de la pareja, que decidió seguir cada uno por su lado sus estudios universitarios.
Años mas tarde, con la llegada del Folk, vuelven a reunirse y deciden cambiarse el nombre por el definitivo: Simon & Garfunkel, era 1964 y editan su primer LP titulado Wednesday Morning 3.AM; este album estaba muy influenciado por el sonido folk, propio de Bob Dylan, Peter, Paul and Mary o el Kingston Trio; aunque era un buen trabajo (con canciones propias de Simon como "Sparrow", "Beeckler Street", "He Was My Brother" o la homonima del disco), no consiguió los resultados de ventas esperados, hecho que provoca la desilusión de la pareja y su repentina separación; Paul se marcharía a Inglaterra donde se dedicaría a tocar por los clubs de folk londinenses y donde incluso grabaría un LP: Paul Simon Songbook.
Sin embargo, el destino les haría un guiño al duo; en 1965 es el estallido del sonido Folk-Rock, con bandas tan brillantes como The Byrds o Bob Dylan, que había decidido electrificar el sonido de sus soberbias letras. Esto provocó que el productor Tom Wilson echara mano de un tema contenido en el primer LP de Simon & Garfunkel, al que añadirñía guitarras eléctricas, bajo y batería, el tema era el inolvidable clásico "The Sound of Silence", que con este nuevo arreglo consigue llegar al número 1 en USA a finales de 1965 y engulle a la pareja dentro del etiquetado sonido Folk-Rock; el exito del tema conllevó a que Paul y Art volvieran a reunirse otra vez.
Poco después de el exito de "The Sound of Silence" editan su segundo single a principios de 1966, el tema era "Homeward Bound", que escala hasta el puesto 5 de la Billboard. Su tercer sencillo "I Am A Rock", también triunfaría llegando al número 3; la popularidad del duo estaba en alza y la creatividad de Simon se mostraba inagotable, y esto le permitiría regalar canciones a sus amigos The Seekers dandoles el tema "Someday One Day" o a The Cyrkle, que los obsequiaba con "Red Rubber Ball".
En abril del 66 editan su segundo LP llamado Sounds of Silence, sería un formidable trabajo con canciones espectaculares como la bellísima balada folk "kathy's Song" (una de las mejores canciones de amor que se hallan escrito), la popera "We've Got a Groovey Thing Goin'", la sensacional e intimista cantada por Garfunkel "April Come She Will", y la espeluznante "A Most Peculiar Man" (soberbia canción que trataba el tema del suicidio de modo muy explicito).
A mediados de año publican como sencillo "The Dangling Conversation" (número 25 en listas), como preambulo del que será su tercer LP, publicado en noviembre de 1966: Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, este album sería otra obra maestra del duo, un LP con bellísimas melodías y unos arreglos verdaderamente acertados, canciones como "Scaraborough Fair/Canticle" (con un clavecín que pone los pelos de punta), "For Emily Whenever I May Find Her", "The 59th Street Bridge Song" o "A Simple Desultory Phillippic" (una feroz crítica a la etiquetación del Folk-Rock), son claros ejemplos de un LP soberbio.
A finales de año también publican un nuevo single, el espectacular "A Hazy Shade of Winter" (número 13 en listas).
En 1967, editan los singles "At the Zoo" (número 16 en listas) y "Fakin' It" (con "You Don't Know Where Your Interest Lies" en la cara B), que llega al puesto 23; también participan en el macroconcierto de Monterrey, y a finales de año colaboran en la banda sonora de la pelicula del director Mike Nichols y protagonizada por Dustin Hoffman: El Graduado, que eleva, mas si cabe, la popularidad de Simon & Garfunkel.
En 1968 arrasan con el tema "Mrs. Robinson" que llega al número 1 y se convierte en uno de los singles mas vendidos del año, y además editan el mejor LP de su carrera: Bookends; este disco es sin duda uno de los mejores trabajos de los 60's, un disco compuesto por Paul desde la reflexión, y tiene como eje central el tema de la vejez y sus consecuencias; este LP contenía clásicos como "Bookends Theme", "Old Friends", la increible "America", la psicodélica "Save The Life of My Child" o la bella "Punky's Dilemma"; el disco llegaría con rotundidad al número 1.
En 1969 editan el single "The Boxer" (con "Baby Driver" en la cara B), que llegaría al número 7 de la Billboard; este single sería el antecedente del LP que un año mas tarde sería el mayor exito comercial en la historia del duo; En 1970 es cuando sale al mercado el LP Bridge Over Troubled Water, este disco sería todo un número 1 y conseguiría varios premios Grammy y unas ventas de infarto (ha llegado a vender mas de 10 millones de copias); el LP extraería varios singles de exito, como precisamente la canción que daba titulo al album, "Bridge Over Troubled Water", esta canción (una de las mejores canciones que se han escrito sobre la amistad), sería un autentico bombazo, llegaría al número 1 y se convertiría en un clásico al poco tiempo de su edición, los otros singles editados del LP también se venderían bien; "Cecilia" (número 4 en listas) y "El Condor Pasa" (número 18).
Sin embargo ese mismo año, poco después de estos exitos, y con el duo en la cima de su popularidad, anuncian su separación para que Paul pueda dedicarse mas a su carrera en solitario y Garfunkel centrarse en su carrera como actor. Esta decisión dejaría al público asombrado, debido a que Simon & Garfunkel se encontraban en la cumbre del exito, pero la decisión era irrevocable; años mas tarde volverían con esporádicas reapariciones (como el famoso concierto de Central Park (Nueva York) en 1981).
Simon & Garfunkel fueron arte en estado puro, hicieron canciones que se clavaban en la memoria gracias al soberbio talento (tanto musical como letrístico) de Paul Simon, y la extraordinaria voz de Art Garfunkel.
Fuente:los60

Esta agrupación alemana especializada en el hard rock y en el heavy metal, nace en 1965 por idea de Rudolf Schenker, pero es recién en 1969 donde comienza a operar oficialmente.
Scorpions en un inicio estuvo compuesto por: Klaus Meine, quien es el vocalista, Matthias Jabs y Rudolf Schenker en la guitarra, James Kottak se encarga de la batería y Paweł Mąciwoda es el bajista.
Al igual que muchas otras bandas legendarias que persisten hasta hoy, han estado sujetos a una serie de cambios en su estructura, no sólo musical sino también abandono e incorporaciones de nuevos elementos en sus integrantes.
En 1972, la banda lanza su álbum debut, “Lonesome Crow”, producido por Conny Plank en Hamburgo. Es aquí en donde aparecen los elementos instrumentales y vocales característicos de Scorpions: la combinación de los solos de dos guitarras poderosas y la sabia decisión de escribir las letras en inglés, lo que les permitirá conquistar al público internacional.
En 1973, Schenker se alejada del grupo y es reemplazado por el guitarrista Ulrico Roth; junto a él continúan presentándose por diferentes ciudades europeas. Un año más tarde, después de ser reconocidos por el público y de haber hecho un extenso tour, aparece “Fly to the Rainbow”.
Seguidamente, su tercer LP, “In Trance”, bajo la conducción del reconocido productor Dieter Dierks, sale a la venta en 1975. La aparición de este disco es un hito muy importante dentro de la carrera de Scorpions, pues logra entrar a los primeros puestos de las listas en Japón para más tarde convertirse en un grupo de culto en dicho país.
En Alemania, ese mismo año, fueron reconocidos por el público como el mejor grupo en vivo.
Asimismo, iniciaron su primer tour por el Reino Unido, llegando a tocar en un legendario bar “Cavern Club” en Liverpool.
El cuarto álbum de Scorpions, “Virgen Killer”, se caracterizó por la ambición de convertir a la banda en el referente del hard rock alemán. De esta manera, el disco logró ganar el premio de mejor LP del año en su país de origen. En Japón, “Virgin Killer” alcanza el máximo reconocimiento de la crítica y de los fans, obteniendo su primer disco de oro.
Su siguiente álbum “Taken by Force” (1977) también fue un éxito en el país nipón, consiguiendo nuevamente un disco de oro. Tras haberse recibido una gran acogida en el país asiático, el grupo decide llevar a cabo un tour por ese país en 1978. Este evento se convirtió en todo un suceso, pues a su llegada a Tokio se dieron cuenta que realmente eran superestrellas en Japón. Este gran acontecimiento los lleva a grabar un nuevo material titulado “Tokyo Tapes”. La aparición de este disco doble coincide con la partida de Ulrich Roth de la banda. Michael Schenker regresa temporalmente a formar parte nuevamente de la agrupación con el disco “Lovedrive” en 1979 hasta que Matthias Jabs ocupa finalmente el puesto, después de haber sido elegido como ganador de una gran audición en Londres.
“Love Drive” aparece en el mercado americano ese mismo año y recibe tres discos de oro, pues fue catalogado como el gran triunfo de la banda, y es hasta hoy en día considerado uno de sus mejores trabajos. “Animal Magnetism” nace en 1980, y tras hacerse conocidos en Estados Unidos, realizan su primer concierto en dicho país, precisamente en un gran festival en Cleveland, Ohio.
En 1981, mientras se encuentran en el estudio grabando “Blackout”, Klaus Meine pierde la voz. Repuesto a este suceso, el grupo reaparece en 1982 posicionándose nuevamente en los Estados Unidos con el single “No One Like You” ubicándose en el US Top Ten. Asimismo, el LP fue el más votado para conseguir el premio de “Mejor Hard Rock Álbum del Año”, es así como consiguen un disco de platino.
Sin embargo, fue el álbum de 1984 “Love at First Swing” el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal.
El doble álbum “World Wide Live” lanzado en 1985, surge como una contraparte a “Tokyo Tapes”. Este disco se encarga de documentar los recientes triunfos internacionales de la agrupación (Festival San Bernadino Valley, Rock in Río, etc.).
“Savage Amusement”, el ultimo álbum co-producido con Dieter Dierks, es lanzado en 1988, llegando a ocupar el tercer puesto en los charts americanos y el número uno en Europa. Un año más tarde, tras el éxito conseguido en la Unión Soviética, son invitados por las autoridades de dicho país, para tocar en el concierto de Leningrado, en un legendario festival pro-paz.
“Crazy World” fue grabado en 1990, en Los Ángeles, y co-producido por Keith Olsen. Este disco con la ayuda del hit “Wind of Change”, alcanzó la popularidad al poco tiempo de su lanzamiento, convirtiéndose en número uno en 11 países. En 1992, recibieron el “World Music Award” como la banda más representativa del rock germánico. En 1993 se estrena “Face the Heat” con un Nuevo bajista: Ralph Rieckermann. Pocos meses después vuelven a recibir un premio en el “World Music Award”.
En 1995 sale a la luz “Live Bites” y en 1996 “Pure Instinct”. La banda se dedicó a hacer tour mundiales promocionando los discos anteriores hasta 1998, donde entran al estudio a producir “Eye to Eye”. Este disco marca un cambio en la imagen de Scorpions, donde por primera vez aparecen Rudolf Schenker, Klaus Meine and Matthias Jabs en la carátula del disco. Además en este álbum se puede oír por primera vez al grupo cantando en alemán.
En enero del 2000, la banda inicia un reto musical: grabar al lado de la orquesta filarmónica de Berlín para producir un nuevo material discográfico. De esta mixtura de estilos nace “Moment of Glory”.
En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco unplugged grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.
“Unbreakable”, grabado en el 2004, es el último disco producido por la banda. Con motivo de ser el LP número 20 de la discografía de Scorpions, el grupo se propuso retornar a las raíces de su estilo musical, es por ello que con este disco retoman la línea hard rock que los había lanzado al éxito mundial.

Discografía

Álbumes

* Lonesome Crow (1972)
* Fly to the Rainbow (1974)
* In Trance (1975)
* Virgin Killer (1976)
* Taken by Force (1977)
* Tokyo Tapes (en directo, 1978)
* Lovedrive (1979)
* Animal Magnetism (1980)
* Blackout (1982)
* Love at First Sting (1984)
* World Wide Live (directo, 1985)
* Savage Amusement (1988)
* Crazy World (1990)
* Face the Heat (1993)
* Live Bites (directo, 1995)
* Pure Instinct (1996)
* Eye II Eye (1999)
* Moment of Glory (con la Orquesta Filarmónica de Berlín, 2000)
* Acoustica (Unplugged, 2001)
* Unbreakable (2004)
* Humanity Hour 1 (2007)
Fuentes: Todomusica y Wikipedia

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Los primeros años de su vida vivió en una zona pobre habitada por familias que tenían algo en común: sus casas habían sido destruidas por el bombardeo a Londres.
Influenciado por su hermano Terry, David Bowie se acercó al jazz y a los escritores beat como Kerouac y Allen Grinsberg.
Las transformaciones serían un rasgo característico en su camino. Como siguiendo al pie de la letra la frase de Tom Waits: “No puedes dejar de estar en movimiento, ningún perro ha meado sobre un coche en marcha”, el medio en el que David se sintió cómodo fue el artístico y el estético, y el soporte intelectual: su mejor argumento. Pintar, escribir, cantar, diseñar ropa, actuar; cualquier camino hacia la expresión se presentó ante su mirada como útil para decir cosas.
Para 1966 adoptó el nombre que lo haría reconocido en todo el planeta: David Bowie. Algunos sostienen que el nombre fue tomado de la marca de un famoso cuchillo de caza americano otros, que es el apellido de alguna de las ramas familiares de su madre. Su carrera a partir de entonces estuvo signada por los cambios y la experimentación. Aquellas épocas en las que tocaba donde podía, como una especie de marciano. desesperado por hacer llegar su mensaje a alguien, fueron quedando atrás gracias a una suma de talento y esfuerzo.
Sin duda los ‘70 fueron su tiempo. Siempre en el equilibrio, como un ejemplo de la modernidad y de una década específica que cuestionaba límites (hija del Mayo Francés y del fracaso de los dorados ‘60), Bowie oscilaba entre la vanguardia y lo espectacular de la cultura mediática.
Como ejemplo alcanza ver la variedad de personajes que lo acompañaron en los diversos pasajes por los que transitó su carrera artística. Desde Mick Jaegger hasta Iggy Pop, desde Warhol a Lou Reed, los músicos y artistas más representativos de la época, ya desde un lugar de estrellas consumadas o como simbólicos exponentes vanguardistas, aparecían junto a su nombre dadas diferentes circunstancias.
Su carrera, que bien podía ser desarrollada a lo largo de muchas páginas, dejó discos antológicos, videos históricos y películas como El Hombre que Vendió a la Tierra, Laberinto, El Ansia, y otras tantas donde lejos de aparecer como un músico exitoso David Bowie junto a Iggy Pop dedicado a la actuación por cuestiones de marketing, demuestra que no es más de lo uno que de lo otro sino que pertenece a una especie en extinción de artistas integrales.
Inquieto, siempre buscando sus propios límites, siempre cambiando, siempre sorprendiendo. Los escenarios lo vieron con una simple guitarra acústica, con una super orquesta, con una banda conservadora, vestido de caballero inglés, de dama provocativa y hasta de una especie de bizarro marciano de cabaret. Aquel chico nacido en Brixton dio el mejor ejemplo de una vida en constante transformación cuando allá por el ´72 se convirtió en Ziggy. La puesta en escena, en la que colaboró nada menos que Lindsay Kemp, mostraba un escenario construído a distintos niveles y con David Bowie y Marc Bolan andamiajes que facilitaban los cambios de vestuario. Aparecían sobre las tablas no sólo los Spiders Fron Mars y los músicos sino también el grupo de danza de Kemp. Hielo seco, luces y el espectáculo de rock más extravagante que se haya presentado en Gran Bretaña fue sin duda uno de los puntos más altos en la camaleónica carrera de Bowie, pero la controversia estaría presente como en cada uno de sus proyectos; mientras algunos (como Lou Reed) catalogaron al espectáculo como el más maravilloso que habían visto, otros no dudaron en esbozar críticas encarnizadas sobre la estrella de rock y el sobrepeso de ese Kemp que bajaba con disfraz de ángel mientras Bowie entonaba “Star Man” para cerrar con una versión sollozante de “Over The Rainbowl”.
Así, el Duque Blanco, llegó a todos los límites estéticos, bordeó todas las fronteras musicales, y esa curiosidad inquieta y esa búsqueda permanente de códigos novedosos es lo que aún lo mantiene tan vigente.
Bowie no se privó de nada: teatro, cine, música y cuanto medio expresivo pudiera enumerarse fue recorrido con su estilo de manera eficiente.
Hacer un punteo de su discografía y filmografía no haría más que corroborar la productividad de este artista.
Ziggy Stardust, Suffragette City, Changes, Fame, Ashes To Ashes, Fashion, Heroes, Modern Love, Blue Jean y una larga lista de temas que se acrecienta con cada disco nuevo han quedado David Bowie y Lou Reed como marca registrada de un artista que, de tan influenciado, se ha vuelto uno de los más influyentes y que, de tan abierto a los cambios, volvió imposible, a los gustosos de los generalismos, encontrar en pocas palabras un término acabado de lo que su obra representó en las últimas tres décadas.
La última travesura de Bowie lo encontró protagonizando junto al novelista William Boyd un episodio creativo por demás significativo en muchos aspectos. Reuniendo a la crema del mundillo artístico y a los críticos neoyorquinos más renombrados presentaron la biografía de «Nat Tate», un pintor exquisito y depresivo que, luego de quemar toda su obra, saltó desde el ferry para darse muerte a corta edad de 31 años. Muchos comentaron la maravilla de su obra y otros, inclusive, hacían alarde de haberla visto. La gala terminó con Bowie legitimando la cuestión leyendo fragmentos de la biografía escrita por Boyd.
Días después se conoció la verdad, pequeño detalle: el pintor Nat Tate jamás existió.
Debe haber sido imperdible el momento en que Bowie y Boyd rieron de la broma, que no hizo más que dejar en ridículo cierto aspecto real del mundo del arte, pero más fascinante aún debe haber sido estar en el momento en que los críticos parlanchines se enteraron de la verdad.
Más allá de anécdotas como esta, David Bowie es todo un símbolo de la época más turbulenta y destellante de la historia de la música moderna.David Bowie junto a Mick Jagger
Las andanzas de este duque parecen no tener fronteras en lo que a la esfera cultural se refiere. Musicalmente está, como siempre, preparando material para una nueva placa; como se aburre con una sola tarea se hizo tiempo para fundar una editorial y una galeria de arte a la cual podemos acceder, mediante internet (www.bowieart.com/), tanto para curiosear sus obras como para comprarlas.
Mucho es lo que se podría agregar de este artista, ya desde la crítica o desde una posición de devoto admirador de su obra. Lo indiscutible de la cuestión es que David Bowie parece resistir el paso del tiempo con solvencia, apoyado sobre una fórmula que le impide estarse quieto. Escribió páginas importantes de la historia musical de las últimas décadas, se mostró alternativo, pragmático, comercial, vanguardista , equilibrado y extremista a la vez. Hoy, mitad figura de culto por su pasado, mitad admirado por su presente, David se muestra tan vigente como siempre. Siempre un paso adelante, atrás o a los costados, pero nunca «parte del rebaño». Bowie parece tener las llaves de la máquina del tiempo.

Discografía

Álbumes de estudio

* 1967 - David Bowie
* 1969 - Space Oddity
* 1971 - The Man Who Sold the World
* 1971 - Hunky Dory
* 1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
* 1973 - Aladdin Sane
* 1973 - Pinups
* 1974 - Diamond Dogs
* 1975 - Young Americans
* 1976 - Station to Station
* 1977 - Low
* 1977 - Heroes
* 1979 - Lodger
* 1980 - Scary Monsters And Super Creeps
* 1983 - Let's Dance
* 1984 - Tonight
* 1987 - Never Let Me Down
* 1989 - Tin Machine
* 1991 - Tin Machine II
* 1993 - Black tie, White noise
* 1993 - The Buddha of Suburbia
* 1995 - Outside
* 1997 - Earthling
* 1999 - Hours...
* 2002 - Heathen
* 2003 - Reality
Fuente: Wikipedia y Canal Trans