Donna Summer es el nombre artístico de LaDonna Adrian Gaines (n. 31 de diciembre de 1948, Rochester, Boston, Estados Unidos). Es una cantante y compositora musical afroamericana conocida por sus éxitos en la década de 1970 con canciones como Hot Stuff, Love To Love You Baby, Na Na Hey Hey y On The Radio, entre muchas otras. Recibió el título de «Reina del Disco». Ha asistido a varios capítulos de la serie americana Cosas de casa interpretando a Tía Una.Donna comenzó su carrera a temprana edad: con sólo ocho años ya era una de las voces que destacaban en el coro de su parroquia. Durante su adolescencia formó parte de un grupo llamado The Crow, y con 18 años se presentó en Broadway a una audición para la comedia musical Hair, siendo aceptada. El éxito obtenido permitió a la compañía viajar a Europa, lo que posibilitó que Donna ingresase en 1967 en la ópera de Viena, donde participó en algunas producciones europeas de Porgy and Bess de George Gershwin, grabando además algunos discos con el nombre de Donna Gaines.
Por aquella época se casó con Helmut Sommer, un alemán con quien tuvo su primera hija; la relación no duró, pero Donna conservaría el apellido de su marido traduciéndolo al inglés como Summer (Verano).
En 1974 grabó junto a Pete Bellotte su primer álbum, The Lady of the night, con la ayuda de Giorgio Moroder, del cual se extrae el single The hostage que será su primer gran éxito comercial.
Un año más tarde salió un segundo álbum que marcó un hito dentro de la música de la época, tanto a nivel musical como técnico, ya que para poder darle formato se crea el maxi-single, un tipo de disco de vinilo de duración media que será profusamente utilizado por muchos artistas durante los decenios de 1970 y 1980; este álbum llegó a ser número uno de ventas en Estados Unidos. Tras este primer gran éxito, siguió una brillante carrera que hizo de esta cantante un referente dentro de la música disco, con una voz muy potente y unos ritmos que mezclan la música soul y los ritmos europeos de la época: el llamado Sonido de Munich representado por compositores como Giorgio Moroder, quien obtendría años más tarde el Oscar a la mejor banda sonora por su trabajo en la película Midnight express (El expreso de medianoche).
Donna marca la memoria sonora de los años 70 con éxitos como Hot stuff, Last dance, I feel love, On the radio, Mc Arthur park, Bad girls y Love to love you, aupándose como el más alto referente de las discotecas y siendo consagrada como la «reina de la música disco». Sus temas mezclaban el brillo de su cálida y potente voz de mezzosoprano y ritmos discos que comenzaban luego de una introducción de versos lentos y melódicos.
Auténtico hito de la época fue su canción Enough is enough a dúo con Barbra Streisand, que fue para ésta su primera (o única) incursión en la música de baile.
Fuente: Wikipedia

Diane Ernestine Earle Ross, mejor conocida como Diana Ross (n. Detroit, Michigan, 26 de marzo de 1944), es una popular cantante estadounidense.Durante los años 70 y 80, Diana Ross se convirtió en la artista femenina más exitosa de la era pop y abarcó también la industria cinematográfica y televisiva así como la teatral en Broadway.
Sus más grandes éxitos en el sello discográfico Motown son Ain't No Mountain High Enough (1970), Touch Me in the Morning (1973), Theme From Mahogany (Do You Know Where You're Going To) (1975), el éxito discotequero Love Hangover (1976), Upside Down (1980), otro éxito de música disco, y Endless Love (1981), un duo con Lionel Richie, todos número 1 en los EE.UU.
Entre 1981 y 1987, ella firma un contrato con la compañía RCA en los Estados Unidos y Capitol Records en Europa (parte de EMI): sus éxitos son Swept Away (número 1 dance en 1984), Missing You (número uno R&B en 1984), Chain Reaction (número uno inglés en 1985, con coros de Bee Gees) y If we hold on together (sencillo más vendido de la historia en Japón).
En 1989 regresa a la Motown. Sus más grandes éxitos son los álbumes The Force Behind the Power (1991) y Take Me Higher (1995), sobretodo en Europa. Éste último álbum contiene el número uno dance Take me higher y una versión del clásico disco I will survive. En 1999, es nombrada la artista femenina con más éxito en las listas británicas mientras su canción Not over you yet está en el Top 10. En 2002 deja la Motown pero sigue con EMI donde publica un álbum de bastante éxito en los EE.UU, I love you (2006)
A lo largo de su carrera, Diana Ross ha sido galardonada con el Premio Tony por el especial musical An Evening with Diana Ross (1977), siete American Music Awards y un Globo de Oro especial por su rol principal en el filme biográfico acerca de Billie Holiday: The Lady Sings the Blues (1972).
Diana Ross ha sido nominada para doce premios Grammy y al Oscar por mejor actriz. Con más de 45 años de carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más de 100 millones de copias, ubicándola fácilmente en lo más alto de la lista de artistas de mayores ventas.
En 1976, la revista Billboard la nombró «la “entertainer” femenina del siglo». Diana Ross es una de las pocas artistas quien tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una como solista y la otra como miembro de las Supremes.
Es una cantante ecléctica y de prestigio, que ha tocado varios estilos y ha actuado con cantantes muy dispares. Amiga íntima de Michael Jackson, rodaron juntos la película The Wiz en 1978, y años después él compuso para ella la atrevida canción Muscles. En 1984, Diana grabó con Julio Iglesias el famoso dueto All of you, que contribuyó a catapultar a Julio al éxito en el mercado anglosajón. Fueron célebres las fotografías en las que Diana mostraba una pierna abrazada a Julio. En 1993 se publicó el disco Christmas in Vienna, que recogía un concierto de sabor navideño ofrecido por Diana con Plácido Domingo y José Carreras.
En 1993, entró en el Libro Guinness de Récords como la artista femenina de mayor éxito de todos los tiempos, debido en parte a sus 18 números uno, seis de ellos en solitario. Sólo The Beatles (con 20 números uno) y Elvis Presley (con 18) la han igualado o superado. Aun así en Billboard sus números uno cuentan por separado: tiene 12 con The Supremes y 6 como solista (siendo superada entonces por cantantes como Janet Jackson, Madonna, Whitney Houston, Ayumi Hamasaki y por Mariah Carey).
En 1999, como solista, ella fue ubicada #38 en la lista de VH1 The 100 Greatest Women in Rock and Roll mientras que The Supremes se colocaron en el #6.

Álbumes
Motown
1970: Diana Ross (reeditado el mismo año como Ain't No Mountain High Enough)
1970: Everything Is Everything
1971: Diana! (BSO)
1971: Surrender
1972: Lady Sings the Blues (BSO)
1973: Touch Me in the Morning
1973: Diana & Marvin (duetos junto a Marvin Gaye)
1973: Last Time I Saw Him
1974: Live at Caesar's Palace
1976: Diana Ross
1977: An Evening with Diana Ross (live)
1977: Baby, It's Me
1978: Ross
1978: The Wiz (BSO)
1979: The Boss
1980: diana
1981: To Love Again
RCA
1981: Why Do Fools Fall In Love?
1982: Silk Electric
1983: Ross
1984: Swept Away
1985: Eaten Alive
1987: Red Hot Rhythm & Blues
Motown
1989: Workin' Overtime
1989: Greatest Hits Live
1991: The Force Behind the Power
1993: Christmas in Vienna (álbum en directo junto a Plácido Domingo y José Carreras)
1993: Stolen Moments: The Lady Sings Jazz & Blues (live)
1993: When You Dream (Sólo editado en Japón)
1994: Diana Extended: The Remixes
1994: A Very Special Season (No está editado en USA)
1994: Making Spirits Bright (Sólo está editado en USA)
1995: Take Me Higher
1996: Voice of Love (No está editado en USA)
1997: Gift Of Love (Sólo editado en Japón)
1999: Every Day Is A New Day
2006: Blue
2006: I Love You
Fuente: Wikipedia

LA BANDA SONORA

Con la incorporación del sonido a la imagen, el cine experimentó un gran salto expresivo. El sonido complementa, integra y potencia la imagen visual y contribuye al realismo. Ademá, en el nivel narrativo, posibilita un importante ahorro de planos que la imagen muda tenía que utilizar para comunicar conceptos y situaciones. El mundo que nos envuelve es sonoro y el uso del sonido evita recurrir con exceso a la convención permitiendo una simplificación expresiva.
La relación del sonido con la imagen es de complementariedad, lo que hace posible la creación de un todo unificado que ha de plantearse desde el comienzo del inicio del guión.
La banda sonora condiciona activamente la forma en que percibimos e interpretamos la imagen. Imágenes iguales tienen distinta interpretación al cambiar la banda sonora.
La inclusión de las bandas sonoras al cine fue una tarea que tomó tiempo. Los primeros pasos de lograrlo fue tratar de hacer funcionar conjuntamente un proyector y un fonógrafo. Cuando el cine era mudo, en muchas ocasiones había acompañamiento musical. En ocasiones, era una gran oportunidad de ver imágenes y deleitarse con piezas musicales de grandes artistas. Sin embargo, la mayoría de las veces, la música no coincidía con la acción del film y, en realidad, las bandas musicales sólo estaban para simular los ruidos de las bobinas de las cintas.
Las primeras bandas sonoras aceptadas son la composición de Camille Saint-Saëns para la película “El Asesinado del Duque de Guisa” en 1908, y la partitura de Mihail Ippolitov-Ivanov para la película “Stenka Razin”. Importante es la creación del cronógrafo, que logró sincronizar mejor el fonógrafo con las imágenes proyectadas. Tiempo después, las compañías estadounidenses General Electric y Western Electric realizaron investigaciones que les permitieron crear sistemas para logar incluir el sonido en la misma película. Entre las primeras películas con sonido se encuentran El Cantante de Jazz (1927) y Lights Of New York (1928).
Lo que dice mucho del concepto es su nombre en inglés, el "soundtrack"; un "track" es una banda o pista en una grabación, e inicialmente para una película los diálogos, los efectos de sonido y la música van en pistas separadas, que finalmente se mezclan obteniendo el sonido que escuchamos en el cine. Sólo desde los años 50 es que se escucha hablar de álbumes de música exclusivamente de "sountracks"; un término importante asociado es el "OST", en inglés "Original Sountrack", o sea banda sonora original de la película, para diferenciarla de otras versiones y covers.

Normalmente, y con raras excepciones, el término alude solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio.

Eddie Money nació como Joseph Edward Mahoney el 21 de marzo de 1949, en Brooklyn, Nueva York. Aunque soñaba con ser un músico, después de la secundaria Eddie decidió seguir los pasos de su padre y convertirse en un agente de policía.
En 1968, después de servir oficial de policía de Nueva York durante dos años, Eddie Money pone un alto en su carrera policial para dedicarse a la música. Se mudó a Berkeley, California y comenzó a actuar en clubes locales. Luego, en 1976 (después de cambiar su apellido de Mahoney a Money) el destino de Eddie cambió al conocer al legendario promotor Bill Graham mientras actuaba en uno de los eventos de Graham. Los dos rápidamente se hicieron muy cercanos, convirtiéndose Graham en su mentor y director. Graham dijo de Money ", Eddie lo tiene todo ... no sólo puede cantar, escribir y tocar, él es un actor natural."
Después de firmar un contrato discográfico con Columbia Records, Money apareció en la escena con su álbum debut homónimo en 1977. Los fans de inmediato se enamoraron del sonido característico de Money, y el álbum, que fue doble platino, incluyó éxitos como "Baby hold On" y "Two Tickets to Paradise". El éxito de su álbum debut siguió con una corriente de éxitos Top 40, así como algunos de los vídeos más creativos de la época de canciones como "Think I’m in Love" y "Shakin". En 1986, lanzó "Can’t Hold Back", que incluyó el clásico dúo con Ronnie Spector, "Take Me Home Tonight", nominado al Grammy . La canción alcanzó el número 4 en el Billboard Hot 100. El álbum fue disco de platino y también contó con el hit "I Wanna Go Back".
En estos días, Money continuaba deleitando a los fans nuevos y viejos por igual en distintos lugares en el país. Después de haber abierto la temporada de conciertos de verano en el DTE Energy Music Theatre de Detroit durante casi 20 años, Money atrae aficionados de todas partes que están ansiosos por ver el legendario músico.
Además de mantener un ocupado calendario de gira, Money ha aparecido en series de televisión como "El rey de Queens", donde actuó por su buen amigo Kevin James, y "The Drew Carey Show", donde interpretó al ex marido de Mimi.
En los últimos años, Eddie se han unido en una gira de su hija, Jesse Money. Jesse, que estaba en MTV "Rock The Cradle", es una cantante talentosa y carismático que ha optado por seguir los pasos de su padre. Mientras estaba de gira con Eddie, Jesse cantó coros añadiéndole un toque de emoción al dúo en "Take Me Home Tonight". Eddie y su esposa Laurie tienen otros cuatro hijos - Zacarías, José, Desmond, y Julian.
Además de haber vendido más de 28 millones de discos, las canciones de Money han aparecido en decenas de películas y programas de televisión, y recientemente han sido incluidos en los videojuegos de éxito como "Grand Theft Auto" y "Guitar Hero".

Discografía

Eddie Money (1977)
Life for the Taking (1978)
Playing for Keeps (1980)
No Control (1982)
Where's the Party? (1983)
Can't Hold Back (1986)
Nothing to Lose (1988)
Right Here (1991)
Love and Money (1995)
Ready Eddie (1999)
Wanna Go Back (2007)

Fuente: Eddie Money - Official Website

Nick Kamen (nacido Ivor Neville Kamen, 15 de abril de 1962, Harlow, Essex, Inglaterra) es un modelo masculino inglés, compositor y músico, y hermano del guitarrista Chester Kamen y el artista Barry Kamen.
Kamen fue conocido públicamente en 1984, cuando Ray Petri lo presentó en la portada de The Face.1 La imagen mostraba que él llevaba un sombrero de esquí, un jersey de color naranja y gafas de aviador.
Fue más conocido, en el Reino Unido, por su desempeño en 1985 para un comercial de TV de Levi's,2 donde las tiras en orden de piedra para lavar los pantalones vaqueros en una lavandería pública con un esilo de la década de 1950, mientras que esperaba sólo con calzoncillos, comercial que hizo que aumentara considerablemente su popularidad. Fue seleccionado para, y quedó en cuarto lugar en The 100 Greatest TV Ads: Los 100 comerciales más grandes de todos los tiempos de la TV en el año 2000.
Su primer sencillo fue lanzado en 1986 fue el #5 en el Reino Unido, llamado "Each Time You Break My Heart" de su álbum debut homónimo. Escrito y producido por Madonna y Stephen Bray, también llegó a las listas de EE.UU. (un remix por Shep Pettibone) y en el Top 50 en Canadá. Madonna también cantó en algunos coros. Su demo original sigue siendo uno de los muchos Unreleased Madonna Songs. Kamen también tuvo un segundo sencillo ubicado en el puesto #16 en el Reino Unido, titulado "Loving You Is Sweeter Than Ever", a pesar de que sus sencillos publicados más tarde fueron menos éxitosos en el Reino Unido, pero más en el resto de Europa, especialmente en Italia, Francia, Alemania y España.
Su segundo álbum titulado Us (1988) fue producido por Patrick Leonard. Madonna nuevamente hizo una aparición como vocalista en la canción "Tell Me", esta vez sin contribuir a la composición o a la producción.
En 1988 Kamen interpretó la canción "Turn It Up" en la banda sonora de la película de Walt Disney, Cariño, he encogido a los niños.
Escribió una canción la que fue convertida en remix bailable en 1990, su sencillo, "I Promised Myself", y su mayor éxito, fue incluido en una colección de 2004 de varios artistas de Europa y tres años más tarde, en el 2007, el cantante español José Galisteo graba su propia verisón de esta canción. Propia versión de Kamen fue el cuarto más alto sencillo de Kamen, un récord en Europa en 1990 y llegó al #1 en ocho países europeos. La canción también fue versionada por el grupo A-Teens.

Discografía

Álbumes de Estudio

1987 - Nick Kamen
1988 - Us
1988 - Loving You
1990 - Move Until We Fly
1991 - Each Time You Break My Heart
1992 - Whatever, Whenever

Sencillos

"Amazed" (1986)UK #34,
"Each Time You Break My Heart" (1986) UK #5, IT #2
"Loving You Is Sweeter Than Ever" (1987) UK #16, IT #1
"Nobody Else" (1987) UK #47
"Come Softly To Me" (1987) IT #19, UK
"Tell Me" (1988) UK #40, IT #1
"Bring Me Your Love" (1988) IT #16, UK
"Don't Hold Out" (1989) IT #32
"I Promised Myself" (1990) UK #50, IT #8
"Oh How Happy" (1990) IT #37, UK
"Looking Good Diving" (1990) UK
"You're Not The Only One*" (1992) UK
"We'll Never Lose What We Have Found" (1992) UK

Fuente: Wikipedia

Cherilyn Sarkisian (n. El Centro, 20 de mayo de 1946), conocida como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Ha sido galardonada por su carrera musical y como actriz con, entre otros, los premios Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes.
Denominada como «La Diosa del Pop», Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su ex esposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado veinticinco álbumes de estudio, varias compilaciones y cincuenta y seis sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100, teniendo en cuenta además que trece de sus sencillos han entrado a esta lista. El más notable es «Believe». Fue número uno en veintitrés países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por una artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Según Billboard, ella es la 9º mejor artista de la historia dentro de la lista encabezada por The Beatles, Elton John y Michael Jackson. Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de Luna.
Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música. Ha vendido más de 250 millones de discos como solista lo cual la convierte en una de las cantantes más exitosas de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos. Dentro de los Estados Unidos la artista ha logrado la venta de 30 millones de copias certificadas por la RIAA. Asimismo, la revista Rolling Stone ha considerado a su canción "I Got You Babe" como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Desde 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum. También es reconocida por poseer un rango vocal de contralto.

Récords y otros logros

Es la artista femenina de más edad en el mundo en ocupar la primera posición en el Billboard Hot 100 con "Believe" en 1999. (53 años)
Es la artista que registra la mayor cantidad de tiempo entre dos interpretaciones que hayan alcanzado el puesto #1 del Billboard: desde 1974 con Dark Lady hasta 1999 con Believe. (25 años)
Ha participado en cuatro películas que han sido exitosas a nivel mundial: Silkwood, Mask, Hechizo de luna y Las brujas de Eastwick
Es una de las cantantes con más ventas discográficas en el mundo con más de 250 millones de discos vendidos.
Ha sido nominada siete veces al premio Grammy y lo ha ganado una vez, en 1999 con "Believe".
Ha sido nominada dos veces al premio Óscar y lo ha ganado una vez, en 1987 con Hechizo de luna.
Ha sido nominada seis veces al Globo de Oro y ha salido galardonada tres veces.
Es una de las pocas cantantes que ha logrado ganar el Óscar, Grammy, Globo de Oro, Emmy y el Cannes.
Es la única artista que tiene el récord de ser la única artista de la historia en posicionase #1 del Billboard Dance/Club Play Songs durante 6 décadas consecutivas

Discografía

Álbumes de estudio

1965: All I Really Want To Do
1966: The Sonny Side of Cher
1966: Cher
1967: With Love, Cher
1968: Backstage
1969: 3614 Jackson Highway
1971: Gypsys, Tramps & Thieves
1972: Foxy Lady
1973: Bittersweet White Light
1973: Half Breed
1974: Dark Lady
1975: Stars
1976: I'd Rather Believe in You
1977: Cherished
1979: Take Me Home
1979: Prisoner
1980: Black Rose
1982: I Paralyze
1987: Cher
1989: Heart of Stone
1991: Love Hurts
1995: It's a Man's World
1998: Believe
2000: Not.com.mercial
2001: Living Proof
2011: TBA

Recopilatorios

1968: Golden Greats
1972: Superpack
1974: Greatest Hits
1992: The Greatest Hits 1965 – 1992
1999: If I Could Turn Back Time: Cher's Greatest Hits
1999: The Greatest Hits
2003: The Very Best of Cher
2005: Gold
2010: Goddess of Pop: The Remix


Bandas Sonoras

1969: Chastity
1979: Roller Boogie
1980: Foxes
1989: Chances Are
1990: Days of Thunder
1990: Mermaids
2010: Burlesque

Sencillos número uno

1971: "Gypsies, Tramps and Thieves"
1973: "Half Breed"
1974: "Dark Lady"
1979: "Take Me Home"
1989: "After All"
1989: "If I Could Turn Back Time"
1991: "The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)"
1995: "Love Can Build a Bridge"
1998: "Believe"
1999: "Strong Enough"
1999: "All or Nothing"/"Dov'è L'amore"
2001: "The Music's No Good Without You"
2002: "Song for the Lonely"
2002: "A Different Kind of Love Song"
2003: "When the Money's Gone"/"Love One Another"
2010: "You Haven't Seen the Last of Me"

PLAYLIST

1 - Why
2 - There must be an angel
3 - Love Song For A Vampire
4 - A whiter shade of pale
5 - Sweet Dreams
6 - Walking on Broken Glass
7 - The Miracle of Love
8 - Into the West
9 - Waiting in Vain
10 -Ladies of the Canyon
11 -Wonderful
12 -Stay by me
13 -Money can't buy it
14 -Wonderful
15 -Loneliness
16 -Don't Let It Bring You Down
17 -Take me to the River
18 -Sing

Ann Lennox, OBE (n. 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia), más conocida como Annie Lennox, es una cantante de rock británica, ganadora del Óscar, Brit Awards, Grammy y el Golden Globe. Comenzó su carrera como vocalista del grupo pop británico The Tourists, que abandonó para formar con otro de sus miembros, Dave Stewart, el dúo Eurythmics, que alcanzó un gran éxito a lo largo de los años 1980 con sencillos como «Sweet Dreams (Are Made of This)» o «Here Comes the Rain Again».
En la década de 1990, Lennox se embarcó en una carrera en solitario que arrancó con su álbum de debut Diva (1992), que produjo los sencillos de éxito «Why» y «Walking on Broken Glass». En 2004 ganó tanto el Globo de Oro como el Óscar a la mejor canción original por «Into the West», escrita para la banda sonora de la película El Señor de los Anillos: el retorno del Rey.
Sale a la venta el 1 de octubre de 2007 editado por Sony BMG, incluye el himno feminista 'Sing', nacido del compromiso de Lennox con la fundación Nelson Mandela 46664 y con la Treatment Action Campaign (TAC), organizaciones que luchan a favor de los derechos humanos, la educación y la salud de los afectados por el virus VIH.
'Sing', uno de los temas ha reunido a 23 cantantes femeninas de todo el mundo, quienes hacen coros a la "diva" con la intención de reclamar la atención sobre la labor de estas organizaciones y recaudar fondos para las iniciativas del TAC. Entre estas artistas, además de Madonna, Céline Dion, Anastacia o Shakira, está el grupo vocal del TAC conocido como The Generics, cuyo álbum inspiró a Annie Lennox para componer esta canción.
Para este trabajo Lennox abandona a su habitual colaborador Steve Lipson para trabajar en Los Ángeles con el productor Glenn Ballard, conocido por sus grabaciones con Anastacia, Christina Aguilera, Shakira, Alanis Morissette o Aretha Franklin.
De la inquietud de 'Sing' en favor de los mas necesitados, Annie Lennox ve la necesidad de tomar acción y crea Sing campaign, que plantea hacer conciencia ante la problemática del VIH Sida, recaudando fondos y previniendo la propagación de la enfermedad en niños y mujeres.
En 1986 una eufórica Annie Lennox en pleno concierto en Birmingham junto a su banda Eurythmics se quitó el sujetador ante más de 10.000 personas.
En 1992 participó en el Tributo a Freddie Mercury interpretando la canción «Under Pressure» junto con David Bowie.

DISCOGRAFÍA

Año Álbum
1992 Diva
1995 Medusa
2003 Bare
2007 Songs of Mass Destruction
2009 The Annie Lennox Collection
2010 A Christmas Cornucopia

Fuente: Wikipedia

PLAYLIST

1 - Gimme a chance
2 - Looking back over my shoulder
3 - The living years
4 - Behind those eyes of blue
5 - Satisfy my Soul
6- Don't shed a tear
7 - One Small Setp
8 - Tempted
9 - How Long
10 - Love Will Keep Us Alive
11- Beutiful World
12- If I were you
13- Nothing to lose
14- Harvest for the World
15- When you walk in the room
16- For once in our lives

Paul Carrack (nacido el 22 de abril de 1951 en Sheffield, Inglaterra) es un teclista, cantante y compositor inglés. Ha sido miembro de varios grupos musicales como Ace, Roxy Music, Squeeze o Mike & The Mechanics aunque también ha tenido éxito como artista en solitario.
Trayectoria
Su carrera musical comienza con el conjunto de rock progresivo Warm Dust, que lanzó tres álbumes entre 1970 y 1972. Carrack era el pianista y de vez en cuando utilizaba otros instrumentos pero no era el solista del grupo. Después de la disolución de Warm Dust, Carrack y el bajista Tex Comer crearon el grupo de pop-rock llamado Ace. Carrack compuso y cantó «How long», un sencillo que fue un éxito a ambos lados del Atlántico en 1975. Sin embargo, ninguna otra grabación del grupo ganó popularidad. En 1977 As se disolvió y Carrack comenzó a trabajar como músico de apoyo para Frankie Miller. Luego se incorporó como miembro de Roxy Music, tocando los teclados en el álbum de 1979 Manifesto. Carrack también participaría en los dos siguientes álbumes del grupo, pero como un músico de sesión, no un miembro de la banda.
Tras su paso por Roxy Music publica su primer álbum en solitario, Nightbird, que no fue un éxito comercial. En 1981, Glenn Tilbrook lo recluta para unirse a Squeeze como reemplazo del pianista Jools Holland. Esta nueva formación alcanzó el éxito internacional con el álbum East Side Story, donde Carrack es el vocalista en la canción «Tempted», su mayor éxito de esa época en Estados Unidos. Pero hacia 1982, Carrack había abandonado el grupo, y había sido substituido por Don Snow.
Previamente, a finales de 1981, Carrack se había unido a Nick Lowe para formar una banda de acompañamiento denominada Noise To Go, cuyo propósito era intervenir en los respectivos álbumes en solitario de ambos artistas, de modo similar a la banda Rockpile en los álbumes de Dave Edmunds y del propio Lowe. Noise To Go también intervendría en Blue Nun, LP en solitario de Carlene Carter, esposa de Nick Lowe. La banda se completaba con Martin Belmont en la guitarra, James Eller en el bajo y Bobby Irwin en la batería. En 1982, esa formación acompañó el LP en solitario de Carrack Suburban Voodoo.
Tras ese álbum, James Eller abandona Noise To Go, Nick Lowe se encarga del bajo eléctrico y la banda se rebautiza como Nick Lowe and His Cowboy Outfit, que graba dos álbumes entre 1983 y 1985, con Lowe como vocalista. Durante esta época, Carrack también trabajó como músico de sesión para The Smiths y The Pretenders.
En 1985, Nick Lowe and His Cowboy Outfit fue disuelto y Mike Rutherford, de Genesis, se puso en contacto con Carrack para que se uniera a Mike & The Mechanics, el nuevo proyecto de Rutherford. Al principio, Carrack era uno de los dos cantantes alternos junto a Paul Young; así canta el éxito de 1985 «Silent Running (On Dangerous Ground)». Además, compagina su intervención en el grupo con otras actividades musicales. En 1986, Carrack se incorpora al recién formado grupo de Roger Waters, The Bleeding Hearts Band, con quienes graba en ese año la banda sonora de la película «When The Wind Blows» y al año siguiente el álbum en solitario de Waters Radio KAOS —al que sigue una gira por Europa y Estados Unidos—; aprovechando el éxito de Mike & The Mechanics, en 1987 edita su propio álbum One Good Reason, y el sencillo «Don't Shed A Tear». Desde entonces, logra mantener tanto su carrera en solitario como con Mike & The Mechanics, una banda que grabó y viajó irregularmente debido a los compromisos de Rutherford con Genesis. En 1989 la banda alcanza el número 2 de las listas británicas con «The Living Years» con Carrack como voz. También en 1989, interpreta a duo con Terri Nunn «Romance», una canción basada en un éxito de sintetizador de una banda alemana. La canción apareció en la banda sonora de la película «Sing».
A principios de la década se produce una pequeña parada en su carrera aunque continúa trabajando con "Mike + The Mechanics" sobre todo con los teclados. En 1990 en Berlín, trabaja en el innovador espectáculo "The Wall" de Roger Waters, interpretando "Hey You" ante 250.000 personas. En 1993, se une al bajista Tony Levin, al batería Steve Ferrone, al guitarrista Phil Palmer y el productor y tecladista Rupert Hine para formar la banda "Spin 1ne 2wo". lanzando un álbum con temas de Jimi Hendrix, The Who, Led Zeppelin, Blind Faith, Steely Dan o Bob Dylan. También en 1993, "Squeeze" contrata la vuelta de Carrack para su álbum "Some Fantastic Place" y su tour de promoción. Con Carrack a la voz, el disco fue un éxito con su canción "Tempted" que apareció en el film "Reality Bites" (1994). Sin embargo, Carrack abandona de nuevo el grupo un año después. Después de esta segunda etapa con "Squeeze" se une a Timothy B. Schmit y Don Felder de "The Eagles" para un nuevo y ambicioso proyecto de grabación que finalmente no se termina. En 1996 recopila su carrera en solitario con el disco "Blue Views".
Mantiene su carrera activa como artista en solitario y músico de sesión compaginando su trabajo en "Mike + The Mechanics" en 2000. En 2004, el grupo se rebautiza entonces como "Mike + The Mechanics & Paul Carrack".

Discografía

En solitario

1980 Nightbird
1982 Suburban Voodoo
1987 One Good Reason
1989 Groove Approved
1996 Eyes of blue
1997 Blue Views
1997 Beautiful World
2000 Satisfy My Soul
2001 Groovin'
2003 It Ain't Over
2005 Winter Wonderland
2007 Old, New, Borrowed and Blue
2008 I Know That Name
2010 A Different Hat

Recopilaciones

1987 Ace Mechanic
1988 The Carrack Collection
1994 Twenty-One Good Reasons: The Paul Carrack Collection
1995 Carrackter Referente
2006 Greatest Hits - The Story So Far

Fuente: Wikipedia

Playlist

1 - To France
2 - Muse
3 - Blackbird
4 - Man In The Rain
5 - Celtic Rain
6 - Cochise
7 - Moonlight Shadow
8 - Family Man
9 - The top of the morning
10- Tubular Bells I (Introduction adaptacion 2003)
11- Far above the clouds
12- Summit Day
13- Sentinel - TBII
14- Heaven's Open
15- Weightless
16- Misty
17- Return to the origin
18- To be free
19- Daydream
20- Lament for Atlantis
21- Hipernova
22- Ommadawn parte 2
23- Tubular Bells 2003 (Parte 1)
24- Crises
25- Punkadiddle
26- Holy
27- Earth Moving

Michael Gordon Oldfield, nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra, es un compositor, multiinstrumentista y productor británico.
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".
Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
"Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
Mike se aproximó en más profundidad a la música rock, formando otro grupo de corta vida llamado Barefeet, con su hermano Terry. Eso le condujo a trabajar como bajista en Kevin Ayers & The Whole World. Kevin Ayers había sido miembro fundador de Soft Machine, pero abandonó el grupo en 1968. Al año siguiente publicaron el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.
Entre los miembros de The Whole World se encontraba David Bedford ocupándose de los teclados. Bedford, un compositor de formación clásica, entabló una buena amistad con Mike, ayudándole en la composición de una temprana versión del que sería su primer álbum en solitario. Estando de gira con The Whole World, Mike entró en contacto con Centipede, una enorme orquesta de jazz dirigida por Keith Tippett. La amplia gama de instrumentos de que disponían influyó a Mike en el carácter multiinstrumentalista que más tarde daría a sus propias composiciones.
Kevin Ayers & The Whole World grabaron dos álbumes, Shooting At The Moon y Whatevershebringswesing, antes de disolverse en agosto de 1971. Para entonces, Mike había pasado de ser bajista a ser el guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación.
Entre 1971 y 1973 Mike comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa... Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello "no era comercial" y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

En solitario
Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, "todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia".

Tubular Bells

El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.
Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo bien que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.
Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, "si le pones letra te lo compró por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.
Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa.
En junio de 1973, Tubular Bells se presentó en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para esta ocasión, se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de The Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight. También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong, y que sería uno de los nombres fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así: "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento".
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

Discografía

1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven's Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light & Shade
2007 – Music Of The Spheres

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica
Guitarra española
Guitarra acústica
Bajo
Gaita
Piano
Sintetizador

Fuente: Wikipedia

PLAYLIST

1 - Cryin'
2 - Rubina
3 - Always with me, always with you
4 - Summer Song
5 - Little Wing (live) (steve vai, yngwie malmsteen, joe satriani)
6 - Tears In the Rain
7 - You Saved My Life
8 - The Extremist
9 - Friends
10- New Blues
11- Midnight
12- I Believe
13- Flying in a blue dream
14- Love Thing
15- Red House (joe satriani, eric johnson, steve vai)
16- Until we say goodbye
17- Home
18- until we say goodbye
19- Surfing with the Alien
20- What Breaks a Heart
21- Lights of heaven
22- Manhattan (Joe Satriani - Eric Johnson - Steve Vai)

Joe "Satch" Satriani es un guitarrista de rock instrumental. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.
Según otros guitarristas ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen:Steve Vai, Alex Skolnick (Testament) y Kirk Hammett (Metallica)
Influenciado por : Jimi Hendrix, Jimmy Page(Led Zeppelin), Jeff Beck, Eric Clapton(Cream) y Brian May(Queen)
Nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Comenzó a tocar a los 14 años. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los años 1970 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra
Su segundo álbum editado en 1987 y llamado Surfing With the Alien se considera como uno de los mejores albumes de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según la encuesta anual de lectores de la revista estadounidense Guitar Player.
En 1989, la canción de Satriani One Big Rush (originalmente lanzada como Flying in a Blue Dream) fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.
En 1992 Satriani publica su álbum The Extremist, con un éxito increíble, muy cerca de su disco Surfing with the Alien, con influencias bastantes metaleras. Sus canciones "Summer Song", "War", "Why" y "Cryin'" son las más famosas de este disco.
En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.
En 1998 aparece el álbum Crystal Planet, con el que sorprende a la audiencia al aparecer un Joe totalmente rapado, pero con el mismo sonido característico, con canciones como "House Full of Bullets", "Ceremony", "Raspberry Jam Delta-V", entre otras.
Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS, el amplificador Peavey JSX y cuatro pedales de efectos de la linea Vox.
En abril del 2008 Satriani publica su álbum Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock, con el que inicia una gira mundial, por Europa, Australia, Sudamérica, México, y próximamente en Canadá y Estados Unidos, el cual consiste en una recopilación de sus diversos estilos dentro de sus demás álbumes.
En diciembre de 2008, Satriani demanda a la agrupación británica Coldplay por un supuesto plagio de su tema "If I could fly" dentro de la canción "Viva la Vida" de la banda británica. Finalmente, el 14 de septiembre de 2009, el juez archivó el caso, después del acuerdo alcanzado por las partes.

Actualmente se encuentra en un nuevo proyecto llamado Chickenfoot junto con el vocalista Sammy Hagar, ex-Van Halen, el bajista Michael Anthony (también un ex-Van Halen) y el baterista Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers. Este supergrupo lanzó ya su primer álbum del mismo nombre de la banda el 5 de junio de 2009 en Europa y el 7 de junio para norteamerica, y ya han anunciado por medio de sus varios sitios de internet la futura llegada de un segundo disco de la banda.

En el año 2010 Satch colabora en el álbum de Tarja Turunen llamado What Lies Beneathen la canción Falling Awake.

Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental, desde su consolidación con el célebre disco Surfing with the alien, lanzado a fines de los años '80. Su versatilidad, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho merecedor de elogios de parte de un sin número de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Uno de los más recordados elogios del último tiempo es el que Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, emitió acerca de Satch, al referirse a él como El mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez, refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza. Sin embargo, Joe Satriani ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de Multiinstrumentista, plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e, incluso, un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.

Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y a día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todo de nivel su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred, e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
Discografía

The Joe Satriani EP (1984)
Not of This Earth (1986)
Surfing With the Alien (1987)
Dreaming #11 (1988)
Flying in a Blue Dream (1989)
The Extremist (1992)
The Beautiful Guitar(1993)
Time Machine (1993)
Joe Satriani (1995)
G3: Live in Concert (1997)
Crystal Planet (1998)
Engines of Creation (2000)
Additional Creations (Bonus CD with limited "Engines of Creation") (2000)
Live in San Francisco (2001)
Strange Beautiful Music (2002)
The Electric Joe Satriani: An Anthology (2003)
G3: Rockin' in the Free World (2004)
Is There Love in Space? (2004)
G3: Live in Tokyo (2005)
One Big Rush: The Genius of Joe Satriani (2005)
Super Colossal (2006)
Satriani Live! (2006)
Professor Satchafunkilus And The Musterion Of Rock (2008)
Joe Satriani Original Album Classics (2008)
Chickenfoot (2009)
Live in Paris: I just wanna rock (2010)
Black Swans And Wormhole Wizards (2010)
Chickenfoot: Get Your Buzz On - Live) (2010)

Fuente: Wikipedia

Playlist

1 - No One Is To Blame
2 - What Is Love
3 - Things Can Only Get Better
4 - Everlasting love
5 - New song
6 - Two Souls
7 - Show Me


Nacido bajo el nombre completo de John Howard Jones el 23 de Febrero de 1955 en Southampton, Inglaterra, vivió desde pequeño en un entorno musical, ya que junto con sus hermanos Roy, Martin y Paul empezaron a tomar clases de piano desde muy pequeños. Ya adolescente, y tras integrar su primera banda de Progressive Rock llamada Warrior, Jones pasó un año estudiando en la Royal Northern College of Music en la ciudad de Manchester. En 1983, firmó con los sellos WEA en el Reino Unido y con Elektra Records en los Estados Unidos. Su primer sencillo fue "New song" (1983), editando su álbum debut, "Human's Lib", en 1984, el mismo que lideró el UK Albums Chart. Aquí, además de "New song", sobresalen las canciones "What is love?", "Pearl in the shell" y "Hide and seek".
"Dream Into Action" (WEA/Elektra, 1985) fue su segundo disco, producido por Rupert Hine, que gracias a grandes canciones como "Things can only get better" y "No one is to blame", alcanzó la posición #2 del UK Albums Chart, seguido de "One To One" (Elektra/Asylum Records, 1986), en donde se incluyó una nueva versión de "No one is to blame", con la participación de Phil Collins en los coros y la batería. Cabe recordar también que en 1985 participó del hoy mítico concierto Live Aid, organizado por Bob Geldof y Midge Ure, junto a otros grandes artistas como Adam Ant, Spandau Ballet, Elvis Costello, Sade, Sting, U2, Dire Straits, Queen y David Bowie, entre otros, y en el que se recaudaron fondos para Etiopía.
Sus siguientes trabajos discográficos fueron: "Cross That Line" (WEA/Elektra, 1989), en donde aparece "Everlasting love", otra de sus grandes canciones; "In the running" (Elektra/Eastwest Records, 1992), en donde colaboraron los músicos Midge Ure (Visage, Ultravox) y Mark Brzezicki (Big Country, The Cult, Ultravox); "Working In The Backroom" (1994), el primer disco editado por su propio sello Dtox Records; "People" (Ark 21 Records, 1988), co-producido junto a Andy Ross; "Revolution Of The Heart" (KOCH Records, 2005), y "Ordinary Heroes" (Dtox, 2009), con Robbie Bronninmann como productor, además de varios EPs, discos en vivo y compilatorios.
En Noviembre de 2010, Howard Jones editó sólo 1000 copias de versiones remasterizadas de los álbumes "Human's Lib" y "Dream Into Action", bajo el nombre de "Remastered Edition Box Set". A continuación, los dejamos con esta extraordinaria canción, "Things can only get better", en donde se puede apreciar todo el talento y la calidad de las composiciones de este gran músico y cantante.
FUENTE: http://elviajesonico.blogspot.com/

Playlist

1 - Blues For Narada
2 - Empty rooms
3 - Still Got The Blues
4 - Parisienne Walkways
5 - The Thrill is Gone (bb king & gary moore)
6 - Walking By Myself
7 - Falling In Love With You
8 - Strangers in the Darkness
9 - Cut It Out
10- Over The Hills And Far Away
11- The sky is crying
12- All Your Love
13- Separate Ways


Gary Moore (Belfast, Irlanda del Norte, 4 de abril de 1952 – Estepona, 6 de febrero de 2011 ) fue un guitarrista que empezó a mostrar sus dotes en la banda Thin Lizzy.
Comenzó tocando en una banda llamada The Boys, pero al poco tiempo, con dieciséis años de edad, se incorporó a Skid Row (no confundir con Skid Row, banda de heavy metal), acompañado por Brendan Shields (bajo), Noel Bridgeman (batería) y Phil Lynott (voz). Éste último abandonaría pronto la banda para formar Thin Lizzy, mientras Moore proseguía con Skid Row; dicho grupo entró en contacto con Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac, actuando como teloneros suyos en varios conciertos. El genial Green quedaría tan impresionado con su sonido que les consiguió un contrato con su propia discográfica, CBS. Por su parte, la duradera admiración de Moore por Green, que recorre toda su carrera, quedará plasmada en el álbum "Blues for Greeny" (1995), que reinterpreta once temas compuestos o interpretados por Green.
Antes de comenzar su carrera solista, aún pasaría un periodo de participación en diversas formaciones. Pero, tras abandonar Skid Row en 1972, graba "Grinding Stone" (1973) con la Gary Moore Band; este ha sido considerado como su primer disco solista. Casi sin transición, pasará a reemplazar a Eric Bell en Thin Lizzy, banda en la que formó un corto espacio de tiempo antes de pasar, en 1975, a Colosseum II, y a la que volvería de forma intermitente hasta 1979. fecha de grabación de "Black Rose". En medio de una gira por EE.UU., las diferencias con Lynott hacen que Moore abandone de nuevo la banda y forme G-Force. El tema Parisienne Walkways del disco "Back on the Streets" 1978 (segundo en solitario de Moore), llega a la lista top ten en Reino Unido.
Durante la década de 1980 vive una época más tranquila, pasándose al rock melódico, momento en el que consigue su mayor popularidad en Reino Unido con su LP "Victims of the future" (1983). También colabora con él Phil Lynott en "Out in the Fields". En el álbum "Wild Frontier", de 1986, pueden apreciarse ciertas influencias de la música celta. Y en "After the War" (1989) vuelve a sus raíces hard con colaboraciones de Ozzy Osbourne y con el difunto Cozy Powell en la batería.
El álbum "Still Got the Blues" le devolvió a las listas de éxitos en 1990 de la mano de temas como el que da título al disco. Dejando de lado el hard rock, se vuelve más intimista y da un pronunciado giro hacia el blues que, aunque descubierto tardíamente, parece causar una impresión importante y duradera en la carrera del guitarrista, en ese mismo año 1990 que junto con Albert King y Albert Collins dará una serie de conciertos. En 1992 aparece "After Hours", disco que sigue la línea del anterior y que cuenta con la colaboración de B.B. King y Albert Collins, grandes figuras del blues estadounidense. Este disco será la confirmación del giro musical de Moore y le dará un nombre entre los intérpretes de blues británicos.
La década de 1990 transcurre a la sombra de estas grabaciones iniciales y no aparece marcada por nuevos éxitos importantes excepto, tal vez, la aparición en 1997 de "Dark Days in Paradise", una exploración musical tan alejada del blues que venía practicando como del hard rock anterior. También resulta reseñable un nuevo intento de tocar dentro de una formación: BBM. En esta ocasión se unirá a Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería), base rítmica del mítico grupo Cream. La colaboración se tradujo en un disco, "Around the Next Dream" (1994), y una gira.
La década del 2000 arranca musicalmente con la publicación en 2001 de "Back to the Blues": toda una declaración de intenciones. En 2007 lanza el que podría ser disco más notable de este periodo, "Close As You Get", que prosigue su acercamiento al blues con temas propios y versiones de clásicos como Chuck Berry, Sonny Boy Williamson II, John Mayall o Son House (de este último es el tema acústico 'Sundown', que cierra el disco).
En el 2002 se embarca en nuevo proyecto, Scars, Formando una banda con la que publica un álbum homónimo Scars, que fue lanzado el 10 de septiembre de 2002. El power trio contó con Moore (voz / guitarra), Cass Lewis de Skunk Anansie (bajo / coros) y Darrin Mooney de Primal Scream (batería).
El disco fue presentado en una estupenda gira por el Reino Unido, que tuvo su culminacion en el Live At The Monster Of Rock, del 2003.
El 6 de febrero de 2011 falleció en Estepona, Málaga.

Discografía
Solista

* Grinding Stone, (1973)
* Back on the Streets, (1978)
* G-Force , (1979)
* Corridors of Power, (1982)
* Live at the Marquee, (1983)
* Victims of the Future, (1983)
* Dirty Fingers, (1984)
* We Want Moore!, (1984)
* Run for Cover, (1985)
* Rockin' Every Night - Live in Japan, (1986)
* Wild Frontier, (1987)
* After the War, (1989)
* Still Got the Blues, (1990)
* After Hours, (1992)
* Spanish Guitar - Best, (1992)
* Blues Alive, (1993)
* Ballads & Blues 1982-1994, (1994)
* Blues for Greeny, (1995)
* Around The Next Dream, (1996)
* Dark Days in Paradise, (1997)
* Out in the Fields - The Very Best of Part 1, (1998)
* Blood of Emeralds - The Very Best of Part 2, (1999)
* A Different Beat, (1999)
* Back to the Blues, (2001)
* Have Some Moore - The Best Of, (2002)
* Live At Monsters Of Rock, (2003)
* Power of the Blues, (2004)
* Old New Ballads Blues, (2006) (Anthology)
* The Platinum Collection - Rock, Blues and Live 3 disc set, (2006)
* Close As You Get (2007)
* Bad For You Baby (2008)
* Essential Montreux (2009) - Five Discs Set

Canciones ubicadas en el Top 40 del Reino Unido

* "Parisienne Walkways" - 1979 - Nº 8
* "Out in the Fields" - 1985 - Nº 5
* "Empty Rooms" - 1985 re-issue - Nº 23
* "Over the hills and Far Away" - 1986 - Nº 20
* "Wild Frontier" - 1987 - Noº 35
* "Friday on my Mind" - 1987 - Nº 26
* "After the War" - 1989 - Nº 37
* "Still Got the Blues (For You)" - Nº 31
* "Cold Day in Hell" - 1992 - Nº 24
* "Story of the Blues" - 1992 - Nº 40
* "Parisienne Walkways" - 1993 re-edición - Nº 32

Con Colloseum II

Colosseum II, formada junto a Don Airey, John Mole y Jon Hiseman.

* Strange New Flesh (1976)
* Electric Savage (1977)
* War Dance (1977)

Con Thin Lizzy

Su paso más importante lo dio con esta banda, liderada en conjunto con Phil Lynott.

* Night Life (1974) (solo aparece en la canción "Still In Love With You")
* Remembering (1976)
* Black Rose: A Rock Legend (1979)
* Continuing Saga of Ageing Orphans (1980)
* The Adventures of Thin Lizzy (1981)
* Life (1983)
* Dedication: The Very Best of Thin Lizzy (1991)

Con BBM

El nombre del grupo está formado por las iniciales de sus tres componentes: Baker, Bruce y Moore.

* Around the Next Dream (1994)

Con Scars

Formada en el año 2002 por Gary Moore (voz / guitarra), Cass Lewis de Skunk Anansie (bajo / coros) y Darrin Mooney de Primal Scream (batería).

* Scars (2002)

Playlist

1 - I Want To Come Over
2 - It's For You
3 - This Moment
4 - Come To My Window
5 - I need to wake up
6 - Breathe
7 - Mercy
8 - Secret Agent
9 - Message To Myself
10- I Take You With Me
11- I will never be the same
12- California
13- You Can Sleep While I Drive
14- I Take You With Me
15- The Kingdom of Heaven
16- Sleep

Melissa Etheridge se convirtió en una de las artistas más populares de los años 90 debido a su mezcla de letras confesionales, pop basado en el folk-rock, y su voz áspera, como la de Janis Joplin y Rod Stewart. Pero en el camino al estrellato no todo fue sencillo para Etheridge quien se debatió entre bastidores por no revelar al público que era gay desde el principio de su carrera. Nacida el 29 de mayo 1961, en Leavenworth, Kansas, Etheridge tomó por primera vez la guitarra a la edad de ocho años y comenzó escribiendo sus propias canciones poco después. Tocando en bandas locales durante toda su adolescencia, Etheridge luego asistió a la famosa Berklee College of Music en Boston. Devenida en compositora y guitarrista abandonó después de un año antes de hacer su camino a Los Angeles en los años 80 para dar un impulso a su carrera en la música. Etheridge en este punto, mostraba un estilo mas cercano al blues que el folk-pop de sus comienzos. Posteriormente dada su producción de composiciones originales llamó la atención de Bill Leopold, quien firmó como administrador de Etheridge.
El primer trabajo grabado por Etheridge apareció en la banda sonora de la película Weeds de Nick Nolte, antes de su debut homónimo que se publicó en 1988. El álbum, rápidamente recibió comparaciones con pesos pesados como Bruce Springsteen y John Mellencamp, ya que generó el exitoso sencillo "Bring Me Some Water". A raíz del éxito del álbum realizado, Etheridge actuó en los premios Grammy al año siguiente. Sería casi tres años antes del próximo álbum de estudio Etheridge apareció, sin embargo, y 1992 marcó la llegada de "Never enough", un álbum que demostró ser musicalmente más variado.
Pero fue el cuarto disco de Etheridge, el que resultaría ser su éxito comercial masivo. Cansada de los rumores y las preguntas acerca de su sexualidad, Etheridge decidió poner fin a la especulación titulando a su álbum "Sí, lo soy". Producido por Hugh Padgham, el álbum, dio lugar a dos grandes de éxitos radiales con "I'm the Only One" y "Come to My Window" (el último de los cuales aparece un video con la actriz Juliette Lewis), vendiendo la asombrosa cifra de seis millones de copias en los EE.UU. en solo año, obteniendo un Premio Grammy en 1995 como Mejor Vocalista Femenina de Rock. Los álbumes posteriores no lograron el éxito de "Yes I Am", incluyendo a Little Secret en 1995, Breackdown en 1999, Skin en 2001.
Etheridge es famosa por defender los derechos homosexuales y por declararse lesbiana durante la inauguración de la presidencia de Bill Clinton en 1993.
Etheridge tuvo una relación de hace años con Julie Cypher, con quien tuvo dos hijos, Bailey Jean, nacida en febrero de 1997 y Beckett, nacida en noviembre de 1998, via esperma donado por David Crosby. Cypher hizo público su noviazgo, pero en el 2000, Cypher empezó a reconsiderar su sexualidad. El 19 de Septiembre del 2000, Etheridge y Cypher anunciaron que se separaban.
En el 2001, Etheridge documento su separación de Cypher y otras experiencias en su libro autobiográfico: "The Truth Is... My Life in Love and Music" (La verdad es...Mi vida en la música y el amor). En el libro dice que fue abusada sexualmente a los cinco años por su hermana Jennifer y que Julie Cynpher mantenía una relación con K.D. Lang.
Después de cortar con Cypher, Etherdige contrajo matrimonio en el 2003 con la actriz Tammy Lynn Michaels. En Abril del 2006, la pareja anunció que Michaels estaba embarazada de mellizos vía un donador de esperma anónimo. Michaels dio a luz a un niño, Miller Steven, y una niña, Johnnie Rose, el 17 de Octubre del 2006.
En Octubre del 2005, en honor al Mes del Cáncer de Mamas, Etheridge apareció en la línea de NBC con Michaels para contar sobre su lucha contra el Cáncer de Mamas. Para cuando se hizo la entrevista, el pelo le había crecido de vuelta, dijo que su pareja la había apoyado durante su enfermedad.
En abril de 2010 Etheridge y Lynn anunciaron su separación, tras nueve años de relación juntas.
En 2006 ganó el premio en el rubro Mejor Canción por "I need to wake up" del film "Una Verdad Incómoda" (An Inconvenient Truth), documental estadounidense conducido por el ex Vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de Bill Clinton, Al Gore, sobre los efectos del calentamiento global generado por la actividad humana sobre el planeta Tierra.

Discografía

* Melissa Etheridge (1988)
* Brave and Crazy (1989)
* Never Enough (1992)
* Yes I Am (1993)
* Your Little Secret (1995)
* Breakdown (1999)
* Skin (2001)
* Lucky (2004)
* Greatest Hits: The Road Less Traveled (2005)
* The Awakening (25 de septiembre de 2007)
* A New Thought For Christmas (30 de septiembre de 2008)

Fuentes: AllMusic http://www.allmusic.com/artist/melissa-etheridge-p4205/biography
Wikipedia

Playlist

1 - Every Kinda People (robert palmer)
2 - Addicted to Love (robert palmer)
3 - Simply Irresistible (robert palmer)
4 - Know by now (Robert Palmer)
5 - Some like it hot (robert palmer)
6 - She Makes My Day (robert palmer)
7 - Mercy mercy me (robert palmer)
8 - Bad Case Of Loving You (robert palmer)
9 - Johnny and Mary (robert palmer)
10 - Some Guys Have All The Luck (robert palmer)
11 - Don't Explain (robert palmer)

Robert Allen Palmer (19 de enero de 1949 – 26 de septiembre de 2003), nacido en Batley, Yorkshire, fue un cantante inglés.
Hijo de un militar británico destinado en Malta, Palmer se fue con su familia a Scarborough, Yorkshire en 1959. Influenciado desde niño por el blues, el soul y el jazz, Robert Palmer juntó su primera banda, The Mandrakes, a la edad de 15 años cuando aún estaba en el instituto de tíos de Scarborough. Su primera y principal ruptura vino con la salida del cantante Jess Roden de la banda The Alan Bown Set en 1969, después de que invitaran a Palmer a Londres para que cantara su single "Gypsy Girl". Las voces del álbum The Alan Bown!, originalmente grabadas por Roden, fueron re-grabadas por Palmer tras el éxito del single.
En 1970, Palmer juntó Dada, banda de 12-piece jazz-rock fusion, con el destacado cantante Elkie Brooks. La banda duró un año, después Brooks y Palmer formarían el críticamente alabado pero comercialmente fracasado grupo de rythm and blues Vinegar Joe, en el que Palmer cantaba y tocaba la guitarra rítmica. Lanzaron tres álbumes grabados por la compañía Island Records: Vinegar Joe (1972), Rock 'n' Roll Gypsies (1972), y Six Star General (1973).
Basándose en su look joven, su fuerte presencia y su emotiva voz, Island Records, firmó con Palmer un contrato en solitario. Su primer álbum Sneakin' Sally Through the Alley grabado en Nueva Orleans, Luisiana en 1974, estaba fuertemente influido por la música de Little Feat y la fusión funk de The Meters, quienes actuaron como banda de apoyo con el productor/guitarrista Lowell George, de Little Feat. Su primer single era una versión del tema "Sailin' Shoes" de Little Feat. Aunque con éxito moderado en el Reino Unido, tanto el álbum como el single alcanzaron el Top 100 en Estados Unidos.
Posteriormente se traslada con su mujer de Londres a Nueva York, y lanza el álbum Pressure Drop en 1975 (con el famoso bajista de Motown Records James Jamerson). Éste es un álbum influido por su interés en el reggae y la música rock. Giró con Little Feat en la promoción de este álbum.
Sin embargo, con el fracaso del siguiente álbum Some People Can Do What They Like, Palmer decidió mudarse a Las Bahamas; tras esto, su "estilo de vida emigrante" recibía más atención por parte de los diarios británicos que su propia música.
En 1978, lanzó Double Fun, una colección de rock caribeño influenciado, incluyendo una versión sincopada de "You Really Got Me". El álbum alcanzó el Top 50 en la revista estadounidense Billboard magazine y llegó al Top 20 de los singles con "Every Kinda People" de Andy Fraser. Con su mezcla de instrumentos caribeños, violines y buena letra, "Every Kinda People" se convirtió en una de las más queridas canciones de Palmer, versionada múltiples veces por otros artistas (incluyendo Chaka Demus y Pliers, Randy Crawford y Amy Grant) y citada por fans de la música y grupos espirituales por su mensaje positivo.
El siguiente álbum de Palmer fue una novedad artística, concentrándose en una dirección más rockera. Secrets, de 1979, produjo su segundo Top 20 de singles con "Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor)", de Moon Martin, que junto con el single "Every Kinda People" formó una de sus canciones más reconocidas.
En los años 1980 Palmer experimentó un aumento de su éxito comercial. El álbum Clues, producido por Palmer junto con Chris Franz y Gary Numan, generó hits en ambos lados del Atlántico, primero con el single "Johnny and Mary" y después con "Looking for Clues". Los pegadizos videos musicales que mezclaban los estilos synth pop y new wave le permitieron llegar a una audiencia más joven. Este éxito fue repetido en 1982 con el lanzamiento de Some Guys Have All the Luck.
En 1983 Palmer experimenta con percusión techno, sampling y más instrumentos de la música de las islas que descubrió en Bahamas (incluyendo caribeños) en su atrevido álbum Pride.
"You Are In My System" era un ejemplo de la pasión de Palmer por las versiones de Rhythm and Blues. El introdujo la canción en el álbum Pride una vez que el resto de canciones ya estaban acabadas. Escuchando la canción en un club de París, Palmer se apresuró en volver a su hogar en Las Bahamas, donde la banda reconvocada (incluido Frank, el co-compositor) tocó junta el tema.
1985 fue un año fundamental para Palmer. Tras el parón de Duran Duran, su guitarrista Andy Taylor y su bajista John Taylor se juntaron con el batería Tony Thompson y Palmer para formar la banda Power Station. Su álbum homónimo, grabado en su mayor parte en el estudio de Nueva York (Avatar Studios) por el cual la banda fue nombrada, alcanzó el Top 20 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y supuso dos hit con los singles "Some Like It Hot" y una versión de la canción "Get It On" de la banda T. Rex.
En 1985 Palmer también grabó el álbum Riptide, con Thompson y Andy Taylor tocando algunas canciones y el productor de Power Station Bernard Edwars, quien trabajó con Thompson en la banda CHIC, para agarrar las riendas de la banda.
Riptide produjo un número 1 con el single "Addicted to Love", que estaba acompañado por un memorable y muy parodiado vídeo musical, dirigido por Terence Donovan, en el que Palmer es rodeado por una bandada de "mujeres músico". Los singles "Hyperactive" y su versión de la canción de Cherrelle "I Didn't Mean to Turn You On" también se realizaron bien. Otra canción, "Trick Bag", fue escrita por una de sus mayores influencias, el artista de jazz de Nueva Orleadns Earl King. En 1987, ganó el premio Grammy al mejor cantante masculino de rock por su canción "Addicted to Love".
En 1987, Palmer se trasladó a Lugano, Suiza y montó su propio estudio de grabación. Produciendo Heavy Nova en 1989, Palmer de nuevo volvió a la experimentación, esta vez con ritmos de bossa nova, rock duro y baladas de soul blanco. Repitió lo que anteriormente pasó con "Addicted to Love" en el vídeo de "Simply Irresistible", de nuevo Palmer con una trupe de "mujeres músico". La balada "She Makes My Day" también resultó ser un éxito. En 1989, ganó su segundo premio Grammy al mejor cantante de rock masculino por "Simply Irresistible", que sería posteriormente incluida en el musical de Tony-winning "Contact". La revista Rolling Stone votó a Palmer como la estrella de rock mejor vestida de 1990
Palmer colaboró con UB40 en su siguiente álbum Don't Explain. Lanzado en 1990, presentó el éxito de Bob Dylan "I'll Be Your Baby Tonight" y la versión de Marvin Gaye "Mercy Mercy Me". A lo largo de los 90 Palmer se aventuró más en diverso material, como el álbum de 1992 Ridin'High, un tributo a la era de Tin Pan Alley
En 1994, Palmer lanza el álbum tropical Honey, que aunque no consigue gran difusión en Estados Unidos, obtiene éxito en el Reino Unido con los singles "Girl U Want", "Know By Now" y "You Blow Me Away".
En 1995, Palmer se reúne con otros miembros de The Power Station para grabar un segundo álbum. El Bajista John Taylor eventualmente salía del proyecto debido a problemas personales, y era reemplazado por Bernard Edwards. Palmer y el resto de la banda completaron el álbum Living In Fear (Lanzado en 1996), y justo habían empezado a girar cuando Edwards murió de una neumonía.
Los siguientes años Palmer hizo más giras y más trabajos; el siguiente lanzamiento de nuevo material fue Rhythm and Blues (1999), que contenía una mezcla de canciones influyentes de Little Fear, rock y pop. Palmer lanzó un single de éste álbum llamado True Love que resultó tener poca importancia en el Reino Unido.
Su último lanzamiento, Drive (2003), fue señalado como el álbum más sentido de su carrera. Inspirado por una colaboración previa con Carl Carton en un disco tributo a Robert Johnson, en Drive hace versiones de quince estándares de blues, más la canción original "Lucky". A su vez hizo giras a pequeña escala, la mayoría alrededor del circuito de casinos.
Palmer, quien tenía su hogar establecido en Lugano, Suiza en los últimos 15 años, murió en París en el año 2003 a causa de un ataque al corazón a la edad de 54 años. Fue enterrado en el cementerio de Lugano. A pesar de no ser tan conocido como otros músicos, Robert Palmer dejó un legado inmortal con su tipo de música.