Volviendo con mi selección de temas hot para momentos de absoluta intimidad...

...Mientras mi cuerpo se abandona a los juegos de tu mente, pecaminosos, profundos, lujuriosos, tu figura me acompaña en movimientos suaves y cadenciosos en medio de la húmeda penumbra...

Heaven

Depeche Mode es un grupo de música electrónica formado en Basildon, condado de Essex, en Inglaterra. El grupo puede ser considerado como uno de los más importantes exponentes del Synth Pop. Su álbum Violator de 1990 es considerado por algunos como una joya del movimiento Techno de las décadas de los ochentas y noventas. El grupo está integrado por:

* David Gahan (vocalista y actualmente también compositor), de 1980 a la fecha.
* Martin Lee Gore (compositor, ocasionalmente vocalista, tecladista y guitarra), de 1980 a la fecha.
* Andrew John Fletcher (tecladista y actualmente también bajista), de 1980 a la fecha.

Miembros anteriores:

* Vincent Clarke (compositor y tecladista), de 1980 a 1981. Compositor de Erasure de 1985 a la fecha.
* Alan Charles Wilder (tecladista, arreglista, ocasionalmente compositor y batería), de 1982 a 1995.

Principales miembros de apoyo en conciertos:

* Christian Eigner (batería, aunque con David Gahan compuso canciones para el grupo), de 1997 hasta la actualidad.
* Peter Gordeno (tecladista y ocasionalmente bajista), de 1998 hasta la actualidad.

Los Ochenta, primer período

El surgimiento de Depeche Mode se encuentra en un primer intento de dúo llamado No Romance in China formado por Vince Clarke y Andrew Fletcher en 1976, el cual no logró nada. Despúes Clarke formó con Martin L. Gore y con Rob Marlowe un nuevo grupo llamado French Look al cual se integraría nuevamente Andy Fletcher en lugar de Marlowe en 1979 dando origen al trío Composition of Sound en donde Martin Gore y Andrew Fletcher eran guitarristas y vocalistas, y Vince Clarke era compositor y tecladista. Para 1980 reclutaron al vocalista David Gahan después de que Clarke lo contactara tras oírlo cantando Heroes de David Bowie cuando ensayaban. Desde aquel momento Gore y Fletcher cambiaron las guitarras por los sintetizadores, se convirtieron en un grupo de música tecnopop y cambiaron su nombre a Depeche Mode por sugerencia del mismo Gahan quien lo tomó de estar hojeando una revista de moda francesa llamada así. Después de estar tocando puertas, el grupo pudo grabar una canción para un sello independiente de música electrónica llamado Some Bizarre, la canción era Photographic y apareció en un recopilatorio de nuevas promesas de ese sello, convirtiéndose así en su primera grabación para un disco. Semanas después el productor Daniel Miller, fundador del sello Mute Records y quien era uno de los que antes les había cerrado la puerta, los oyó tocar en directo y reconsideró su decisión por lo cual les dio una oportunidad al permitirles grabar su primer álbum a través de Mute y produciéndoselos él mismo, todo en un contrato únicamente verbal. Ese primer disco de 1981, Speak & Spell, logró posicionarse en listas de éxitos sobre todo gracias al tema bailable Just Can’t Get Enough y obtuvo buenas críticas gracias al talento de Clarke para manejar el teclado por lo cual se le consideraba el “mago de los teclados”. El álbum se conforma casi en su totalidad por nueve canciones de Vince Clarke, incluida Photographic, más una canción y un tema instrumental compuestos por Martin Gore. Además de Just Can’t Get Enough el otro sencillo fue New Life. La canción I Sometimes Wish I Was Dead en la versión américana del álbum fue cambiada por la canción Dreaming Of Me, esta última también sencillo. Tras el relativo éxito del primer disco Vince Clarke abandonó el grupo alegando que esa no era la forma en que él quería trabajar. Al no tener compositor principal, Martin L. Gore tomó el control creativo del grupo, la primera canción que compuso para Depeche Mode sin la presencia de Clarke fue See You y se convirtió en el mayor éxito que habían tenido hasta ese momento por lo cual realizaron una gira llamada así, See You Tour. Para ello necesitaron de un nuevo tecladista que tocara la parte de Clarke en los conciertos, así que pusieron un anuncio en la revista Melody Maker con el requisito de que no rebasara los 21 años. Alan Wilder en un principio mintió sobre su edad (ya tenía 22) para poder hacer la prueba, pero se quedó con el puesto. En poco tiempo concretaron su segundo disco, A Broken Frame de 1982, que nuevamente fue producido por Daniel Miller. El disco tiene un sonido muy distinto al primero pero sobre todo cambió el contenido de las letras al mostrarse Gore mas introspectivo que Clarke. Generalmente se considera a éste como el peor disco de Depeche Mode, incluso Martin Gore ha llegado a declarar eso, sin embargo contiene los primeros clásicos del grupo, Leave In Silence y la misma See You; el tercer sencillo fue The Meaning Of Love. Es en el disco A Broken Frame en el cual aparecen por primera vez como trío, Alan Wilder no tuvo nada que ver con su proceso creativo, y aunque ya aparece como miembro en el video de la canción Leave In Silence, fue cuando ya estaba concluido el álbum que se integró formalmente a la banda. La primer canción que Alan Wilder grabó con Depeche Mode fue Get The Balance Right. Nuevamente como cuarteto se pusieron a trabajar en su siguiente disco, Construction Time Again de 1983, otra vez producido por Miller y en el cual colaboró el ingeniero Gareth Jones. El disco se compone de siete nuevas canciones de Martin Gore y dos de Alan Wilder, quien se metió de lleno en el grupo encargándose de casi todo el trabajo de producción. Hay quienes consideran a este disco el primer trabajo verdaderamente importante de Depeche Mode, por su sonido más depurado y porque comenzaron a experimentar con los sampleos (lo cual no era muy frecuente en esa época). Ellos mismos han llegado a decir que aún era un trabajo pretencioso, de cualquier modo el tema Everything Counts de ése álbum es considerado por algunos como una de las mejores canciones en la trayectoria de la banda. Además de Everything Counts se lanzó también la canción Love, In Itself como sencillo, siendo el único álbum de estudio del grupo del cual se han desprendido solamente dos sencillos, aunque hubo ediciones limitadas del tema Told You So también como sencillo. En 1984 apareció la compilación People Are People, un EP que en su momento hizo de primer disco en América y que contiene por primera vez el tema que le da nombre. Poco después apareció su cuarto álbum, Some Great Reward, producido por Daniel Miller y Gareth Jones, que contiene siete nuevas canciones de Martin Gore, además de la canción People Are People (que formalmente se desprende como sencillo de ese disco) y una nueva de Alan Wilder. El disco fue escandaloso por sus letras sensuales y provocativas, e incluso debido a ello fueron censurados del concierto Live Aid. Aunque ese álbum musicalmente es parecido al Construction Time Again hay quienes piensan que fue el primer disco verdaderamente bien logrado de Depeche Mode por lo atrevido de sus letras y por seguir arriesgándose al experimentar con nuevos sonidos y recursos técnicos, y lo consideran dentro los mejores trabajos que han hecho. Además de People Are People, los otros sencillos fueron Master And Servant, Blasphemous Rumours y su lado b Somebody. 1985 fue su primer año sabático pero apareció la compilación Catching Up With Depeche Mode en Norteamérica, que recoge temas de los cuatro discos que llevaban hasta ese momento, además de cuatro nuevas canciones de las cuales Shake The Disease e It’s Called a Heart fueron los sencillos promociónales. Paralelamente apareció en Europa la compilación The Singles 81-85 (con el mismo arte de portada y los mismos sencillos promociónales que de hecho formalmente se desprenden de este disco) así como el VHS Some Great Videos. También existe de ese año el VHS titulado The World We Live In And Live In Hamburg que como su nombre dice recoge un concierto dado en esa ciudad alemana. En 1986 apareció su siguiente disco, Black Celebration, nuevamente producido por Miller y Gareth Jones, y que se convertiría otra vez en su trabajo más exitoso hasta el momento y otra vez considerado por algunos como su primer gran disco. Ese álbum se distinguió por la diversidad musical mostrada en los temas que lo componen, la experimentación, y por manejar un sonido un tanto más oscuro. Los sencillos del disco fueron, Stripped, Question Of Time y Question Of Lust. La canción But Not Tonight, inicialmente lado b del sencillo Stripped, fue incluida de último momento en el álbum por lo cual no aparece la letra en el booklet. Además de los videos de los tres sencillos se realizó también el video de la canción But Not Tonight debido a que fue empleada en los créditos de la película Modern Girls y a que de hecho fue sencillo para los Estados Unidos. Fue también a partir de ese disco que comenzaron a trabajar con el fotógrafo holandés Anton Corbijn, quien desde el momento se convirtió en el diseñador de producción de Depeche Mode. Para el siguiente año trabajaron por primera vez con un productor distinto a Daniel Miller o a Gareth Jones. El disco Music for the Masses de 1987 producido por David Bascombe los convirtió en uno de los grupos más importantes de la década y las canciones Behind The Wheel, Strangelove y Never Let Me Down Again se convirtieron en temas de éxito del grupo; además de aquellas la canción Little 15 fue sencillo para Europa. Con ese disco entraron de lleno al mercado de los Estados Unidos y realizaron una gira constituida de 101 presentaciones, la última de ellas publicada en 1989 en un álbum doble precisamente titulado 101 (one-oh-one en inglés) que recoge la presentación del 18 de junio de 1988 en el Rose Bowl de Pasadena California, y que es su primer álbum en vivo; la canción Everything Counts en vivo fue lanzada como sencillo de ése álbum. También en ese año se lanzó el VHS Strange. Asimismo existe de 1989 la edición en VHS del 101, aunque sólo con la mitad de las canciones, el resto es un documental realizado por el director D.A. Pannebaker sobre el paso del grupo por los Estados Unidos. En 1989 Martin Gore llevó a cabo su primer álbum solista, Counterfeit, a la par que siguió trabajando en Depeche Mode.

Los Noventa, segundo período

Fue en 1989 que se comenzó a escuchar en la radio el tema Personal Jesus del álbum Violator que apareció hasta 1990, esta vez producido por Mark Ellis, quien es más conocido en el mundo de la música como Flood, y que cambió por completo el sonido del grupo hacia algo más oscuro, sofisticado y elegante. La canción Personal Jesus es normalmente el tema más conocido de Depeche Mode hasta la fecha, y la canción Enjoy The Silence es generalmente el tema más gustado entre los seguidores del grupo. Aparte de esas dos canciones se lanzaron otros dos sencillos, World In My Eyes y Policy Of Truth, además de que se realizaron seis videos en total: los de ésos cuatro sencillos y los de los temas Halo y Clean; los seis videos se pueden encontrar en el VHS Strange Too. El disco Violator habitualmente es considerado el mejor álbum que Depeche Mode ha realizado en su historia. Después de la gira con el Violator se pusieron a trabajar en su siguiente disco, el cual apareció hasta 1993, Songs of Faith and Devotion, nuevamente producido por Flood y en el cual se dio un cambio total en el sonido del grupo, notablemente influido por el movimiento grunge que en aquella época estaba en su apogeo, lo cual consta en los cuatro sencillos del álbum, I Feel You, Walking In My Shoes, Condemnation e In Your Room; aparte de aquéllas cuatro también se realizó el video de la canción One Caress que fue sencillo en los Estados Unidos. La influencia grunge del Songs of Faith and Devotion se dio sobre todo en la imagen del grupo, musicalmente si bien se orientaron hacia el rock también tenía parte de lo que habían estado haciendo desde el inicio de su carrera, el cambio se encontró en haber incorporado instrumentos acústicos en lugar de sólo los sintetizadores y los sampleos. En aquel momento muchas revistas especializadas consideraron que el grupo se alejaría cada vez más de la música con la que se habían dado a conocer. El disco Songs of Faith and Devotion también apareció como álbum en directo simplemente titulado Songs of Faith and Devotion Live convirtiéndose en su segundo disco en vivo, consecuentemente también apareció un VHS en vivo con el título de Devotional que es como se llamó la gira. Durante el Devotional Tour David Gahan ya evidenciaba un creciente problema de adicción a las drogas, además, para 1994 la gira se extendió con el nombre de Exotic Tour, la cual prácticamente fue toda una nueva gira. Andy Fletcher comenzó con el grupo esa extensión del Devotional Tour, pero dado el desgaste físico que esto representaba, la mala relación que él y Alan Wilder siempre habían tenido, su carácter ya de por sí depresivo, la imparable adicción de Gahan a las drogas además de que Gore ya tenía problemas parecidos y en general la enorme tensión de llevar a cabo una gira tan prolongada le hicieron tomar la decisión de abandonarla después de las primeras presentaciones por lo que debió ser sustituido por Daryl Bamonte, colaborador en éste y en el anterior disco, quien concluyó con el resto del grupo el Exotic Tour. Durante el Devotional Tour y el Exotic Tour los miembros de Depeche Mode vivieron excesos de los que actualmente ninguno desea hablar públicamente, Martin Gore y David Gahan llegaron a desvanecerse y hasta a sufrir ataques cardiacos en el escenario, sin embargo el grupo concluyó la extenuante gira a mediados de 1994 dejando los incidentes de Gahan y Gore así como la ausencia de Fletcher en el Exotic Tour tan sólo como aparentes episodios aislados. En 1995 comenzarían a trabajar en lo que sería su siguiente disco, sin embargo David Gahan tuvo una hospitalización de emergencia por un intento de suicidio debido a una sobredosis, poco tiempo después Alan Wilder dejó la banda. Oficialmente el abandonó de Wilder se debió a diferencias laborales, aunque en realidad salió por la condición de Gahan, por la aceptación de Martin Gore de que estaba “peleando con sus demonios internos” y por la mala relación que llevaba con Andrew Fletcher. Después de la salida de Wilder la prensa vaticinó que era el principio del fin de Depeche Mode. En 1996 Andrew Fletcher se reunió con Martin Gore para comenzar a trabajar en un nuevo álbum ya sin Alan Wilder, sin embargo David Gahan estaba ya completamente hundido en las drogas. Después de unos días meditándolo lo llamaron para grabar con ellos, pero pronto recayó de nuevo en su adicción por lo que se pensó muy seriamente en excluirlo del grupo, Gahan recibió entonces una advertencia por parte de las autoridades norteamericanas de impedirle la entrada a los Estados Unidos si no solucionaba su problema e irónicamente fue por ello que comenzó a rehabilitarse, por su parte Gore y Fletcher decidieron darle su lugar en Depeche Mode y esperarlo, mientras que el disco debió tomarse para su realización unos meses más. Hasta 1997, nuevamente reducidos a trío, Depeche Mode concretó su nuevo álbum, Ultra, que fue producido por Tim Simenon. Era un año en que la música electrónica nuevamente se había puesto de moda y el disco provocó críticas encontradas pues en él el grupo volvía a la música electrónica por lo cual tuvieron elogios de la prensa, por otro lado hubo quienes lo criticaron de ser un disco inseguro y poco arriesgado, además de que no se llevó a cabo gira debido al estado en que aún se encontraban, sólo dos pequeños conciertos ante la prensa con el nombre de Ultra Parties. Daniel Miller por su parte insistió en calificarlo como un disco de transición. El disco Ultra se distingue porque las canciones son particularmente largas (casi todas rebasan los cinco minutos), además de contener tres cortos temas “instrumentales” (menores a tres minutos cada uno) notoriamente producto de la novedad del Trip Hop, así como también por haber tenido varias participaciones de músicos de apoyo para llenar el vacío dejado por Wilder. Los cuatro sencillos fueron Barrel Of A Gun, It’s No Good, Home y Useless, y el título Ultra a decir de los integrantes se debió a que sonaba bien no porque reflejara algún cambio en la banda. También con motivo del álbum Ultra, en 1997 apareció el sitio oficial de la banda en Internet, depeche mode dot com. Para el siguiente año se publicó una compilación de sencillos de los seis últimos álbumes (o sea, los cinco de estudio y el 101), en un álbum doble simplemente titulado The Singles 86>98 con el sencillo promocional Only When I Lose Myself. Esa compilación también apareció en un DVD titulado The Videos 86>98 que como su nombre indica contiene los videos de todas aquellas canciones y que es su primer material en ese formato. Con esa compilación realizaron una pequeña gira para la cual reclutaron a dos músicos de apoyo en sustitución de Alan Wilder, el baterista Christian Eigner que ya había participado con ellos en las Ultra Parties, y el tecladista Peter Gordeno. El resultado obtenido fue tan bueno que poco después publicaron una compilación paralela de los faltantes discos llamada The Singles 81>85, que es en realidad una nueva edición del previo The Singles 81-85 pero con la curiosidad de contener la versión original de Photograhic del disco de Some Bizarre.

Depeche Mode en el nuevo siglo

Con el mismo ritmo de trabajo mas espaciado de los últimos años, hasta el año 2001 lanzaron su siguiente disco, Exciter, producido por Mark Bell, que fue comparado con el Black Celebration debido a la diversidad musical de los temas que lo componen y en donde otra vez tuvieron distintas colaboraciones. El álbum provocó nuevamente opiniones encontradas aunque en general obtuvo buena recepción, los cuatro sencillos demuestran su diversidad musical, el tecnopop de Dream On, el house de I Feel Loved, la balada Freelove y hasta la canción de cuna Goodnihgt Lovers (sencillo sólo en Europa). Con ese disco bajo el brazo se embarcaron en una nueva gira, el Exciter Tour, nuevamente con el apoyo de Eigner y de Gordeno. La presentación del 10 de octubre del 2001 en el Palais Omnisport de la Ciudad Luz, fue publicada en DVD con el título de One Night In Paris, convirtiéndose en su primer álbum en vivo en ese formato. En 2002 apareció una nueva edición en DVD del Videos 86>98, en dos discos. En 2003 Dave Gahan realizó su primer álbum solista, Paper Monsters, en donde él compuso buena parte de sus propias canciones y con el que incluso salió de gira. De la misma manera apareció también en ese año el segundo disco en solitario de Martin Gore, Counterfeit 2. Asimismo Andrew Fletcher fundó su propio sello especializado en promover música electrónica de donde ya resultó el dueto Client. En 2003 y 2004 respectivamente se lanzaron para DVD los ya existentes 101 y Devotional. También en 2004 apareció el sencillo promocional Enjoy the Silence '04 antecediendo a la colección de tres discos titulados Remixes 81-04 que como su nombre dice contienen variadas mezclas de canciones de la trayectoria del grupo realizadas por conocidos músicos especializados en ello. También en ese año apareció una colección de seis cajas conteniendo todos los sencillos del grupo. En octubre del 2005 se publicó su último álbum hasta el momento, Playing the Angel, producido por Ben Hillier y en donde por primera vez aparecen tres temas compuestos por Dave Gahan, quien los escribió animado por el éxito de su proyecto solista. La banda inició en noviembre la gira promocional Touring the Angel acompañados de sus ya conocidos músicos de apoyo por los Estados Unidos y Canadá, la cual en el año 2006 se centra en Europa e incluso visitará países como México, la más larga que han realizado desde 1994. Una versión preliminar del disco fue objeto de piratería por Internet un mes antes de su lanzamiento. Fuera de ello, Precious fue el primer sencillo, un tema escrito por Martin Gore que habla sobre los sentimientos tras la separación de un ser querido, inspirada en su reciente divorcio. La función industrial A Pain That I'm Used To es el segundo; Suffer Well de David Gahan es el tercero, lo cual la convierte en la primer canción no compuesta por Martin Gore que Depeche Mode lanza como sencillo en 25 años; ha trascendido además que John the Revelator será el cuarto sencillo. El álbum ha provocado la misma reacción que los dos anteriores discos, mientras que algunos medios norteamericanos lo han calificado de malísimo, las revistas musicales inglesas lo han considerado como uno de los mejores álbumes en la trayectoria del grupo, la cual al parecer es la opinión prevaleciente pues el disco está logrando importantes posiciones de popularidad que no se habían alcanzado con los dos anteriores álbumes. El disco muestra un Depeche Mode más cercano a la corriente de Música industrial, lo cual ya habían experimentado en sus primeros años con los álbumes Construction Time Again y Some Great Reward, aunque a veinte años de distancia de aquellos el disco Playing the Angel es de sonido mucho más agresivo. La banda ha anunuciado que relanzará sus diez anteriores álbumes con todos sus lados b como bonus tracks en formato de SACD y DVD. Algunas personas piensan que tras la salida de Alan Wilder el grupo ya no ha sido el mismo, otros sólo lo ven como una etapa diferente de Depeche Mode lo cual explicaría el recibimiento que han tenido los tres últimos discos. Tradicionalmente designada como banda de música electrónica, Depeche Mode ha rebasado los estándares para ser considerado actualmente como un grupo de música alternativa. Depeche Mode ha vendido más de 70 millones de discos.

Discografía
Álbumes

* Speak & Spell (1981)
* A Broken Frame (1982)
* Construction Time Again (1983)
* Some Great Reward (1984)
* Black Celebration (1986)
* Music for the Masses (1987)
* Violator (1990)
* Songs of Faith and Devotion (1993)
* Ultra (1997)
* Exciter (2001)
* Playing the Angel (2005)
Fuentes: http://www.depechemode.es; http://es.wikipedia.org/wiki/Depeche_Mode

T’Pau fue un grupo de pop de finales de 1980 liderado por la cantante Carol Decker. Tuvieron una serie de éxitos en el Top 40 del Reino Unido, y varios éxitos en los Estados Unidos y Europa. Decker todavía se presenta bajo el nombre de T’Pau en exposiciones individuales y en los conciertos de la nostalgia de los 80’s.
La banda T’Pau se formó en 1986, tomando su nombre de una mujer sacerdotisa Vulcano del mismo nombre en el universo de Star Trek.
Su primer single y primer éxito de 1987 fue «Heart and Soul». Inicialmente un fracaso en el Reino Unido, se convirtió por primera vez en un éxito en el Billboard Hot 100 chart de EE.UU., alcanzando el # 4 después de haber sido presentado en un anuncio de Pepe Jeans y repitió la hazaña en el Singles Chart del Reino Unido algunos meses más tarde. Al año siguiente, la banda tuvo su mayor éxito con la balada «China in your hands», que pasó cinco semanas en el número 1 en la cartelera del Reino Unido, así como en varios países europeos, aunque extrañamente la canción tuvo poco impacto en el Billboard Hot 100.
Su álbum de 1987, Puente de los Espías (el álbum se llamó T’Pau en los EE.UU.) fue un best-seller y ganó varios premios de la industria musical británica. Puente de espías produjo un menor número de éxitos en el Top 40 de Reino Unido, incluyendo los sencillos «San Valentín» (UK # 9), «Sex Talk» (una nueva grabacion del anterior fracaso «Extraños íntimos») (UK # 23), y «Yo estaré contigo» (UK # 14).
1988 vio el lanzamiento de su segundo álbum Rage que produjo el éxito «Jardín Secreto». Un tercer álbum La promesa vió la luz en 1991, pero la banda se separó poco después. Decker re-formó la banda con una nueva línea en marcha en 1998, y T’Pau en los últimos años ha seguido trabajando en vivo regularmente.
Decker todavía hace apariciones en shows de televisión, incluyendo Hit me, Baby, one more time, Just the Two of Us, Never Mind the Buzzcocks y The Weakest Link. El ex Guitarrista Ronnie Rogers se encuentra actualmente en la banda Los Ronaldos. El Guitarrista Howard Dean ha estado de gira y ha con el vocalista Ian Gillan de Deep Purple.

Kenny Loggins (Kenneth Clark Loggins) es un cantante estadounidense, nacido el 7 de enero de 1948 en Everett, Washington.
En 1979 es galardonado con el premio Grammy a la Canción del Año, junto a Michael McDonald, como co-autor de What a Fool Believes de Doobie Brothers.
En 1980 gana el Grammy al mejor Cantante Pop por This Is It.
En plena década de los 80 alcanza gran popularidad gracias a éxitos como Danger Zone (tema de la película Top Gun), Footloose (de la película del mismo nombre) y I’m Free (Heaven Helps the Man).
En sus inicios tocaba junto a Jim Messina, quien venía de Buffalo Springfield, y con quién volvió a colaborar en 2005.

Discografía

* Celebrate Me Home (1977)
* Nightwatch (1978)
* Keep The Fire (1980)
* Kenny Loggins Alive (1980)
* High Adventure (1982)
* Vox Humana (1985)
* Back To Avalon (1988)
* Leap Of Faith (1991)
* Live at The Grand Canyon (1992)
* Outside: From The Redwoods (1993)
* Return To Pooh Corner (1994)
* Outside from Redwoods (1994)
* Yesterday, Today, Tomorrow: The Greatest Hits (1997)
* The Unimaginable Life (1997)
* December (1998)
* The Essential Kenny Loggins (2002)
* It's About Time (2003)

Singles

* "I Believe In Love" (1977)
* "Whenever I Call You Friend" (with Stevie Nicks) (1978)
* "Easy Driver" (1979)
* "This Is It" (1979)
* "I'm Alright" (1980)
* "Keep The Fire" (1980)
* "Don't Fight It" (1982)
* "Heart To Heart" (1983)
* "Heart" (1983)
* "Footloose" (1984)
* "I'm Free (Heaven Helps The Man)" (1984)
* "Vox Humana" (1985)
* "Forever" (1985)
* "I'll Be There" (1985)
* "Danger Zone" (1986)
* "Playing With The Boys" (1986)
* "Meet Me Halfway" (1987)
* "Nobody's Fool" (1988)
* "I'm Gonna Miss You" (1988)
* "Tell Her" (1989)
* "Conviction Of The Heart" (1991)

Paul Frederic Simon y Arthur Garfunkel se conocen desde muy pequeños en su ciudad natal: Nueva York; allí cultivan una gran amistad que se ve potenciada por su compartida afición por la música.
Paul tocaba la guitarra y Art tenía una bella voz, así que ambos decidieron probar fortuna en el mundo musical; tras tocar en fiestas escolares, colegios, etc... consiguen firmar un contrato con una discográfica para grabar varios singles; era 1957 y el duo que por aquel entonces se denominaba Tom & Jerry, logró publicar varios singles de escasa repercusión, lo que provocó la disolución de la pareja, que decidió seguir cada uno por su lado sus estudios universitarios.
Años mas tarde, con la llegada del Folk, vuelven a reunirse y deciden cambiarse el nombre por el definitivo: Simon & Garfunkel, era 1964 y editan su primer LP titulado Wednesday Morning 3.AM; este album estaba muy influenciado por el sonido folk, propio de Bob Dylan, Peter, Paul and Mary o el Kingston Trio; aunque era un buen trabajo (con canciones propias de Simon como "Sparrow", "Beeckler Street", "He Was My Brother" o la homonima del disco), no consiguió los resultados de ventas esperados, hecho que provoca la desilusión de la pareja y su repentina separación; Paul se marcharía a Inglaterra donde se dedicaría a tocar por los clubs de folk londinenses y donde incluso grabaría un LP: Paul Simon Songbook.
Sin embargo, el destino les haría un guiño al duo; en 1965 es el estallido del sonido Folk-Rock, con bandas tan brillantes como The Byrds o Bob Dylan, que había decidido electrificar el sonido de sus soberbias letras. Esto provocó que el productor Tom Wilson echara mano de un tema contenido en el primer LP de Simon & Garfunkel, al que añadirñía guitarras eléctricas, bajo y batería, el tema era el inolvidable clásico "The Sound of Silence", que con este nuevo arreglo consigue llegar al número 1 en USA a finales de 1965 y engulle a la pareja dentro del etiquetado sonido Folk-Rock; el exito del tema conllevó a que Paul y Art volvieran a reunirse otra vez.
Poco después de el exito de "The Sound of Silence" editan su segundo single a principios de 1966, el tema era "Homeward Bound", que escala hasta el puesto 5 de la Billboard. Su tercer sencillo "I Am A Rock", también triunfaría llegando al número 3; la popularidad del duo estaba en alza y la creatividad de Simon se mostraba inagotable, y esto le permitiría regalar canciones a sus amigos The Seekers dandoles el tema "Someday One Day" o a The Cyrkle, que los obsequiaba con "Red Rubber Ball".
En abril del 66 editan su segundo LP llamado Sounds of Silence, sería un formidable trabajo con canciones espectaculares como la bellísima balada folk "kathy's Song" (una de las mejores canciones de amor que se hallan escrito), la popera "We've Got a Groovey Thing Goin'", la sensacional e intimista cantada por Garfunkel "April Come She Will", y la espeluznante "A Most Peculiar Man" (soberbia canción que trataba el tema del suicidio de modo muy explicito).
A mediados de año publican como sencillo "The Dangling Conversation" (número 25 en listas), como preambulo del que será su tercer LP, publicado en noviembre de 1966: Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, este album sería otra obra maestra del duo, un LP con bellísimas melodías y unos arreglos verdaderamente acertados, canciones como "Scaraborough Fair/Canticle" (con un clavecín que pone los pelos de punta), "For Emily Whenever I May Find Her", "The 59th Street Bridge Song" o "A Simple Desultory Phillippic" (una feroz crítica a la etiquetación del Folk-Rock), son claros ejemplos de un LP soberbio.
A finales de año también publican un nuevo single, el espectacular "A Hazy Shade of Winter" (número 13 en listas).
En 1967, editan los singles "At the Zoo" (número 16 en listas) y "Fakin' It" (con "You Don't Know Where Your Interest Lies" en la cara B), que llega al puesto 23; también participan en el macroconcierto de Monterrey, y a finales de año colaboran en la banda sonora de la pelicula del director Mike Nichols y protagonizada por Dustin Hoffman: El Graduado, que eleva, mas si cabe, la popularidad de Simon & Garfunkel.
En 1968 arrasan con el tema "Mrs. Robinson" que llega al número 1 y se convierte en uno de los singles mas vendidos del año, y además editan el mejor LP de su carrera: Bookends; este disco es sin duda uno de los mejores trabajos de los 60's, un disco compuesto por Paul desde la reflexión, y tiene como eje central el tema de la vejez y sus consecuencias; este LP contenía clásicos como "Bookends Theme", "Old Friends", la increible "America", la psicodélica "Save The Life of My Child" o la bella "Punky's Dilemma"; el disco llegaría con rotundidad al número 1.
En 1969 editan el single "The Boxer" (con "Baby Driver" en la cara B), que llegaría al número 7 de la Billboard; este single sería el antecedente del LP que un año mas tarde sería el mayor exito comercial en la historia del duo; En 1970 es cuando sale al mercado el LP Bridge Over Troubled Water, este disco sería todo un número 1 y conseguiría varios premios Grammy y unas ventas de infarto (ha llegado a vender mas de 10 millones de copias); el LP extraería varios singles de exito, como precisamente la canción que daba titulo al album, "Bridge Over Troubled Water", esta canción (una de las mejores canciones que se han escrito sobre la amistad), sería un autentico bombazo, llegaría al número 1 y se convertiría en un clásico al poco tiempo de su edición, los otros singles editados del LP también se venderían bien; "Cecilia" (número 4 en listas) y "El Condor Pasa" (número 18).
Sin embargo ese mismo año, poco después de estos exitos, y con el duo en la cima de su popularidad, anuncian su separación para que Paul pueda dedicarse mas a su carrera en solitario y Garfunkel centrarse en su carrera como actor. Esta decisión dejaría al público asombrado, debido a que Simon & Garfunkel se encontraban en la cumbre del exito, pero la decisión era irrevocable; años mas tarde volverían con esporádicas reapariciones (como el famoso concierto de Central Park (Nueva York) en 1981).
Simon & Garfunkel fueron arte en estado puro, hicieron canciones que se clavaban en la memoria gracias al soberbio talento (tanto musical como letrístico) de Paul Simon, y la extraordinaria voz de Art Garfunkel.
Fuente:los60

Esta agrupación alemana especializada en el hard rock y en el heavy metal, nace en 1965 por idea de Rudolf Schenker, pero es recién en 1969 donde comienza a operar oficialmente.
Scorpions en un inicio estuvo compuesto por: Klaus Meine, quien es el vocalista, Matthias Jabs y Rudolf Schenker en la guitarra, James Kottak se encarga de la batería y Paweł Mąciwoda es el bajista.
Al igual que muchas otras bandas legendarias que persisten hasta hoy, han estado sujetos a una serie de cambios en su estructura, no sólo musical sino también abandono e incorporaciones de nuevos elementos en sus integrantes.
En 1972, la banda lanza su álbum debut, “Lonesome Crow”, producido por Conny Plank en Hamburgo. Es aquí en donde aparecen los elementos instrumentales y vocales característicos de Scorpions: la combinación de los solos de dos guitarras poderosas y la sabia decisión de escribir las letras en inglés, lo que les permitirá conquistar al público internacional.
En 1973, Schenker se alejada del grupo y es reemplazado por el guitarrista Ulrico Roth; junto a él continúan presentándose por diferentes ciudades europeas. Un año más tarde, después de ser reconocidos por el público y de haber hecho un extenso tour, aparece “Fly to the Rainbow”.
Seguidamente, su tercer LP, “In Trance”, bajo la conducción del reconocido productor Dieter Dierks, sale a la venta en 1975. La aparición de este disco es un hito muy importante dentro de la carrera de Scorpions, pues logra entrar a los primeros puestos de las listas en Japón para más tarde convertirse en un grupo de culto en dicho país.
En Alemania, ese mismo año, fueron reconocidos por el público como el mejor grupo en vivo.
Asimismo, iniciaron su primer tour por el Reino Unido, llegando a tocar en un legendario bar “Cavern Club” en Liverpool.
El cuarto álbum de Scorpions, “Virgen Killer”, se caracterizó por la ambición de convertir a la banda en el referente del hard rock alemán. De esta manera, el disco logró ganar el premio de mejor LP del año en su país de origen. En Japón, “Virgin Killer” alcanza el máximo reconocimiento de la crítica y de los fans, obteniendo su primer disco de oro.
Su siguiente álbum “Taken by Force” (1977) también fue un éxito en el país nipón, consiguiendo nuevamente un disco de oro. Tras haberse recibido una gran acogida en el país asiático, el grupo decide llevar a cabo un tour por ese país en 1978. Este evento se convirtió en todo un suceso, pues a su llegada a Tokio se dieron cuenta que realmente eran superestrellas en Japón. Este gran acontecimiento los lleva a grabar un nuevo material titulado “Tokyo Tapes”. La aparición de este disco doble coincide con la partida de Ulrich Roth de la banda. Michael Schenker regresa temporalmente a formar parte nuevamente de la agrupación con el disco “Lovedrive” en 1979 hasta que Matthias Jabs ocupa finalmente el puesto, después de haber sido elegido como ganador de una gran audición en Londres.
“Love Drive” aparece en el mercado americano ese mismo año y recibe tres discos de oro, pues fue catalogado como el gran triunfo de la banda, y es hasta hoy en día considerado uno de sus mejores trabajos. “Animal Magnetism” nace en 1980, y tras hacerse conocidos en Estados Unidos, realizan su primer concierto en dicho país, precisamente en un gran festival en Cleveland, Ohio.
En 1981, mientras se encuentran en el estudio grabando “Blackout”, Klaus Meine pierde la voz. Repuesto a este suceso, el grupo reaparece en 1982 posicionándose nuevamente en los Estados Unidos con el single “No One Like You” ubicándose en el US Top Ten. Asimismo, el LP fue el más votado para conseguir el premio de “Mejor Hard Rock Álbum del Año”, es así como consiguen un disco de platino.
Sin embargo, fue el álbum de 1984 “Love at First Swing” el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal.
El doble álbum “World Wide Live” lanzado en 1985, surge como una contraparte a “Tokyo Tapes”. Este disco se encarga de documentar los recientes triunfos internacionales de la agrupación (Festival San Bernadino Valley, Rock in Río, etc.).
“Savage Amusement”, el ultimo álbum co-producido con Dieter Dierks, es lanzado en 1988, llegando a ocupar el tercer puesto en los charts americanos y el número uno en Europa. Un año más tarde, tras el éxito conseguido en la Unión Soviética, son invitados por las autoridades de dicho país, para tocar en el concierto de Leningrado, en un legendario festival pro-paz.
“Crazy World” fue grabado en 1990, en Los Ángeles, y co-producido por Keith Olsen. Este disco con la ayuda del hit “Wind of Change”, alcanzó la popularidad al poco tiempo de su lanzamiento, convirtiéndose en número uno en 11 países. En 1992, recibieron el “World Music Award” como la banda más representativa del rock germánico. En 1993 se estrena “Face the Heat” con un Nuevo bajista: Ralph Rieckermann. Pocos meses después vuelven a recibir un premio en el “World Music Award”.
En 1995 sale a la luz “Live Bites” y en 1996 “Pure Instinct”. La banda se dedicó a hacer tour mundiales promocionando los discos anteriores hasta 1998, donde entran al estudio a producir “Eye to Eye”. Este disco marca un cambio en la imagen de Scorpions, donde por primera vez aparecen Rudolf Schenker, Klaus Meine and Matthias Jabs en la carátula del disco. Además en este álbum se puede oír por primera vez al grupo cantando en alemán.
En enero del 2000, la banda inicia un reto musical: grabar al lado de la orquesta filarmónica de Berlín para producir un nuevo material discográfico. De esta mixtura de estilos nace “Moment of Glory”.
En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco unplugged grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.
“Unbreakable”, grabado en el 2004, es el último disco producido por la banda. Con motivo de ser el LP número 20 de la discografía de Scorpions, el grupo se propuso retornar a las raíces de su estilo musical, es por ello que con este disco retoman la línea hard rock que los había lanzado al éxito mundial.

Discografía

Álbumes

* Lonesome Crow (1972)
* Fly to the Rainbow (1974)
* In Trance (1975)
* Virgin Killer (1976)
* Taken by Force (1977)
* Tokyo Tapes (en directo, 1978)
* Lovedrive (1979)
* Animal Magnetism (1980)
* Blackout (1982)
* Love at First Sting (1984)
* World Wide Live (directo, 1985)
* Savage Amusement (1988)
* Crazy World (1990)
* Face the Heat (1993)
* Live Bites (directo, 1995)
* Pure Instinct (1996)
* Eye II Eye (1999)
* Moment of Glory (con la Orquesta Filarmónica de Berlín, 2000)
* Acoustica (Unplugged, 2001)
* Unbreakable (2004)
* Humanity Hour 1 (2007)
Fuentes: Todomusica y Wikipedia

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Los primeros años de su vida vivió en una zona pobre habitada por familias que tenían algo en común: sus casas habían sido destruidas por el bombardeo a Londres.
Influenciado por su hermano Terry, David Bowie se acercó al jazz y a los escritores beat como Kerouac y Allen Grinsberg.
Las transformaciones serían un rasgo característico en su camino. Como siguiendo al pie de la letra la frase de Tom Waits: “No puedes dejar de estar en movimiento, ningún perro ha meado sobre un coche en marcha”, el medio en el que David se sintió cómodo fue el artístico y el estético, y el soporte intelectual: su mejor argumento. Pintar, escribir, cantar, diseñar ropa, actuar; cualquier camino hacia la expresión se presentó ante su mirada como útil para decir cosas.
Para 1966 adoptó el nombre que lo haría reconocido en todo el planeta: David Bowie. Algunos sostienen que el nombre fue tomado de la marca de un famoso cuchillo de caza americano otros, que es el apellido de alguna de las ramas familiares de su madre. Su carrera a partir de entonces estuvo signada por los cambios y la experimentación. Aquellas épocas en las que tocaba donde podía, como una especie de marciano. desesperado por hacer llegar su mensaje a alguien, fueron quedando atrás gracias a una suma de talento y esfuerzo.
Sin duda los ‘70 fueron su tiempo. Siempre en el equilibrio, como un ejemplo de la modernidad y de una década específica que cuestionaba límites (hija del Mayo Francés y del fracaso de los dorados ‘60), Bowie oscilaba entre la vanguardia y lo espectacular de la cultura mediática.
Como ejemplo alcanza ver la variedad de personajes que lo acompañaron en los diversos pasajes por los que transitó su carrera artística. Desde Mick Jaegger hasta Iggy Pop, desde Warhol a Lou Reed, los músicos y artistas más representativos de la época, ya desde un lugar de estrellas consumadas o como simbólicos exponentes vanguardistas, aparecían junto a su nombre dadas diferentes circunstancias.
Su carrera, que bien podía ser desarrollada a lo largo de muchas páginas, dejó discos antológicos, videos históricos y películas como El Hombre que Vendió a la Tierra, Laberinto, El Ansia, y otras tantas donde lejos de aparecer como un músico exitoso David Bowie junto a Iggy Pop dedicado a la actuación por cuestiones de marketing, demuestra que no es más de lo uno que de lo otro sino que pertenece a una especie en extinción de artistas integrales.
Inquieto, siempre buscando sus propios límites, siempre cambiando, siempre sorprendiendo. Los escenarios lo vieron con una simple guitarra acústica, con una super orquesta, con una banda conservadora, vestido de caballero inglés, de dama provocativa y hasta de una especie de bizarro marciano de cabaret. Aquel chico nacido en Brixton dio el mejor ejemplo de una vida en constante transformación cuando allá por el ´72 se convirtió en Ziggy. La puesta en escena, en la que colaboró nada menos que Lindsay Kemp, mostraba un escenario construído a distintos niveles y con David Bowie y Marc Bolan andamiajes que facilitaban los cambios de vestuario. Aparecían sobre las tablas no sólo los Spiders Fron Mars y los músicos sino también el grupo de danza de Kemp. Hielo seco, luces y el espectáculo de rock más extravagante que se haya presentado en Gran Bretaña fue sin duda uno de los puntos más altos en la camaleónica carrera de Bowie, pero la controversia estaría presente como en cada uno de sus proyectos; mientras algunos (como Lou Reed) catalogaron al espectáculo como el más maravilloso que habían visto, otros no dudaron en esbozar críticas encarnizadas sobre la estrella de rock y el sobrepeso de ese Kemp que bajaba con disfraz de ángel mientras Bowie entonaba “Star Man” para cerrar con una versión sollozante de “Over The Rainbowl”.
Así, el Duque Blanco, llegó a todos los límites estéticos, bordeó todas las fronteras musicales, y esa curiosidad inquieta y esa búsqueda permanente de códigos novedosos es lo que aún lo mantiene tan vigente.
Bowie no se privó de nada: teatro, cine, música y cuanto medio expresivo pudiera enumerarse fue recorrido con su estilo de manera eficiente.
Hacer un punteo de su discografía y filmografía no haría más que corroborar la productividad de este artista.
Ziggy Stardust, Suffragette City, Changes, Fame, Ashes To Ashes, Fashion, Heroes, Modern Love, Blue Jean y una larga lista de temas que se acrecienta con cada disco nuevo han quedado David Bowie y Lou Reed como marca registrada de un artista que, de tan influenciado, se ha vuelto uno de los más influyentes y que, de tan abierto a los cambios, volvió imposible, a los gustosos de los generalismos, encontrar en pocas palabras un término acabado de lo que su obra representó en las últimas tres décadas.
La última travesura de Bowie lo encontró protagonizando junto al novelista William Boyd un episodio creativo por demás significativo en muchos aspectos. Reuniendo a la crema del mundillo artístico y a los críticos neoyorquinos más renombrados presentaron la biografía de «Nat Tate», un pintor exquisito y depresivo que, luego de quemar toda su obra, saltó desde el ferry para darse muerte a corta edad de 31 años. Muchos comentaron la maravilla de su obra y otros, inclusive, hacían alarde de haberla visto. La gala terminó con Bowie legitimando la cuestión leyendo fragmentos de la biografía escrita por Boyd.
Días después se conoció la verdad, pequeño detalle: el pintor Nat Tate jamás existió.
Debe haber sido imperdible el momento en que Bowie y Boyd rieron de la broma, que no hizo más que dejar en ridículo cierto aspecto real del mundo del arte, pero más fascinante aún debe haber sido estar en el momento en que los críticos parlanchines se enteraron de la verdad.
Más allá de anécdotas como esta, David Bowie es todo un símbolo de la época más turbulenta y destellante de la historia de la música moderna.David Bowie junto a Mick Jagger
Las andanzas de este duque parecen no tener fronteras en lo que a la esfera cultural se refiere. Musicalmente está, como siempre, preparando material para una nueva placa; como se aburre con una sola tarea se hizo tiempo para fundar una editorial y una galeria de arte a la cual podemos acceder, mediante internet (www.bowieart.com/), tanto para curiosear sus obras como para comprarlas.
Mucho es lo que se podría agregar de este artista, ya desde la crítica o desde una posición de devoto admirador de su obra. Lo indiscutible de la cuestión es que David Bowie parece resistir el paso del tiempo con solvencia, apoyado sobre una fórmula que le impide estarse quieto. Escribió páginas importantes de la historia musical de las últimas décadas, se mostró alternativo, pragmático, comercial, vanguardista , equilibrado y extremista a la vez. Hoy, mitad figura de culto por su pasado, mitad admirado por su presente, David se muestra tan vigente como siempre. Siempre un paso adelante, atrás o a los costados, pero nunca «parte del rebaño». Bowie parece tener las llaves de la máquina del tiempo.

Discografía

Álbumes de estudio

* 1967 - David Bowie
* 1969 - Space Oddity
* 1971 - The Man Who Sold the World
* 1971 - Hunky Dory
* 1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
* 1973 - Aladdin Sane
* 1973 - Pinups
* 1974 - Diamond Dogs
* 1975 - Young Americans
* 1976 - Station to Station
* 1977 - Low
* 1977 - Heroes
* 1979 - Lodger
* 1980 - Scary Monsters And Super Creeps
* 1983 - Let's Dance
* 1984 - Tonight
* 1987 - Never Let Me Down
* 1989 - Tin Machine
* 1991 - Tin Machine II
* 1993 - Black tie, White noise
* 1993 - The Buddha of Suburbia
* 1995 - Outside
* 1997 - Earthling
* 1999 - Hours...
* 2002 - Heathen
* 2003 - Reality
Fuente: Wikipedia y Canal Trans

Playlist

1 - Let The River Run
2 - You're so vain
3 - Son of a preacherman
4 - Raining
5 - Coming Around Again
6 - Nobody Does It Better
7 - Itsy Bytsy spider
8 - In The Still Of The Night
9 - The right thing to do
10- as time goes by
11- Clouds in my coffe
12- Devoted to you
13- Hello big man

Carly Elisabeth Simon (n. Nueva York, 25 de junio de 1945) es una cantante estadounidense. Fue una de las artistas, llamadas confesionales por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años '70 y '80.
Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de los años sesenta ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado "The Simon Sisters" que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".
Las hermanas se separaron a finales de los sesenta y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman quien para entonces era el representante de Bob Dylan, sin embargo el intento no prosperó.
Entonces decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado “Carly Simon”, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.
La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90 se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.
“No Secrets”, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do” que llegó al top 40. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.
En 1972 Carly Simon se casó con cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.
Si bien es cierto el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.
Su cuarto álbum fue “Top Ten Hotcakes” de enero de 1974 y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó "Haven't Got Time for the Pain" que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.
“Playing Possum” de 1975 y “Another Passenger” de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de la película de James Bond, “El Espía que Me Amó”. "Nobody Does It Better" vendió más de un millón de copias y estuvo entre las diez más populares de la lista Billboard.
Su siguiente disco “Boys in the Trees” de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.
Sus siguientes discos “Spy” de 1979 y “June” de1980 no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en él último venía “Jesse” un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.
En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.
La primera mitad de los ochenta no fueron boyantes para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.
En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio, como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.
Su regreso a las Hot 40 en 1986 vino de la mano de “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Óscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.
En 1990, Simon lanzó un disco de baladas pop en el que incluía una serie de “covers” llamado “My Romance”. 6 meses después puso a la venta “Have You Seen Me Lately?” en el que todo el material era original.
En el 2001 graba la banda sonora de "La Gran Pelicula de Piglet" la que le da un impulso a su carrera
Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Donny Hathaway (1 de octubre de 1945 – 13 de enero 13 de 1979) fue un músico estadounidense de soul. Sus numerosas colaboraciones con la cantante Roberta Flack le llevaron directamente a lo alto de todas las listas de éxitos y ambos fueron galardonados con un premio Grammy por su dueto en la canción “Where Is the Love?" en 1973. El 13 de enero de 1979 fue hallado muerto en el exterior del hotel Essex House en Nueva York; todos los indicios apuntaron a que la causa de su muerte fue el suicidio.
Hathaway, hijo de Drusella Huntley, nació en Chicago, aunque gran parte de su infancia la pasó en St. Louis. Allí vivía con su abuela, Martha Pitts, una cantante de gospel con la que Hathaway comenzó a cantar en la iglesia a los tres años. Poco después comenzaría sus clases piano, instrumento que ya en la adolescencia tocaba prodigiosamente. En 1964 comenzó a estudiar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Howard, en donde estuvo matriculado durante tres años y actuó con un trío de jazz; Hathaway recibió tantas ofertas de trabajo que decidió dejar la Universidad, sin haber terminado su carrera, en 1967.

Carrera

Al principio, Hathaway trabajó como compositor y productor. Primero trabajó en Chicago para Twinight Records, y poco a poco fue colaborando en proyectos de grandes artistas como The Staple Singers, Jerry Butler, Aretha Franklin y Curtis Mayfield, entre otros. Su primer single fue "I thank you baby", una canción que grabó junto a June Conquest en 1969. Gracias a esta primera publicación, Atco Records contrató los servicios de Hathaway y éste publicó su primer single en solitario, "The Ghetto, Pt. 1". Su primer LP fue Everything Is Everything (1970), que obtuvo muy buenas críticas. Su segundo álbum, Donny Hathaway, tuvo aún más éxito. También grabó un álbum de duetos con su antigua compañera de clase en la Universidad, y compañera de discográfica, Roberta Flack. Este álbum tuvo un gran éxito comercial, y canciones como "Where Is The Love?", que interpretaba a duo con Ralph MacDonald, consiguió colocarlas en el top 5 de las listas de ventas. Asimismo, aquel álbum también incluía versiones de temas Carole King, como "You've Got a Friend" y "Baby I Love You", que anteriormente había popularizado Aretha Franklin.

Problemas de salud

En la cúspide de su carrera, Hathaway comenzó a sufrir sus primeras depresiones nerviosas. Esta enfermedad causó estragos en su vida personal, y le obligó a ser hospitalizado en varias ocasiones. La depresión de Hathaway contribuyó a deteriorar su relación con Roberta Flack; tardaron año en reconciliarse, y no volvieron a grabar juntos hasta 1978, cuando publicaron "The Closer I Get To You". El single se convirtió rápidamente en un éxito, y Flack y Hathaway volvieron definitivamente a los estudios para grabar un segundo álbum juntos.

Muerte

El 13 de enero de 1979, el cuerpo de Hathaway fue hallado sin vida en la acera que hay frente al hotel Essex House de New York, donde había estado viviendo. Su cuerpo no mostraba signos de violencia, y a una de las ventanas de su habitación le faltaba un cristal, por lo que los investigadores del caso determinaron que Hathaway se había suicidado. Amigos, admiradores y medios de comunicación se quedaron perplejos con su muerte, y muy especialmente su amiga Roberta Flack, que quedó destrozada con la desaparición de Hathaway.

Matrimonio e hijos

Hathaway conoció a su mujer, Eulaulah, en la Universidad de Howard. Tuvieron dos hijas, Eulaulah Donyll (Lalah Hathaway) y Kenya Canelibra. Lalah ha continuado los pasos de su padre y ha tenido una exitosa carrera en solitario, mientras que Kenya es una de las tres coristas del programa de televisión American Idol.

Discografía

Albums

* 1970: Everything Is Everything (Atco) - US #73, R&B #33
* 1971: Donny Hathaway (Atco) - US #89, R&B #6
* 1972: Come Back Charleston Blue Original Motion Picture Soundtrack (Atco) - US #198
* 1972: Live (Atco) - US #18, R&B #4
* 1972: Roberta Flack & Donny Hathaway (Atlantic) - US #3, R&B #2
* 1973: Extension Of A Man (Atco) - US #69, R&B #18
* 1978: The Best Of Donny Hathaway (Atco) - R&B #51
* 1980: In Performance (Atlantic) - R&B #68
* 1980: Roberta Flack Featuring Donny Hathaway (Atlantic) - US #25, R&B #4
* 1990: A Donny Hathaway Collection (Atlantic)
* 2004: These Songs For You, Live! (Atlantic) - R&B #78

Singles

* 1970: "The Ghetto-Pt. 1" - US #87, R&B #23
* 1971: "You've Got a Friend" (with Roberta Flack) - US #29, R&B #8
* 1971: "You've Lost That Lovin' Feelin'" (with Roberta Flack) - US #71, R&B #30
* 1972: "Giving Up" - US #81, R&B 21
* 1972: "I Love You More Than You'll Ever Know" - US #60, R&B #20
* 1972: "Little Ghetto Boy" - R&B #25
* 1972: "This Christmas" - US #11
* 1972: "Where Is The Love" (with Roberta Flack) - US #5, R&B #1
* 1973: "Love, Love, Love" - US #44, R&B #16
* 1974: "Come Little Children" - R&B #67
* 1978: "The Closer I Get To You" (with Roberta Flack) - US #2, R&B #1
* 1978: "You Were Meant For Me" - R&B #17
* 1978: "Someday We'll All Be Free" - R&B #51
* 1980: "Back Together Again" (with Roberta Flack) - US #56, R&B #18
* 1980: "Don't Make Me Wait Too Long" (with Roberta Flack) - R&B #67
* 1980: "You Are My Heaven" (with Roberta Flack) - US #47, R&B #8
Fuente: Wikipedia

Los Red Hot Chili Peppers es un grupo de California fundado en 1983 que combina funk y rock. Es otro de los grupos de rock que despuntaron en los 90, atravesaron varias barreras musicales y fueron muy originales, creando su propio estilo de música de rock explosivo. Red Hot Chili Peppers se formó en el contexto de una cultura underground nacida a principios de los 80 en California, que se caracterizaba por la recuperación de los grandes clásicos del funky y por una incipiente cultura del hip hop. Los Red Hot Chili Peppers no saltaron a la fama hasta llevar ya un buen número de conciertos a sus espaldas y una ganada reputación fuera de los circuitos comerciales.
La primera canción que crearon fue «Out in L.A.», compuesta por Kiedis (Anthony paso toda la noche componiéndola porque quería sorprender al resto del grupo). La formación original era Kiedis en voz, Flea en bajo, Slovak en guitarra e Irons en batería (actualmente milita en Pearl Jam). Tras varias semanas componiendo y tocando temas, la banda se encuentra con un puñado suficiente como para grabar una demo (música)|demo en un cassette, sin embargo no tenían un sitio donde la acústica fuera aceptable y no se disparase de precio para los bolsillos de unos jóvenes estudiantes. Flea, que también tocaba en una banda llamada «Fear» como batería, conocía un lugar donde podían grabar a un precio barato. Cuando grabaron la demo incluyeron temas como «Out in L.A.» , «Green Heaven» y «You Always Sing the Same». Así paso el tiempo, mientras la banda le hacia escuchar la demo a cualquiera que quisiera escucharla. Sin éxito un buen día se les ocurrió salir a tocar en vivo desnudos en una presentacion en el Kit Kat Club y con una media en los genitales. Tras ese concierto todos en Los Angeles hablaban de ellos y EMI los contrata.
RHCP pronto llamarían la atención del público angelino con su original y curiosa mezcla de punk y de funk clásico y su comportamiento en los conciertos. Hillel Slovak y Jack Irons se fueron de la banda, siendo reemplazados respectivamente por Jack Sherman y Cliff Martinez (quien luego sería el compositor de la música para la película independiente «Sex, Lies and Videotape», entre otras). No sería muy duradera la estancia de estos dos miembros en RHCP.
La banda contrató a Andy Gill (Dr. Funkestein), integrante de Gang of Four, para producir su primer album, autotitulado The Red Hot Chili Peppers (álbum)|Red Hot Chili Peppers en 1984. Sin embargo la colaboracion seria un desastre donde Gill trataba de llevar a la banda a un sonido más pop en vez de su fusión punk-heavy metal|metal-funk. Para el siguiente disco pidieron al legendario George Clinton de «Parliament Funkadelic» que produjera el siguiente álbum, Freaky Styley, ya bastante más fiel a lo que sería el sonido Red Hot Chili Peppers. La banda, para promocionar el álbum, saco dos videos: Jungle Man y Catholic School Girls Rule, e hizo una pequeña gira por Estados Unidos.
La banda comienza a acusar sus primeras rencillas. El consumo de drogas se estaba yendo de las manos. Slovak, quien se estaba tratando de su adicción a la heroína, lo que terminó de arrastrar a los demás a una crisis. La banda pisa por primera vez Europa donde fueron teloneados por Faith No More, todavía con Chuck Mosely como cantante. El siguiente álbum de la banda The Uplift Mofo Party Plan de 1987, representó ser el álbum con sus primeros éxitos comerciales: los singles «Behind the Sun» y «Fight Like a Brave». Justo cuando los Peppers parecian listos para explotar, Slovak murió de una sobredosis de heroína el 27 de junio de 1988, antes de seguir una gira con The Fishbones. Inmediátamente la pérdida de Slovak tuvo repercusiones en la banda, como el nuevo abandono de Jack Irons a mediados de 1988 y que meses después tuviera que ser internado en un psiquiátrico. A Flea lo ayudo mucho el nacimiento de su hija Clara. Anthony se fue a vivir un mes y medio a Mexico y decidió abandonar las drogas definitivamente, empezó a cuidar más su estado físico, acudía a un acupunturista y a un medico homeópata regularmente.
Tras el obligado descanso, la banda se lanza en busca de un nuevo batería y guitarrista. El guitarrista de color Duane ‘Blackbird’ McKnight, que tocó con Miles Davis y Parliament, es el nuevo guitarrista desde agosto de 1988 hasta principios de 1989, al que le sigue John Frusciante, quien pese a su juventud era un verdadero fanático de la banda y de Slovak. D.H. Peligro, de Dead Kennedys fue el baterista hasta que Chad Smith fue finalmente el elegido.

Miembros

Anthony Kiedis
Michael Balzary (Flea)
John Frusciante
Chad Smith

Antiguos miembros

Jack Sherman
Jack Irons
DeWayne "Blackbyrd" McKnight
D.H. Peligro
Cliff Martínez
Arik Marshall
Jesse Tobias
Dave Navarro
Hillel Slovak †

Discografía

The Red Hot Chili Peppers 1984
Freaky Styley 1985
The Uplift Mofo Party Plan 1987
The Abbey Road E.P. 1988
Mother's Milk 1989
Blood Sugar Sex Magik 1991
What Hits!? 1992
Out in L.A. 1994
Live Rare Remix Box 1994
One Hot Minute 1995
The Best Of The Red Hot Chili Peppers 1998
Under the Covers 1998 Disco de covers
Californication 1999
By The Way 2002
Greatest Hits 2003
Live At Slane Castle 2003
Live in Hyde Park 2004
Stadium Arcadium 2006

Fuentes: Last fm y Wikipedia

PLAYLIST

1 - Smoke on the Water
2 - child in time
3 - Wasted Sunsets
4 - Soldier of Fortune
5 - Burn
6 - Lalena
7 - Walk On
8 - Fortuneteller

Pocas entradas pueden dar tanto placer como ésta... (bueno, exceptuando a Stevier Ray Vaughan...) Todo lo que venga de Purple, siempre será de excelencia...

Deep Purple es una banda de rock formada en Hertfordshire, Inglaterra, en 1968, que está considerada como una de las pioneras del heavy metal y del hard rock, aunque también incorporó elementos del rock progresivo y del pop. A lo largo de su carrera han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y fueron reconocidos como la banda más ruidosa del mundo por el libro Guinness de los récords en los años 70.
La banda ha sufrido múltiples cambios en su alineación y permaneció inactiva desde 1976 hasta 1984. Sus cuatro primeras alineaciones son a menudo etiquetadas como «Mark I», «II», «III» y «IV». La «Mark II», formada por Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo), fue la alineación más exitosa y la que mayores ventas ha cosechado, y se mantuvo en activo entre 1969 y 1973 y entre 1984 y 1989, cuando la relación entre Blackmore y el resto de músicos se volvió irreparable. Su alineación actual, que cuenta con Steve Morse en lugar de Blackmore y con Don Airey en lugar de Lord, lleva en activo desde 2002.

Los comienzos: Roundabout (1967 - 1968)

En 1967, el antiguo batería de The Searchers, Chris Curtis, contactó con Tony Edwards, un hombre de negocios londinense, para pedirle si podía ser el representante del nuevo grupo que había ideado, y que iba a llamarse Roundabout, llamado así porque los músicos iban a entrar y salir de él como si estuvieran en una rotonda (roundabout significa «rotonda» en inglés). Impresionado con el plan, Edwards aceptó financiar la banda con dos compañeros de negocios: John Coletta y Ron Hire, con los que formaba HEC Enterprises.
El primer músico en reclutar fue el teclista de corte clásico Jon Lord, que había tocado para The Artwoods, cuyo líder Art Wood es hermano del actual guitarrista de los Rolling Stones Ronnie Wood. El siguiente en unirse al grupo fue Ritchie Blackmore, un guitarrista de sesión al que tuvieron que convencer para regresar de Hamburgo, donde estaba para realizar una audición para otra banda. Poco después Curtis abandonó el proyecto, pero tanto HEC Enterprises como Lord y Blackmore decidieron continuar.
Para llenar el hueco en el bajo, Lord recomendó a su amigo de la infancia Nick Simper, con quien había coincidido en una banda llamada The Flower Pot Men y que era también exmiembro de Johnny Kidd & The Pirates. La alineación se completó con el vocalista Rod Evans y el batería Ian Paice. Tras una pequeña gira por Dinamarca, Blackmore sugirió un nuevo nombre para la banda, Deep Purple, que era la canción favorita de su abuela.

Consolidación (1968 - 1970)

El primer éxito de la banda vino con la versión de «Hush», canción original de Joe South que alcanzó el segundo puesto en Estados Unidos y el cuarto en Canadá, aunque en Gran Bretaña pasó desapercibida. Tomando como ejemplo a la banda Vanilla Fudge, la banda desarrolló un rock psicodélico con influencias de la música de Bach y Rimsky-Korsakov en el teclado de Lord. Gracias a «Hush» y al buen recibimiento que también tuvo el disco debut Shades of Deep Purple, la banda se embarcó en una gira como teloneros de Cream.
El siguiente álbum, The Book of Taliesyn, fue publicado en los Estados Unidos para que coincidiese con su gira de promoción, alcanzando el puesto 38 en este país. En Gran Bretaña fue publicado al año siguiente, aunque volvió a pasar desapercibido una vez más. Tras el álbum homónimo publicado tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos en 1969 y continuas giras por América del Norte, la compañía Tetragrammaton Records, encargada de la distribución de sus álbumes en EE. UU., se disolvió por motivos económicos, dejando a Deep Purple con un futuro incierto y sin dinero. Sin embargo, Warner Bros. Records asumió las deudas de Tetragrammaton y publicó los trabajos de la banda en los Estados Unidos en la década de los 70. A comienzos de 1969 Deep Purple regresó a Gran Bretaña y grabó una canción llamada «Emmaretta» (que proviene del nombre de una de las bailarinas del musical Hair, a quien Evans trataba de seducir).
No satisfecho con el trabajo de Evans, Blackmore contactó con su amigo Mick Underwood, batería de Episode Six, quien le recomendó a su compañero Ian Gillan. Con el objetivo de contratar a Gillan, Blackmore y Lord acudieron a un concierto de Episode Six. Al finalizar la actuación, ambos miembros fueron a hablar con el vocalista e intentaron convencerle para unirse a Deep Purple, pero Gillan puso como condición que también se incorporase el bajista Roger Glover. Esta proposición encajaba con los planes de Lord y Blackmore, ya que Evans y Simper eran buenos amigos y la salida de uno propiciaría mal ambiente en el seno del grupo. Sin embargo, Glover no estaba seguro de qué opción escoger, puesto que era el principal compositor de Episode Six, y su marcha provocaría el fin de la banda. Además, no confiaba en las posibilidades de éxito de Deep Purple, ya que en Inglaterra no tenían ningún éxito. Finalmente, Glover decidió unirse a la nueva banda, lo que provocó el final de Episode Six y el despido de Simper.
El primer trabajo publicado por esta nueva alineación fue Concerto for Group and Orchestra en 1969, un concierto compuesto por Lord en tres movimientos interpretado por la banda y la Orquesta Filarmónica Real dirigida por Malcolm Arnold en el Royal Albert Hall de Londres. Este disco fue uno de los primeros en presentar a una banda de rock tocando con una orquesta, aunque en aquel entonces algunos miembros del grupo (como Gillan y Blackmore) tenían en mente desarrollar un estilo más orientado hacia el hard rock. A pesar de esto, Lord compuso Gemini Suite, que la banda interpretó en directo en 1970, siendo otra fusión entre rock y música clásica.

Popularidad y ruptura (1970 - 1976)

En junio de 1970 sale al mercado el primer disco hard rock de la banda titulado Deep Purple in Rock, que marcó el cambio definitivo del sonido de Deep Purple, pasando de ser una banda rock/pop con toques incluso progresivos, donde sus mayores éxitos eran versiones de otros grupos, a ser una de las formaciones de hard rock más sólidas del momento. En Deep Purple in Rock se encuentran canciones clave dentro de la historia de Deep Purple, como «Child in Time», «Speed King» o el sencillo «Black Night», que alcnazó el segundo puesto en las listas de sencillos del Reino Unido, dando inicio a una larga gira por el norte de Europa.
En julio de 1971 Deep Purple se embarca en la gira Norteamericana junto a la banda de Rod Stewart The Faces y dos meses más tarde publica Fireball, alcanzando el Top 40 de los charts americanos y el No. 1 de las listas británicas, otorgando la solidez suficiente para que la banda creara en octubre de ese mismo año su propio sello discográfico, «Purple Records».
Todo va en buen camino para los miembros de Deep Purple’, a excepción de Roger Glover, quien extrañamente comienza a sufrir intensos dolores estomacales, inconvenientes que con el correr del tiempo fueron incrementándose, a tal punto de poner en riesgo las presentaciones de la banda. Blackmore, que observaba la situación como un espectador más, en una ocasión tras el escenario, mientras Glover se retorcía de dolor, atinó a comentarle que sería capaz de sobrellevar esos dolores mientras estaban actuando. Fue tal el problema que en una oportunidad Glover fue reemplazado en el bajo por Chas Hodges, antiguo compañero de Blackmore en la banda The Outlaws. Ni los doctores pudieron aplacar el malestar del bajista, quien finalmente tras unas sesiones de hipnoterapia pudo solucionar el problema. Todo se debía a una tensión subconsciente.
El 3 de diciembre la banda se encuentra en Montreux Suiza para comenzar con las sesiones de su próximo álbum, Machine Head, su obra de mayor éxito comercial, álbum que contiene varios de sus himnos más reconocidos, como «Lazy», «Highway Star» o la popular «Smoke on the Water», canción que narra lo ocurrido al grupo en un incendio que arrasó el casino de Monteux en Suiza mientras asistían a un concierto de Frank Zappa and The Mother of Inventions. Cabe señalar que ese previamente había sido el lugar escogido por la banda para las sesiones de grabación de su nueva producción. Este desafortunado incidente motivó a que finalmente tuvieran que alquilar un hotel vacío por temporada para comenzar aquellas sesiones utilizando el estudio móvil de grabación de The Rolling Stones. Monstruosas giras y concientros en vivo le suceden al nuevo álbum, tocando durante 44 semanas seguidas, solo siendo secundados por sus homólogos Led Zeppelin. Los conciertos de la gira de Machine Head en Japón fueron registrados y publicados en enero de 1973 en el afamado álbum en vivo Made In Japan, álbum que mantiene el récord de «el álbum en vivo más vendido en la historia de la música». Aunque la banda había llegado a la cima del éxito, las extensas giras, el cansancio físico y el stress provocaron dificultades en las relaciones internas, puntualmente entre Ritchie Blackmore e Ian Gillan, quienes en un principio eran grandes amigos. La fama estaba cobrando sus víctimas dentro de Deep Purple a la hora de evaluar los egos personales y mantener el control absoluto dentro de una banda que cada día se hacia más grande.
En 1973, la formación MkII lanza al mercado discográfico lo que sería su último disco de estudio, Who Do We Think We Are. Poco después Ian Gillan comunica al resto de los miembros su alejamiento, y, tras su última presentación junto a la banda el día 29 de junio de 1973 en Osaka, Japón, abandona ésta para iniciar su carrera en solitario no antes de un corto receso musical. El bajista Roger Glover a pesar de su solvencia y calidad musical, es despedido por los demás miembros de la banda sin motivos justificables, lo cual lo dejaría con una profunda depresión, luego de superar este doloroso episodio comenzaría una carrera como productor musical de nacientes bandas como Status Quo y Nazareth, y en el año 1974 edita su primer álbum en solitario titulado The Butterfly Ball, obra basada en un libro infantíl del mismo nombre en donde cuenta con la colaboración de David Coverdale, Glenn Hughes, Mickey Lee Soul y Ronnie James Dio en otros, Ian Gillan colaboraría en la presentaciones en vivo de esta obra en el Royal Albert Hall de Londres, luego vendrían otras producciones, Elements de 1978, The Mask de 1984 y Snapshot de 2002, también forma parte de la banda de Ritchie Blackmore Rainbow y en 1988 edita un álbum junto a Ian Gillan titulado Accidentally On Purpose.
Ian Gillan por su parte reaparece en la escena musical en el año 1976 con su banda Ian Gillan Band y el álbum Child in Time, ese mismo año se edita el álbum Clear Air Turbulence, Scarabus de 1977 y por último Live At the Budokan de 1978, acorta el nombre a la banda llamándose solamente Gillan, con esta se editan los álbumes The Japanese Álbum y Mr. Universe de 1979, justo en este periodo cuando por fin esta cerca la consolidación musical, Ian Gillan, recibe una desagradable noticia, debe cancelar todo y someterse lo antes posible a una operación, la causa, nódulos en sus cuerdas vocales, se cancela absolutamente todo, y el trabajo realizado vuelve a fojas cero, una vez recuperado edita el álbum Glory Road de 1980, Double Trouble de 1981 y Magic de 1982, para en 1983 ingresar como vocalista a las filas de Black Sabbath editando el álbum Born Again, en 1988 edita junto a Glover el álbum Accidentally On Purpose, cambia su nombre artístico al de Garth Rockett & the Moonshiners, lanzando en 1990 Live At the Ritz, y por último editando álbumes con su nombre Ian Gillan, Naked Thunder de 1991, Toolbox de 1992, también en este año se edita el álbum titulado Cherkazoo and Other Stories, el cual contiene una compilación de grabaciones realizadas entre 1973 y 1975 pero que nunca habían sido editadas, DreamCatcher de 1998 y el reciente Gillan´s Inn de 2006.
Volviendo a la crisis interna en Deep Purple, con la salida voluntaria de su vocalista y obligatoria de su bajista, las gestiones para conseguir sus reemplazos no se hicieron esperar.

Mk III: Coverdale y Hughes

Una vez separados Gillan y Glover de Deep Purple, Blackmore tuvo completa libertad para poner en marcha su visión de renovar la banda, planeando una combinación vocal única entre el vocalista de Free Paul Rodgers y el extraordinario Glenn Hughes de Trapeze en el bajo y las voces. Rodgers no aceptó el puesto que le fue ofrecido, siendo reclutado en agosto el prácticamente desconocido David Coverdale. La nueva alineación de la banda fue presentada a los medios el 23 de septiembre en Clearwell Castle, durante los ensayos de los que sería su primer álbum. En febrero de 1974 sale al mercado Burn, que incluye canciones como la homónima «Burn», «Mistreated» o «You fool No One», que se convirtieron en nuevos clásicos de la banda y también ayudaron a conseguir mayor popularidad de la que gozaba con sus ex-integrantes. Aunque todavía en la senda del hard rock, ‘Burn’ incluye ritmos más marcados de blues, soul y R&B, sobre todo por la influencia de los dos nuevos componentes.
La primera gira estadounidense de la nueva alineación tuvo su punto más alto el 6 de abril de 1974 en el festival California Jam, contando con la mayor audiencia de la historia de Deep Purple, estimada en más de 200,000 personas. Ese mismo día, cerca a finalizar el concierto, Ritchie Blackmore destrozó una cámara de la cadena estadounidense ABC con su propia guitarra para luego lanzarla al público e incendió varios de los equipos de sonido, lo que llevó a la banda a prácticamente huir en helicóptero del lugar.
En la gira, la música pronto empezó a zafarse de control de Blackmore. Las tendencias funk de Hughes empezaban a ganar terreno, y éste proceso llevó a la grabación del álbum ‘Stormbringer’ a finales del verano de 1974. Cuando la petición de Blackmore de incluir una versión de una vieja canción de Quatermass titulada ‘Black sheep of the family’ fue desoída, el guitarrista terminó ocupando un lugar secundario en el estudio. ‘Stormbringer’, lanzado en diciembre de 1974, tomó forma mezclando rock, soul y funk en una manera muy adelantada a su tiempo. Siguiendo su propia inspiración, Blackmore graba a principios de 1975 su álbum en solista ‘Ritchie Blackmore’s Rainbow’ junto a miembros de la banda Elf, telonera de Deep Purple.
Para el principio de una pequeña gira europea en marzo de 1975, la banda ya sabía que Blackmore estaba decidido a abandonarla. El 7 de abril, en el Paris Palais des Sports, la tercera alineación de Deep Purple da su último concierto.
Para sorpresa de muchos, incluyendo la de la misma banda, Coverdale y Hughes estaban decididos a continuar pese a la salida de Blackmore y pronto todos estuvieron buscando un nuevo guitarrista.

Mk IV: Comienzo del fin

En Tommy Bolin le pareció a la banda haber encontrado un guitarrista con una percepción natural para todas las direcciones musicales que se estaban introduciendo en Deep Purple. Revigorizada, la banda se concentró en los ensayos para un nuevo álbum en junio de 1975.
A pesar de su corta edad, 24 años, Bolin se había ganado un nombre como guitarrista gracias a su trabajo con músicos de Jazz como Billy Cobham, su paso por la banda James Gang y la colaboración en el álbum de Alphonze Mouzon Mind Transplant de 1975, además de sus anteriores grabaciones con su banda llamada Electric Zephir. Con ella grabó en 1969 el álbum homónimo Zephir, en 1971 edita su segundo álbum Going Back to Colorado, decide abandonar la banda para concentrarse a sus proyectos solistas, es así como en 1975 edita el álbum Teaser, es en este periódo cuando recibe la invitación de incorporarse a Deep Purple, banda que el mísmo reconocería no conocer, a pesar de su fama internacional.
En noviembre de 1975 sale al mercado el álbum ‘Come Taste the Band’, que puso en evidencia el tremendo talento de Bolin combinando rock, jazz y funk. El sonido hard rock que caracterizó a Deep Purple quedaba apartado.
La gira posterior del disco fue bastante frustrante para los miembros de la banda. La adicción a la heroína de Tommy Bolin le hacía ser bastante irregular en los conciertos, comprometiendo el nombre que se había ganado Deep Purple tras muchos años, evidencia de ello queda registrada en el álbum en vivo titulado Last Concert in Japan, que en principio solo fue editado en ese país. La magia, la fuerza y el sonido ya se habían ido, por lo que solo quedaba la más dura pero inevitable consecuencia, la separación.
El último show de Deep Purple se dio el 15 de marzo de 1976 en el Liverpool Empire Theatre. Coverdale ya se había resignado e incluso ya había hablado en Micky Moody para iniciar un nuevo proyecto que terminaría siendo Whitesnake. Lord y Paice también cayeron en cuenta de que la aventura de ocho años de Deep Purple había llegado a su final, y habían empezado a planear su nuevo proyecto junto al teclista y vocalista Tony Ashton. Los únicos que no estaban enterados de la separación eran Bolin y Hughes.
Tras dos años de proyectos en solitario, David Coverdale inció Whitesnake a principios de 1978, enrolando a Lord y Paice en sus filas a mediados de 1979. Tommy Bolin murió el 4 de diciembre de 1976 debido a una mezcla mortal de estupefacientes y alcohol. Glenn Hughes grabó un álbum en solitario y participó en algunas sesiones, incluyendo su participación como vocalista en el álbum ‘Seventh Star’ de Black Sabbath. Superó su adicción a las drogas y retomó su carrera a principios de los noventas.

Mk IIb: La historia continúa.

Tuvieron que pasar 8 años desde la última vez que Deep Purple subió a un escenario, cada uno de sus integrantes abocados a sus proyectos personales, Rainbow, Whitesnake, Gary Moore Band, Ian Gillan Band, eran algunas de las bandas que albergaban a los ex-miembros de Purple, a pesar de tiempo transcurrido, los rumores sobre una reagrupación no se hicieron esperar, además de cuando en cuando aparecían recopilaciones en vivo aumentando la nostalgia en los fans de todo el mundo, hasta que en 1980 una falsa re-encarnación de Deep Purple liderada por el primer vocalista de la banda, Rod Evans, apareció por los circuitos y bares de la costa oeste de los Estados Unidos, interpretando temas en los cuales él no tenía ninguna participación en la composición, el punto negro fue una presentación en México cuando los fans al constatar que sobre el escenario no estaban los miembros originales rompieron todo en señal de protesta, Ritchie Blackmore y Roger Glover entablaron una demanda judicial en L.A. solicitando la prohibición del uso del nombre de la banda, medida que favoreció a los últimos, de paso Evans es condenado a pagar una alta suma monetaria por los daños ocasionados al nombre de la banda, al constatar la imposibilidad de pagar dicha suma el Juez dictaminó en contra de Evans la cancelación de recibos y regalías de los tres primeros álbumes de la banda en donde el aparecía como compositor.
De esta manera llegamos a abril de 1984 los rumores y la esperanza de ver a Deep Purple nuevamente se hace realidad, Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice los miembros más emblemáticos de Deep Purple, la gran formación Mark II se reagrupa dando inicio luego de casi una década al renacimiento de una de las bandas pilares del rock, es así como Deep Purple edita un nuevo álbum titulado Perfect Strangers, dando inicio a extensas giras por todo el mundo, el tiempo y la madurez parece haber sepultado definitivamente las desaveniencias de juventud y la fuerza, virtuosismo y solidez musical se ven reflejadas en los posteriores álbumes en vivo lanzados por los sellos, que ven en ellos una mina de oro con aún mucha vida útil y que era necesario seguir explotando, a eso le sumamos la gran cobertura que la prensa en todo el orbe le dedicaba a estos 5 personajes, dieron pie para que la prensa y revistas especializadas otorguen sin problemas los títulos de «Mejor guitarrista, teclista, baterista, etc…del año», como una especie de reivindicación a cada uno de los integrantes, en enero de 1987 editan un nuevo álbum The House of Blue Light, sin embargo aquello que a esas alturas se creía sepultado y al igual que en la década anterior resurge nuevamente, los roces de liderazgo entre Blackmore y Gillan, como resultado este último es despedido del grupo, corría el año 1989 y otra vez la banda se ve en la tesitura de encontrar un nuevo vocalista.

Mk V: Un paréntesis en la carretera púrpura

El cupo fue ocupado por el ex-Rainbow, el vocalista Joe Lynn Turner. Con el nuevo vocalista en octubre de 1990 sale al mercado el álbum Slaves & Masters, con un sonido mucho más melódico y armonioso que sus antecesores, lejos de sonido característico, pero sin desconocer que aquellas composiciones no eran tampoco absolutamente desechables, Ritchie Blackmore apuesta por la construcción de memorables melodías y en cierta forma parece lograr aquello, mucho de ello también es merito del nuevo vocalista, sin embargo en vivo la historia era diferente, a pesar de interpretar clásicos del «Mk III», temas vetados por Gillan, comenzando los conciertos con el memorable «Burn», e incorporando en el Set list el clásico «Hey Joe», los resultados no fueron del agrado del resto de la banda a excepción de Blackmore que considera a este álbum uno de sus favoritos. Debido a la presión de los fans que definitivamente no aceptaban esta nueva formación, voluntades internas y del propio sello discográfico, despiden a Turner mientras realizaban las grabaciones del siguiente álbum. Nuevamente es convocado Ian Gillan a la banda pero esta vez sin la venia de Ritchie Blackmore.

MkIIc: La batalla del odio continúa

Cuando Ian Gillan se reincorpora a la banda el nuevo álbum se encuentra a medias. Gillan decide re-escribir las letras. El resultado es The Battle Rages On, álbum lanzado en julio de 1993, título que refleja de cierto modo el tenso ambiente interno. No obstante, en esta entrega emerge nuevamente el sonido característico de la banda con temas sólidos como el homónimo «The Battle Rages On», «Anya», «Nasty Piece of Work» o «A Twist in the Tale»; el álbum es simplemente genial en su esencia rock, incluso los propios miembros de la banda no dudan en calificarlo como el mejor álbum hecho hasta esa fecha. Aunque la banda consigue mantener su sonido y gracias a ello poner en operación una vez más a esta máquina musical, y a pesar de tener toda la tecnología disponible a su alcance y lo satisfactorio del resultado, los problemas y roces de dos de sus miembros tienen mucho más peso a la hora de evaluar la continuidad de la banda, al punto de que la única solución es la salida de Blackmore o de Gillan.
Comienza la gira de promoción del álbum, recorriendo EE.UU. y Europa. En el escenario se logra percibir el ambiente enrarecido entre los integrantes del grupo, bises en donde Blackmore acompaña a la banda con su guitarra pero él detrás de los amplificadores, o simplemente retirándose dejando a sus compañeros sobre el escenario, Gillan haciéndole reverencias sarcásticas al aparecer aquél en escena (mucho de lo cual puede apreciarse en el video oficial titulado «Come Hell or High Water»). En fin, sin duda alguna una batalla de egos insuperable. En medio de la gira japonesa Blackmore decide poner fin a su continuidad en la banda.

Mk VI: La formación under

A pesar de los contratiempos, los demás miembros deciden terminar la gira y los compromisos pendientes, es así como contactan al guitarrista Joe Satriani quien venía recién saliendo del estudio de grabación y disponía de algún tiempo para apoyar a Deep Purple. Su excelente desempeño -una equilibrada mezcla entre la fidelidad de las versiones y su toque personal- puede apreciarse en los bootlegs de audio y video (por ejemplo, el audio titulado «Flying in a Purple Dream»). Su llegada no sólo supuso una afortunada salida de la crítica situación, también gracias a su impecable trabajo fue considerado como un potencial reemplazo de Blackmore. Sin embargo, Satriani debía cumplir sus compromisos con su sello disquero, por lo que prefirió seguir su carrera como solista, no sin antes recomendar a Steve Morse para el puesto.

Mk VII: Un nuevo aire púrpura

Es así como el guitarrista estadounidense Steve Morse, quién había participado anteriormente en las bandas Dixie Dregs y Kansas y que además tiene la suya propia Steve Morse Band (en donde lo acompañan Dave LaRue en el bajo y Van Romaine en batería) se integra al grupo sin ningún inconveniente. Su incorporación supuso un cambio del estilo musical de la banda, caracterizado por el virtuosismo y su técnica de guitarra que resulta mucho más moderno que el sonido clásico de Ritchie Blackmore. En febrero de 1996 se lanza al mercado la excelente producción Purpendicular, y comienzan nuevamente una gira por todo el orbe, esta vez llegando incluso hasta América Latina.
Argentina, México, Brasil, Perú y Chile son los países seleccionados para la gira latinoamericana. En su presentación debut en Chile, ocurre un episodio lamentable para la banda. Tal fue el nivel de convocatoria y efervescencia de Deep Purple en los fans locales que al comenzar el show el público ocupó sectores para ellos «prohibidos», como la torre de control. Dada la gran cantidad de público que se subió sobre la torre, esta finalmente terminó por desplomarse cuando la banda tocaba el segundo tema «Fireball». Hubo muchos heridos de diversa consideración pero afortunadamente sin pérdida de vidas. El show se canceló por espacio de 45 minutos al término del cual por decisión de la Banda volvieron al escenario. Jon Lord comentó posteriormente que fue uno de los espectáculos más tristes de su vida.
Por otra parte, Ritchie Blackmore revive a Rainbow en 1995. En esta ocasión él es el único componente original de la banda. El mismo año edita el excelente disco titulado Strangers in us All. Posteriormente y junto a su esposa Candice Night forma la banda Blackmore´s Night, con la cual hasta la fecha ha grabado 7 álbumes de estudio, uno doble en vivo y uno compilatorio.
Volviendo a Deep Purple, editan en mayo de 1998 el álbum titulado Abandon, éste fue el último álbum de estudio en el que Jon Lord apareció como miembro del grupo, ya que en el año del 2003 en un concierto de despedida se retiró definitivamente de la banda Deep Purple.

Mk VIII: La lógica sucesión

Lord es reemplazado por el teclista Don Airey quien cuenta con una larga trayectoria y excelente reputación musical, anteriormente participó con ex-purples en bandas como Rainbow y Whitesnake, colaborando con grandes artistas de la escena musical como Gary Moore y Ozzy Osbourne, Don Airey tenía el deseo oculto de formar parte de Deep Purple, siempre consideró la oportunidad de entrar a la banda si alguna vez Jon Lord decidía abandonarla, y en definitiva la partida de Lord le permitió a él cumplir aquel deseo, además por sus capacidades como compositor e intérprete del famoso órgano Hammond era el reemplazo lógico a la hora de evaluar nombres, Deep Purple siempre ha sido una banda de 5 músicos y nada lo va a cambiar, comentaba Roger Glover, desde el primer ensayo, Don fue integrado en la composición de las canciones al igual que Jon lo hizo antes». De esta forma y tras varios cambios internos a través de los años la banda queda finalmente conformada por Ian Gillan en la voz, Roger Glover en el bajo, Steve Morse en la guitarra, Don Airey en el Organo Hammond y teclados y finalmente Ian Paice en la batería, configurando la formación Mk VIII.
Con el nuevo integrante, Deep Purple lanza al mercado en agosto del 2003 el álbum Bananas (álbum) y finalmente en julio del 2005 editan el álbum Rapture of the Deep. Que luego seria editado en 2006 en formato doble como Rapture of the Deep Tour Edition contando este con temas indispensables en las actuales giras como «The Well Dressed Guitar» o «The Thing I Never Said».
En 2007 editan el primer DVD en vivo oficial con Don Airey se trata de la grabación del concierto en el famoso Montreaux Festival en su 40 aniversario , El DVD llamado Live At Montreaux 2006 They All Came Down To Montreaux cuenta como DVD extra un show en Hard Rock Cafe de Londres.
En la gira 2006/2008; destaca su espectacular concierto del 28 de abril de 2007 en el recién inaugurado Wembley Arena de Londres (Reino Unido) junto a Styx y Thin Lizzy. Las críticas son sensacionales y destacan que los Purple son como el vino: «con los años tocan cada vez mejor».
Deep Purple recientemente finalizo con la actual gira latinoamericana: Dio tres shows en México (14, 16 y 17 de febrero), uno en Lima, (Perú) (20 de febrero); 3 shows en Brasil (el 22 de febrero en Río de Janeiro; el 23 en Curitiba y el 24 en San Pablo), dos en Argentina (26 de Febrero y 2 de Marzo en Buenos Aires[2] ), dos en Chile (el 28 en Concepción y el 1º en Santiago de Chile), uno en Ecuador (el 6 en Quito) y uno en Venezuela (el 8 en Caracas) y de esa manera Deep Purple cerro con excelentes niveles de asistencia (a excepción de Mexico) la tercera gira sudamericana luego de la presentación del ya mencionado Rapture of the Deep. En todas estas ciudades la banda fue cordialmente recibida por los fans latinoamericanos que integran la Comunidad Púrpura en habla castellana.
Ahora los músicos continuaran con sus proyectos personales para ir de nuevo a Europa a cerrar la ultima gira de presentación del ultimo disco (Van a ser el grupo que cierre como en el ultimo año el prestigioso festival de Montreux el 19 de Julio). Luego la banda se tomara unas merecidas vacaciones e ira al estudio a grabar lo que seria su placa numero 19 en el mercado.

Miembros actuales

* Ian Gillan - Voz y Armónica
* Steve Morse - Guitarra
* Roger Glover - Bajo
* Don Airey - Teclado
* Ian Paice - Batería

Miembros anteriores

* Jon Lord - Teclado
* Rod Evans - Voz
* David Coverdale - Voz
* Joe Lynn Turner - Voz
* Ritchie Blackmore - Guitarra
* Joe Satriani - Guitarra
* Tommy Bolin - Guitarra
* Nick Simper - Bajo
* Glenn Hughes - Bajo y voz

Discografía :

De estudio

* Shades of Deep Purple - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
* The Book of Taliesyn - 1968 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
* Deep Purple - 1969 (Blackmore-Evans-Paice-Simper-Lord)
* In Rock - 1970 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Fireball - 1971 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Machine Head - 1972 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Who Do We Think We Are? - 1973 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Burn - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
* Stormbringer - 1974 (Blackmore-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
* Come Taste the Band - 1975 (Bolin-Coverdale-Paice-Hughes-Lord)
* Perfect Strangers - 1984 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* The House of Blue Light - 1987 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Slaves & Masters - 1990 (Blackmore-Turner-Paice-Glover-Lord)
* The Battle Rages on… - 1993 (Blackmore-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Purpendicular - 1996 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Abandon - 1998 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Lord)
* Bananas - 2003 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)
* Rapture of the Deep - 2005 (Morse-Gillan-Paice-Glover-Airey)

En vivo

* Concerto for Group and Orchestra (1969)
* Gemini Suite Live
* Scandinavian Nights (Live & Rare)
* Made in Japan (1972)
* Deep Purple In Concert
* Space Vols 1 & 2
* Live in Japan (1993)
* Perihelion
* California Jamming (Live in the California Jam) (6 de abril de 1974)
* Live in London
* Made in Europe
* The Final Concerts
* Days May Come & Days May Go (Rehearsal Tapes)
* Last Concert in Japan
* This Time Around
* On the Wings of a Russian Foxbat
* In the Absence of Pink (Knebworth 85)
* Nobody’s Perfect
* Come Hell or High Water
* Live In Europe 1993
* Live In Stuttgart 1993
* Deep Purple NEC 1993 - Live In Birmingham
* Live in the Olympia
* Total Abandon
* Live in the Royal Albert Hall
* Live at the Rotterdam Ahoy
* They All Came Down To Montreux. Live In Montreux 2006
* Rapture of the Deep Tour Edition
Fuente: Wikipedia y Last fm