Donna Summer es el nombre artístico de LaDonna Adrian Gaines (n. 31 de diciembre de 1948, Rochester, Boston, Estados Unidos). Es una cantante y compositora musical afroamericana conocida por sus éxitos en la década de 1970 con canciones como Hot Stuff, Love To Love You Baby, Na Na Hey Hey y On The Radio, entre muchas otras. Recibió el título de «Reina del Disco». Ha asistido a varios capítulos de la serie americana Cosas de casa interpretando a Tía Una.Donna comenzó su carrera a temprana edad: con sólo ocho años ya era una de las voces que destacaban en el coro de su parroquia. Durante su adolescencia formó parte de un grupo llamado The Crow, y con 18 años se presentó en Broadway a una audición para la comedia musical Hair, siendo aceptada. El éxito obtenido permitió a la compañía viajar a Europa, lo que posibilitó que Donna ingresase en 1967 en la ópera de Viena, donde participó en algunas producciones europeas de Porgy and Bess de George Gershwin, grabando además algunos discos con el nombre de Donna Gaines.
Por aquella época se casó con Helmut Sommer, un alemán con quien tuvo su primera hija; la relación no duró, pero Donna conservaría el apellido de su marido traduciéndolo al inglés como Summer (Verano).
En 1974 grabó junto a Pete Bellotte su primer álbum, The Lady of the night, con la ayuda de Giorgio Moroder, del cual se extrae el single The hostage que será su primer gran éxito comercial.
Un año más tarde salió un segundo álbum que marcó un hito dentro de la música de la época, tanto a nivel musical como técnico, ya que para poder darle formato se crea el maxi-single, un tipo de disco de vinilo de duración media que será profusamente utilizado por muchos artistas durante los decenios de 1970 y 1980; este álbum llegó a ser número uno de ventas en Estados Unidos. Tras este primer gran éxito, siguió una brillante carrera que hizo de esta cantante un referente dentro de la música disco, con una voz muy potente y unos ritmos que mezclan la música soul y los ritmos europeos de la época: el llamado Sonido de Munich representado por compositores como Giorgio Moroder, quien obtendría años más tarde el Oscar a la mejor banda sonora por su trabajo en la película Midnight express (El expreso de medianoche).
Donna marca la memoria sonora de los años 70 con éxitos como Hot stuff, Last dance, I feel love, On the radio, Mc Arthur park, Bad girls y Love to love you, aupándose como el más alto referente de las discotecas y siendo consagrada como la «reina de la música disco». Sus temas mezclaban el brillo de su cálida y potente voz de mezzosoprano y ritmos discos que comenzaban luego de una introducción de versos lentos y melódicos.
Auténtico hito de la época fue su canción Enough is enough a dúo con Barbra Streisand, que fue para ésta su primera (o única) incursión en la música de baile.
Fuente: Wikipedia

Diane Ernestine Earle Ross, mejor conocida como Diana Ross (n. Detroit, Michigan, 26 de marzo de 1944), es una popular cantante estadounidense.Durante los años 70 y 80, Diana Ross se convirtió en la artista femenina más exitosa de la era pop y abarcó también la industria cinematográfica y televisiva así como la teatral en Broadway.
Sus más grandes éxitos en el sello discográfico Motown son Ain't No Mountain High Enough (1970), Touch Me in the Morning (1973), Theme From Mahogany (Do You Know Where You're Going To) (1975), el éxito discotequero Love Hangover (1976), Upside Down (1980), otro éxito de música disco, y Endless Love (1981), un duo con Lionel Richie, todos número 1 en los EE.UU.
Entre 1981 y 1987, ella firma un contrato con la compañía RCA en los Estados Unidos y Capitol Records en Europa (parte de EMI): sus éxitos son Swept Away (número 1 dance en 1984), Missing You (número uno R&B en 1984), Chain Reaction (número uno inglés en 1985, con coros de Bee Gees) y If we hold on together (sencillo más vendido de la historia en Japón).
En 1989 regresa a la Motown. Sus más grandes éxitos son los álbumes The Force Behind the Power (1991) y Take Me Higher (1995), sobretodo en Europa. Éste último álbum contiene el número uno dance Take me higher y una versión del clásico disco I will survive. En 1999, es nombrada la artista femenina con más éxito en las listas británicas mientras su canción Not over you yet está en el Top 10. En 2002 deja la Motown pero sigue con EMI donde publica un álbum de bastante éxito en los EE.UU, I love you (2006)
A lo largo de su carrera, Diana Ross ha sido galardonada con el Premio Tony por el especial musical An Evening with Diana Ross (1977), siete American Music Awards y un Globo de Oro especial por su rol principal en el filme biográfico acerca de Billie Holiday: The Lady Sings the Blues (1972).
Diana Ross ha sido nominada para doce premios Grammy y al Oscar por mejor actriz. Con más de 45 años de carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más de 100 millones de copias, ubicándola fácilmente en lo más alto de la lista de artistas de mayores ventas.
En 1976, la revista Billboard la nombró «la “entertainer” femenina del siglo». Diana Ross es una de las pocas artistas quien tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, una como solista y la otra como miembro de las Supremes.
Es una cantante ecléctica y de prestigio, que ha tocado varios estilos y ha actuado con cantantes muy dispares. Amiga íntima de Michael Jackson, rodaron juntos la película The Wiz en 1978, y años después él compuso para ella la atrevida canción Muscles. En 1984, Diana grabó con Julio Iglesias el famoso dueto All of you, que contribuyó a catapultar a Julio al éxito en el mercado anglosajón. Fueron célebres las fotografías en las que Diana mostraba una pierna abrazada a Julio. En 1993 se publicó el disco Christmas in Vienna, que recogía un concierto de sabor navideño ofrecido por Diana con Plácido Domingo y José Carreras.
En 1993, entró en el Libro Guinness de Récords como la artista femenina de mayor éxito de todos los tiempos, debido en parte a sus 18 números uno, seis de ellos en solitario. Sólo The Beatles (con 20 números uno) y Elvis Presley (con 18) la han igualado o superado. Aun así en Billboard sus números uno cuentan por separado: tiene 12 con The Supremes y 6 como solista (siendo superada entonces por cantantes como Janet Jackson, Madonna, Whitney Houston, Ayumi Hamasaki y por Mariah Carey).
En 1999, como solista, ella fue ubicada #38 en la lista de VH1 The 100 Greatest Women in Rock and Roll mientras que The Supremes se colocaron en el #6.

Álbumes
Motown
1970: Diana Ross (reeditado el mismo año como Ain't No Mountain High Enough)
1970: Everything Is Everything
1971: Diana! (BSO)
1971: Surrender
1972: Lady Sings the Blues (BSO)
1973: Touch Me in the Morning
1973: Diana & Marvin (duetos junto a Marvin Gaye)
1973: Last Time I Saw Him
1974: Live at Caesar's Palace
1976: Diana Ross
1977: An Evening with Diana Ross (live)
1977: Baby, It's Me
1978: Ross
1978: The Wiz (BSO)
1979: The Boss
1980: diana
1981: To Love Again
RCA
1981: Why Do Fools Fall In Love?
1982: Silk Electric
1983: Ross
1984: Swept Away
1985: Eaten Alive
1987: Red Hot Rhythm & Blues
Motown
1989: Workin' Overtime
1989: Greatest Hits Live
1991: The Force Behind the Power
1993: Christmas in Vienna (álbum en directo junto a Plácido Domingo y José Carreras)
1993: Stolen Moments: The Lady Sings Jazz & Blues (live)
1993: When You Dream (Sólo editado en Japón)
1994: Diana Extended: The Remixes
1994: A Very Special Season (No está editado en USA)
1994: Making Spirits Bright (Sólo está editado en USA)
1995: Take Me Higher
1996: Voice of Love (No está editado en USA)
1997: Gift Of Love (Sólo editado en Japón)
1999: Every Day Is A New Day
2006: Blue
2006: I Love You
Fuente: Wikipedia

Klymaxx es una banda femenina de Pop / R & B de Los Ángeles, California, una de las primeras bandas formadas íntegramente por mujeres de cualquier género.
Klymaxx fue concebido y formado por Bernadette Cooper, quien también eligió el nombre. El sueño de una banda de chicas se convirtió en un proyecto que persiguió después de salir de la universidad. A través de muchas audiciones y de miembros temporales que formaron la banda, se convirtió en un éxito.
En 1981, firmaron con Solar Records. Su álbum debut fue Never Underestimate The Power Of A Woman. Antes comenzar a trabajar en su segundo álbum, cerraron trato para trabajar con los escritores y productores Jimmy Jam y Terry Lewis de The Time. El equipo escribió y produjo la canción "Wild Girls" para ese segundo álbum, titulado Girls Will Be Girls. Después del segundo álbum con Solar Records en 1983, cambiaron de sello discográfico pasando a MCA-distributed con su álbum Meeting In The Ladies’ Room, con el hit de 1985 "I Miss You", que alcanzó el puesto # 5 en el Billboard Hot 100 y el # 1 en los charts Adulto Contemporáneo de la Billboard. "I Miss You" se mantuvo en la lista Hot 100 de Billboard durante 29 semanas, para posicionarse como la tercera canción-más vendida de 1986, por delante de varias canciones que llegan al top 10 . El álbum también incluyó los éxitos "The Men All Pause" y "Meeting in the ladies room." 1986 vio el lanzamiento de "Men size love" para la banda sonora de Running Scared. Al año siguiente, esta canción fue incluida en su álbum homónimo Klymaxx, que pasó a dar otro éxito con la balada "I Still say yes", escrita por Babyface (acreditado como K. Edmonds), G. Scelsa , y Joyce Irby. Alcanzó el puesto # 18 en el Hot 100 y # 8 en el chart Adulto Contemporáneo en 1987.
El grupo se había reducido a tres miembros antes de finales de 1989, cuando la banda estaba compuesta por Porter, Cooley y Grider. En 1990, volvieron con “The Maxx is back”, que incluía los singles "Good Love" y " Don't Run Away." "Good Love" alcanzó el puesto # 4 en la lista Hot R & B / Hip-Hop Singles y Tracks Charts.

Discografía

Álbumes

Año Álbum
1981 Never Underestimate the Power of a Woman
1982 Girls Will Be Girls
1983 Girls in the Band
1984 Meeting in the Ladies Room
1986 Klymaxx
1990 The Maxx Is Back
1994 One Day

LA BANDA SONORA

Con la incorporación del sonido a la imagen, el cine experimentó un gran salto expresivo. El sonido complementa, integra y potencia la imagen visual y contribuye al realismo. Ademá, en el nivel narrativo, posibilita un importante ahorro de planos que la imagen muda tenía que utilizar para comunicar conceptos y situaciones. El mundo que nos envuelve es sonoro y el uso del sonido evita recurrir con exceso a la convención permitiendo una simplificación expresiva.
La relación del sonido con la imagen es de complementariedad, lo que hace posible la creación de un todo unificado que ha de plantearse desde el comienzo del inicio del guión.
La banda sonora condiciona activamente la forma en que percibimos e interpretamos la imagen. Imágenes iguales tienen distinta interpretación al cambiar la banda sonora.
La inclusión de las bandas sonoras al cine fue una tarea que tomó tiempo. Los primeros pasos de lograrlo fue tratar de hacer funcionar conjuntamente un proyector y un fonógrafo. Cuando el cine era mudo, en muchas ocasiones había acompañamiento musical. En ocasiones, era una gran oportunidad de ver imágenes y deleitarse con piezas musicales de grandes artistas. Sin embargo, la mayoría de las veces, la música no coincidía con la acción del film y, en realidad, las bandas musicales sólo estaban para simular los ruidos de las bobinas de las cintas.
Las primeras bandas sonoras aceptadas son la composición de Camille Saint-Saëns para la película “El Asesinado del Duque de Guisa” en 1908, y la partitura de Mihail Ippolitov-Ivanov para la película “Stenka Razin”. Importante es la creación del cronógrafo, que logró sincronizar mejor el fonógrafo con las imágenes proyectadas. Tiempo después, las compañías estadounidenses General Electric y Western Electric realizaron investigaciones que les permitieron crear sistemas para logar incluir el sonido en la misma película. Entre las primeras películas con sonido se encuentran El Cantante de Jazz (1927) y Lights Of New York (1928).
Lo que dice mucho del concepto es su nombre en inglés, el "soundtrack"; un "track" es una banda o pista en una grabación, e inicialmente para una película los diálogos, los efectos de sonido y la música van en pistas separadas, que finalmente se mezclan obteniendo el sonido que escuchamos en el cine. Sólo desde los años 50 es que se escucha hablar de álbumes de música exclusivamente de "sountracks"; un término importante asociado es el "OST", en inglés "Original Sountrack", o sea banda sonora original de la película, para diferenciarla de otras versiones y covers.

Normalmente, y con raras excepciones, el término alude solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio.

Las mejores canciones navideñas. Qué las disfruten!

Anita Baker (Toledo, Ohio, 26 de enero de 1958), cantante estadounidense de soul. Influida por el rhythm and blues, el jazz, el gospel y el pop tradicional, Baker, poseedora de una voz propia de una alto, es una cantante especializada en un soul adulto y romántico.
Aunque nacida en Toledo, creció personal y musicalmente en Detroit, donde aprendió a cantar escuchando, entre otras, a cantantes de jazz como Sarah Vaughan, Nancy Wilson y Ella Fitzgerald.
A los doce años empezó a cantar en un coro gospel y a los dieciséis cantaba con varios grupos locales. En 1975, firmó con el grupo Chapter 8, que pronto consiguió un contrato con Ariola y publicó un disco en 1979; sin embargo, al ser Ariola succionada por Arista, esta prescindió de los servicios de Anita. Tras varios trabajos menores en Detroit, en 1982, Otis Smith, ejecutivo que había trabajado con Chapter 8, la animó a unirse a su nueva compañía Beverly Glen. Se trasladó a la Costa Oeste y grabó su primer disco, The Songstress, en 1983. Sin ser un gran éxito, ayudó a Anita a consolidar una posición en el mercado musical, algo que resultó en su contrato por Elektra en 1985.

Discografía

1979: Chapter 8
1983: The Songstress
1986: Rapture
1988: Giving You the Best That I Got
1990: Compositions
1994: Rhythm of Love
2004: My Everything
2011: 21st Century Love

Fuente biográfica

Eddie Money nació como Joseph Edward Mahoney el 21 de marzo de 1949, en Brooklyn, Nueva York. Aunque soñaba con ser un músico, después de la secundaria Eddie decidió seguir los pasos de su padre y convertirse en un agente de policía.
En 1968, después de servir oficial de policía de Nueva York durante dos años, Eddie Money pone un alto en su carrera policial para dedicarse a la música. Se mudó a Berkeley, California y comenzó a actuar en clubes locales. Luego, en 1976 (después de cambiar su apellido de Mahoney a Money) el destino de Eddie cambió al conocer al legendario promotor Bill Graham mientras actuaba en uno de los eventos de Graham. Los dos rápidamente se hicieron muy cercanos, convirtiéndose Graham en su mentor y director. Graham dijo de Money ", Eddie lo tiene todo ... no sólo puede cantar, escribir y tocar, él es un actor natural."
Después de firmar un contrato discográfico con Columbia Records, Money apareció en la escena con su álbum debut homónimo en 1977. Los fans de inmediato se enamoraron del sonido característico de Money, y el álbum, que fue doble platino, incluyó éxitos como "Baby hold On" y "Two Tickets to Paradise". El éxito de su álbum debut siguió con una corriente de éxitos Top 40, así como algunos de los vídeos más creativos de la época de canciones como "Think I’m in Love" y "Shakin". En 1986, lanzó "Can’t Hold Back", que incluyó el clásico dúo con Ronnie Spector, "Take Me Home Tonight", nominado al Grammy . La canción alcanzó el número 4 en el Billboard Hot 100. El álbum fue disco de platino y también contó con el hit "I Wanna Go Back".
En estos días, Money continuaba deleitando a los fans nuevos y viejos por igual en distintos lugares en el país. Después de haber abierto la temporada de conciertos de verano en el DTE Energy Music Theatre de Detroit durante casi 20 años, Money atrae aficionados de todas partes que están ansiosos por ver el legendario músico.
Además de mantener un ocupado calendario de gira, Money ha aparecido en series de televisión como "El rey de Queens", donde actuó por su buen amigo Kevin James, y "The Drew Carey Show", donde interpretó al ex marido de Mimi.
En los últimos años, Eddie se han unido en una gira de su hija, Jesse Money. Jesse, que estaba en MTV "Rock The Cradle", es una cantante talentosa y carismático que ha optado por seguir los pasos de su padre. Mientras estaba de gira con Eddie, Jesse cantó coros añadiéndole un toque de emoción al dúo en "Take Me Home Tonight". Eddie y su esposa Laurie tienen otros cuatro hijos - Zacarías, José, Desmond, y Julian.
Además de haber vendido más de 28 millones de discos, las canciones de Money han aparecido en decenas de películas y programas de televisión, y recientemente han sido incluidos en los videojuegos de éxito como "Grand Theft Auto" y "Guitar Hero".

Discografía

Eddie Money (1977)
Life for the Taking (1978)
Playing for Keeps (1980)
No Control (1982)
Where's the Party? (1983)
Can't Hold Back (1986)
Nothing to Lose (1988)
Right Here (1991)
Love and Money (1995)
Ready Eddie (1999)
Wanna Go Back (2007)

Fuente: Eddie Money - Official Website

Giro radical en los años 1980

La canción "Another One Bites the Dust", escrita por John Deacon, llegó al n.º 1 en Estados Unidos. Éste hecho produjo que el conjunto gire radicalmente, de sus tendencias hard rock, glam rock, a tendencias más pop-rock de los años 1980 (aunque a veces había composiciones "rockeras" presentes en sus álbumes, pero en minoría). Los otros sencillos destacados fueron "Save Me" y "Play the Game". Éste fue el primer álbum de Queen en usar sintetizadores, a pesar que anteriormente Mercury comentó que nunca los iba a usar, precisamente en "Play the Game" y "Another Bite the Dust". El álbum fue un éxito a nivel mundial, llegando al n.º 1 en casi toda Europa, Estados Unidos, Canadá y Sudamérica. Este éxito los condujo a su primera gira sudamericana, que fue todo un éxito, presentándose ante 479 mil personas en Sudamérica y alcanzando la cima con canciones como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called love", que cosecharon un gran éxito. Cabe considerar que a partir de esta producción, comienzan a trabajar en la producción con Mack, que también trabajaba para Electric Light Orchestra. Sin embargo el grupo fue perdiendo algo de terreno, especialmente en los Estados Unidos, cuando emitieron la banda sonora Flash Gordon (de la película del mismo nombre), con un frío recibimiento y ventas regulares. No obstante esta intervención permitió que hasta la fecha de todas las versiones de Flash Gordon la más recordada sea la de Dino de Laurentiis, la cual se promocionaba con la banda sonora de Queen. Tras el lanzamiento de Flash Gordon, Queen lanzó su primer recopilatorio, Greatest Hits. Este disco ha sido el más vendido de la historia en el Reino Unido.36 Contó con grandes éxitos que iban desde el estilo rockabilly de "Crazy Little Thing Called Love", a la música disco de "Another One Bites the Dust". Se convirtió en el primer álbum número uno en los Estados Unidos.

Hot Space, The Works y el concierto de Live Aid

Roger Taylor fue el primer miembro de Queen en publicar su material de solista. Publicó su álbum en solitario llamado Fun in Space en 1981, poco más tarde el cuarteto grabó con un invitado por primera vez, escribiendo y cantando con David Bowie la canción "Under Pressure", incluido tanto en Greatest Hits como en Hot Space, fue su primer sencillo número uno en el Reino Unido, alcanzando el número uno. En 1982 aparece el álbum Hot Space, duramente criticado por acercarse demasiado a un sonido "disco", pero resultó ser un buen disco pop y demostró la versatilidad del grupo, aunque los fans se encontraron relativamente fríos, en consecuencia, el álbum no alcanzó el platino y significo el peor lanzamiento de Queen (en cuestiones comerciales) desde Queen II. Del álbum se editaron tres sencillos en el Reino Unido (sin contar "Under Pressure"). Las canciones fueron "Body Language", "Las Palabras de Amor" y "Back Chat".

Queen en 1984.

Dos años después aparece The Works con el cual marcaron una vuelta al hard rock, llegó al segundo puesto con una permanencia de noventitres semanas, al poco tiempo alcanzó el disco de platino. Pero en cambio, en los Estados Unidos solo fue n.º 23 en ventas, siendo un éxito menor, aunque el sencillo "Radio Ga Ga" fue muy exitoso, se había usado material de la película Metrópolis, de Fritz Lang para hacer el video clip. Tiene los éxitos "I Want to Break Free", en cuyo vídeo aparecían los miembros de Queen disfrazados de mujer queriendo ridiculizar la serie de la televisión británica Coronation Street. También destaca "Hammer to Fall", canción "obligatoria" en los shows en directo, que trata acerca de la guerra fría, y la balada "It's a Hard Life". El álbum fue bien recibido por la crítica y tuvo buenas ventas a nivel mundial, aunque tuvo los clásicos detractores de los años 1980 que reclamaban incoherentemente una vuelta al sonido de la década anterior. El disco llegó al número 2 en Inglaterra y se mantuvo en el chart durante 94 semanas.
Al poco tiempo el grupo abandono Elektra y firmó con Capitol. Con la disminución de popularidad en los Estados Unidos y la menguante popularidad en el Reino Unido, Queen decidió explorar nuevos horizontes, para conseguir fans realizaron giras por países del extranjero como también por Sudamérica, Asia y África, continentes ignorados por los grupos de rock, hasta aquel momento.

Queen en Río de Janeiro.

En septiembre de 1984 Queen inicia su The Works Tour y realiza una serie de fechas en Sun City (Sudáfrica). El 11 y 18 de enero de 1985 se presentaron en el festival Rock in Río, el más importante hasta la fecha, siendo los grandes triunfadores del evento al presentarse ante 325 mil personas. El 13 de julio participan en otro festival, el Live Aid (para luchar contra la hambruna de África) en el estadio de Wembley, donde realizan una de sus mejores actuaciones, siendo votada varias veces como la mejor presentación en vivo de la historia. Antes del concierto, los miembros de Queen habían decidido distanciarse algo, pero debido al enorme éxito que tuvieron cambiaron de opinión y decidieron continuar con más energías.
Motivados por el triunfo en el Live Aid, graban en los estudios Musicland de Múnich el tema "One Vision", canción utilizada en la película Iron Eagle, y después es lanzada en su nuevo disco.

A Kind of Magic y "Barcelona"

A principios de 1986 sacan a la venta su disco A Kind of Magic que alcanzó el n.º 1 manteniendo en las listas durante 63 semanas. Fue muy distinta la recepción en los Estados Unidos, llegando solo al puesto n.º 46 y llegando al disco de oro recién en 2002. El álbum se encontraba constituido con canciones que serían utilizadas en la película Highlander (Los Inmortales), interpretada por Christopher Lambert y Sean Connery. Ese disco fue un gran éxito, gracias a la canción también titulada "A Kind of Magic", la balada "Who Wants to Live Forever", el tema principal de la película Highlander, "Princes of the Universe", la canción "Friends Will Be Friends" y la rockera "One Vision". Ese mismo año hicieron su última gira, llamada "Magic Tour", donde tocaron dos noches en el estadio de Wembley (Reino Unido) ante unas 72.000 personas cada noche, vendiéndose las entradas en solo seis horas. El concierto fue grabado y en diciembre del mismo año editan Live Magic, su segundo disco en vivo, en el que compilan las mejores versiones extraídas de los conciertos de Wembley, Budapest y Knebworth Park. Queen también grabó un concierto en Budapest realizado en el Nepstadion.
Su último concierto fue el 9 de agosto de 1986 en "Knebworth Park" ante 120.000 personas. Las entradas se vendieron en dos horas. El Magic Tour fue visto por más de 1 millón de personas alrededor del mundo, siendo 400 mil en el Reino Unido, todo un record. Fueron también las últimas presentaciones en vivo con Freddie Mercury. Los años siguientes anunciaron que no daban conciertos porque querían un tiempo de relajación. Después de haber realizado la gira, los miembros de la banda, por causas que aún se desconocen, aunque probablemente se deba a la enfermedad que Freddie contrajo en ese período, deciden tomarse un tiempo de descanso y cada uno emprende proyectos en solitario.
En los posteriores álbumes, Queen dejo de ser una importante fuerza comercial en los Estados Unidos, los siguientes discos no llegaron a alcanzar siquiera el oro, o no tuvieron la repercusión que los antecesores. No obstante, las actuaciones del grupo y su popularidad se mantenían en un estado normal.
Freddie ya había expresado públicamente en el programa español Informe Semanal su deseo de conocer a Montserrat Caballé, una famosa cantante de ópera barcelonesa. Esto llega a oídos de la cantante y la reunión tan ansiada se produce, finalmente, en el hotel Ritz de Barcelona, en marzo de 1987, acompañado por Mike Moran. Al domingo siguiente, Caballé incluyó el tema "Exercises In Free Love" en el bis de su recital en el Covent Garden de Londres. En la audiencia se encontraba Freddie Mercury. Tras ese recital, la diva cenó en la casa de Bulsara, y le pidió que le escribiera una canción sobre su tierra natal. El resultado fue la obra cumbre de estos dos mitos de la música: "Barcelona", tema que fue elegido como himno oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Ambos actuaron juntos en dos ocasiones: una en Ibiza, en mayo de 1987, y después otra en Barcelona, donde interpretaron "Barcelona", "How Can I Go On" y "The Golden Boy", el 8 de octubre de 1988. Esa fue la última aparición en vivo de Farrokh Bommi Bulsara, alías Freddie Mercury.

The Miracle y Innuendo

Más tarde, en 1989 Queen se junta nuevamente y saca su disco The Miracle cuando ya la crítica pensaba que Queen estaba acabado. El disco llegó al n.º 1 manteniéndose por 32 semanas en lista, para al poco tiempo alcanzar el disco platino. Alcanzó el puesto n.º 24 en los Estados Unidos. El sencillo que recogió mayor éxito fue "I Want It All", que llegó al número uno en varios países, y al n.º 3 en el Reino Unido manteniéndose por siete semanas en listas. "Breakthru", "The Miracle", "The Invisible Man", y en menor medida "Scandal", también logran posicionarse en los primeros lugares, reforzados por videoclips de gran calidad que apoyaron su difusión. Después de la salida de este álbum la banda comunica que no se presentará en vivo en ningún concierto, la razón fue que se consideraban demasiado maduros como para, literalmente, "ir correteando en mallas de leopardo cuando se tiene 40 años".
Volvieron al oro con Innuendo de principios de 1991,1 mientras solo era n.º 30 en los Estados Unidos, en el Reino Unido se fue al numero uno, encontrándose en las listas por treintisiete semanas y ganado el disco de platino.

Fallecimiento de Freddie Mercury

A finales de los años 1980 a Mercury se le fue diagnosticado SIDA, hecho que decidió llevar al máximo silencio. En ese momento salían al mercado cortes en solista del artista como "The Great Pretender" y "Time", además apareció un disco grabado con la cantante de opera Montserrat Caballé titulado Barcelona. Para la época de la emisión de Innuendo, los rumores de que Freddie estaba enfermo de SIDA eran más frecuentes, algo que el grupo continuamente negaba. El 23 de noviembre Freddie Mercury emitió un comunicado en su lecho de muerte que confirmaba las historias. Apenas dos días después, Mercury perdió su batalla contra aquella enfermedad, falleciendo en su mansión de Londres, tenía 45 años. Su última aparición pública fue en la entrega de los premios Brit Awards de 1990.
La canción "Bohemian Rhapsody" fue re-editada como sencillo poco después del deceso de Mercury 1991, con "These Are the Days of Our Lives" como doble lado A (del álbum Innuendo). El sencillo llegó al número uno, puesto en el que se mantuvo cinco semanas y permaneció dieciséis en las listas de venta. El éxito de la re-edición se produjo -en parte- gracias a la celebre escena de la película Wayne's World, en donde los personajes Wayne (Mike Myers) y Garth (Dana Carvey) junto a unos compañeros cantan "Bohemian Rhapsody", la cual suena en la radio del coche. La versión original había estado un total de nueve semanas al tope de las listas entre 1975 y 1976 (diecisiete en listas). Por eso "Bohemian Rhapsody" se convirtió en la primera canción en llegar al número uno (en su versión original) en dos oportunidades distintas, además de lograr la cantidad de catorce semanas en lo más alto (nueve en la original, como se mencionaba, y otras cinco en la segunda edición). La recaudación inicial del sencillo –aproximadamente £1.000.000– fueron donados a la fundación Terrence Higgins Trust. Irónicamente el grupo se encontraba en una etapa de mayor popularidad. Se editó un álbum póstumo de Freddie Mercury en solista en 1992.

Greatest Hits II

Un mes antes de la muerte de Freddie, el 28 de octubre de 1991, EMI había publicado el segundo recopilatorio de grande éxitos, Greatest Hits II, que incluía 17 de los mayores hits del grupo entre 1981 y 1991. Este álbum debutó en el número uno de las listas de venta de Reino Unido. Curiosamente comenzó a bajar posiciones: en la segunda semana bajó al n.º 2 (en lo más alto estaba Enya), en la siguiente al n.º 3 (en esa semana We Can't Dance de Genesis ocupaba el primer puesto), pero lo más curioso, en la cuarta semana el disco descendió al sexto lugar (en esa semana Dangerous de Michael Jackson hizo un ingreso triunfal al número uno). Obviamente, ya en su quinta semana, el álbum regresó a lo más alto (esta vez con ventas más elevadas) y se mantuvo en esa posición durante otras cuatro semanas. En total, el álbum estuvo cinco semanas en lo más alto, y con sólo ocho semanas en las listas, fue el tercer disco más vendido de 1991, luego de recibir el cuádruple platino por 1.200.000.
Sin embargo el éxito del Greatest Hits II fue incluso mayor en otros países de Europa. En Holanda, el álbum llegó al número uno en las dos últimas semanas de 1991, y se mantuvo en esa posición hasta comienzos de marzo de 1992 (un total de 11 semanas consecutivas). En mayo de ese año, el disco volvió a lo más alto, esta vez dos semanas, para completar el período de 13 en lo más alto. El álbum obtuvo la certificación de 5 discos de platino en 1997 (por 500.000 copias). En este país, tanto The Miracle como Innuendo habían llegado al número uno, permaneciendo 3 y 4 semanas en esa posición respectivamente.
Otros datos destacados: el disco llegó al número uno en Suiza (11 semanas), Austria (3 semanas), Finlandia, Italia (12 semanas), España (8 semanas), Francia (4 semanas) y Portugal. También llegó al número dos en Alemania y Suecia. Queen, además, fue la banda más vendedora entre 1991 y 1992 en Reino Unido, Holanda, Suiza, Austria, Alemania, Finlandia, Dinamarca, España, Italia, Portugal y Francia, entre otros.

Concierto tributo

Se realizó el Concierto en Tributo a Freddie Mercury el 20 de abril de 1992, en el estadio de Wembley, Londres. Entre los artistas invitados estuvieron Annie Lennox, David Bowie, Def Leppard, Elizabeth Taylor, Elton John, Extreme, George Michael, Guns N' Roses, Ian Hunter, Lisa Stansfield, Liza Minnelli, Metallica, Mick Ronson, Robert Plant, Roger Daltrey, Spinal Tap, Tony Iommi y Zucchero, junto a los tres miembros restantes de Queen, interpretando varios de los éxitos más grandes de la banda. El concierto está registrado en el Libro Guinness de Récords como "El concierto benéfico con más estrellas de rock". Se recaudaron más de £20.000.000 destinados a obras caritativas para el Mercury Phoenix Trust, una conciencia sobre el SIDA y el fondo de educación establecido por los miembros del grupo y su manager, Jim Beach. Fue visto en televisión por mil millones de espectadores.
Una semana después, EMI publica el concierto de Wembley de 1986 en formato CD y, con el impacto que provocó la trasmisión del reciente concierto, se convirtió en un gran éxito. El álbum llegó al número uno en Italia, donde se mantuvo 5 semanas y vendió 300.000 copias durante ese año, y también en Portugal. El álbum también llegó al número dos en Reino Unido, España y Francia.

Made in Heaven y "No-One But You"

En 1995, Queen logró completar el álbum Made in Heaven, con grandes ventas, llegó al n.º 58. Cuenta con las voces grabadas por Mercury en el último año de su vida, además de sacar el último material que grabó con el grupo. En 1996, una estatua del artista se presentó en Montreux, Suiza.
Dos años más tarde, en 1997, Brian May, Roger Taylor y John Deacon se reúnen nuevamente en un estudio para grabar el que hasta el día de hoy es el tema final de Queen, titulado "No-One But You (Only The Good Die Young)", que fue publicado como single y dentro del recopilatorio Queen Rocks, una colección de cortes rockeros que recorren toda su carrera desde Queen hasta Innuendo, omitiendo solo los álbumes The Game y Made In Heaven.
En ese mismo año, 1997, John Deacon se retiró definitivamente de la música, considerando que Queen había terminado y que fuera del grupo no tenía ningún proyecto musical más en el que le apeteciera participar.

Queen en el nuevo milenio

En marzo de 2001 Queen ingresa al Rock and Roll Hall Of Fame en Cleveland Ohio en su segundo año de elección. Junto a Robbie Williams, Brian y Roger participan en la grabación del clásico del disco "News Of The World", "We Are the Champions", como parte de la banda sonora de "A Knight's Tale".
Ya en 2002 Brian May y Roger Taylor, productores de teatro, se unen junto con Robert de Niro para realizar We Will Rock You, obra escrita por Ben Elton y ambientada en un mundo futurista donde no quedan vestigios de lo que fue el rock. Hasta el día de hoy el musical ha sido un éxito sin precedentes, realizándose versiones para distintos países tan diversos como España, Australia, Rusia, entre otros.
Ese mismo año, Queen comienza a lanzar su música en un nuevo formato: DVD. Ya se habían lanzado anteriormente en "We Will Rock You" que recoge los conciertos dados por Queen el 24 y 25 noviembre de 1981 en Montreal, Canadá, y The Freddie Mercury Tribute Concert, en una edición especial para conmemorar los 10 años de aquel mega espectáculo. Conocidos como The DVD Collection, el encargado de abrir esta nueva serie es el "Greatest Video Hits 1" que consiste en la colección de videos desde 1973 hasta 1980. A este se sumarían "Live At Wembley Stadium" y "Greatest Video Hits 2", ambos del 2003, y el 2004 el "Queen on Fire - Live at the Bowl"(también en CD), que corresponde al mítico concierto dado el 5 de junio de 1982 en el Milton Keynes Bowl de Inglaterra.

Queen + Paul Rodgers

A finales de 2004, el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor anunciaron que ambos se reunirían y volverían a salir de gira en 2005 junto a Paul Rodgers (cantante fundador de las bandas Free y Bad Company). El sitio web de Brian May también estableció que Rodgers estaría 'presentándose con' Queen como Queen + Paul Rodgers, sin reemplazar al desaparecido cantante Freddie Mercury. El bajista John Deacon (retirado de la banda), declinó en participar, siendo reemplazado por el bajista Danny Miranda (miembro de Blue Öyster Cult). Otros miembros de la gira fueron el tecladista Spike Edney, quien tocó teclados y ocasionalmente guitarra en los conciertos en vivo de Queen desde 1984, y el guitarrista adicional Jamie Moses, quien comenzó a trabajar con Brian May en sus proyectos solistas a principios de los '90.

The Cosmos Rocks

El 15 de agosto de 2006, Brian May confirmó a través de su sitio web y club de fans que Queen + Paul Rodgers comenzarían a producir su primer álbum de estudio en octubre, para ser grabado en un "lugar secreto". El álbum, titulado The Cosmos Rocks, fue publicado en Europa el 12 de septiembre de 2008 y en Estados Unidos el 28 de octubre. Después de esto, la banda realizó su gira Rock The Cosmos, comenzando el 12 de septiembre con un concierto benéfico por la causa del sida en Kharkov, Ucrania ante una audiencia superior a las 350.000 personas.49 50 La gira recorrió Europa y finalizó en Sudamérica el 30 de noviembre de 2008 en Río de Janeiro, Brasil.

Rock the Cosmos Tour

Queen y Paul Rodgers se separaron oficial y amistosamente el 12 de mayo de 2009.
Las tres mangas europeas fueron anunciadas con 28 conciertos en 14 países, la gira se inició el 12 de septiembre de 2008 en Ucrania en el Kharkov Freedom Square y finalizó en latinoamérica, pasando por Chile el 19 de noviembre de 2008, Argentina el 21, siendo este último concierto el que más cantidad de público atrajo, sin tomar en cuenta el recital de Ucrania, puesto que este último era gratuito. La gira continuó en Brasil los últimos días de noviembre de 2008.

Discografía

Álbumes de estudio

1973: Queen
1974: Queen II
1974: Sheer Heart Attack
1975: A Night at the Opera
1976: A Day At The Races
1977: News of the World
1978: Jazz
1980: The Game
1982: Hot Space
1984: The Works
1986: A Kind of Magic
1989: The Miracle
1991: Innuendo
1995: Made in Heaven

Banda sonora

1980: Flash Gordon
1986: Highlander (película) (álbum A Kind of Magic)

Álbumes recopilatorios

1981: Greatest Hits I
1989: At the Beeb
1991: Greatest Hits II
1992: Classic Queen
1997: Queen Rocks
1999: Greatest Hits III
2006: Stone Cold Classics
2007: The A-Z of Queen, Volume 1
2009: Absolute Greatest
2011: Deep Cuts: Volumen I
2011: Deep Cuts: Volumen II

Álbumes en directo

1979: Live Killers
1986: Live Magic
1992: Live at Wembley '86
2004: Queen on Fire - Live at the Bowl
2007: Queen Rock Montreal

Queen + Paul Rodgers

Return of the Champions (2005) CD/DVD
Super Live in Japan (2006) DVD
The Cosmos Rocks (2008) CD
Live In Ukraine (2009) CD/DVD

Fuente: Wikipedia

Survivor es una banda estadounidense de AOR (Adult Oriented Rock), formada en 1977 por los miembros fundadores Jim Peterik y Fran Sullivan. La banda alcanzó su mayor éxito en los 80s con muchos singles en lo más alto de las listas, sobre todo en su país. Son sobre todo conocidos por los éxitos "Eye of the Tiger", el tema principal de "Rocky III" en 1982. Otros singles como "Burning Heart" (n.º 2 en USA), "The Search Is Over (n.º 4) y "High on You" (n.º 8) mantuvieron al grupo en los más alto de las listas.
En 1977, Jim Peterik, Frankie Sullivan, Dave Bickler, Gary Smith y Dennis Johnson formaron Survivor. Peterik fue anteriormente el principal vocalista y guitarrista de la banda Ides of March. Después de estar tocando en pequeños clubs durante varios años, sacaron a la luz su primer disco, "Survivor" en 1979, pero no cumplieron sus espectativas al no situar ningún single en el Top 40. Su siguiente disco, "Premonition", en 1981 entró en las listas y fue bastante popular en Estados Unidos, consiguiendo colocar un single en el Top 40, "Poor Man's Son".
En 1982, la suerte en forma de Sylvester Stallone llamó a las puertas del grupo. Este último, tras escuchar el single "Poor Man's Son" quería una canción parecida para su película "Rocky III". La banda aceptó el reto y escribieron "Eye of the Tiger". Este tema lanzó al grupo a lo más alto alcanzando el nº1 en el Billboard americano y manteniéndose siete semanas. También entró en el Billboard inglés manteniéndose seis semanas en el Top 40 y se mantuvo en el nº1 en Australia durante cuatro semanas. El tema fue premiado con un Grammy, votado como el "Mejor Tema Nuevo" en los People's Choice Award y también recibió una nominación a los Oscar de la Academia. El disco del mismo título, Eye of the Tiger fue lanzado a finales de 1982, con otro single que entraría en el Top 40, "American Heartbeat" (nº17). El álbum consiguió el nº2 de las listas en Estados Unidos.
En 1983, Survivor intentó repetir el éxito de "Eye of the Tiger" sacando "Caught in the Game". Resultó ser un fracaso al no pasar del nº82 del Billboard en Estados Unidos. Ninguno de los dos singles extraídos del disco consiguió acercarse al éxito del año anterior. La banda sufrió otro percance antes de la gira de finales de 1983, al detectarse problemas vocales en el cantante Dave Bickler y tener que ser sustituido por Jimi Jamison de los grupos Target y Cobra.
Después de grabar "The Moment of Truth" (nº63 en Estados Unidos), el tema principal del éxito de taquilla "Karate Kid" (1984), la banda grabó el primer disco con Jimi Jamison. "Vital Signs" devolvió al grupo a la popularidad, llegando al nº16 del Billboard con temas como "I Can't Hold Back" (nº13 en USA), "High On You" (nº8) o "The Search Is Over" (nº4).
En 1985, sacaron otro single, "Burning Heart" de la banda sonora de "Rocky IV", que alcanzó el nº2 del Billboard.
"When Seconds Count" salió en 1986 e incluía el single "Is This Love" (nº9 en USA. En el Billboard de discos, tan solo alcanzó el nº49, pero vendió más de 500 000 copias y fue certificado como Disco de Oro.
Durante la producción del 7º disco, "Too Hot To Sleep" (1988), Ellis y Droubay fueron sustituidos por dos músicos de sesión, Mickey Curry en la batería y Bill Syniar en el bajo. El disco sonaba más duro que sus últimos éxitos y se acercaba más al sonido de sus principios. "Too Hot To Sleep" no llegó a tener un gran éxito y se quedó en el nº187 en USA.
Tras el fracaso de ventas de "Too Hot To Sleep", Jim Peterik y Frankie Sullivan deciden parar la banda indefinidamente. Sin embargo, Jimi Jamison sigue girando con un grupo de músicos locales tocando canciones de Survivor y en 1990 saca un disco en solitario. Sigue girando pero esta vez bajo el nombre Survivor y tras un pequeño éxito internacional Sullivan entra en la banda para hacer unos 10 conciertos y luego volver a abandonar.
Entre finales de 1992 y principios de 1993 se pide a Survivor sacar un nuevo disco de éxitos pero con 2 temas nuevos. Por lo tanto, durante un corto periódo de tiempo, Peterik, Sullivan y Jamison volvieron a estar juntos en el estudio para grabar esos temas y prepararse para la próxima gira mundial. Después de discusiones sobre los contratos Jamison deja la banda y vuelve a girar como Jimi Jamison's Survivor.
En la primavera de 1993 Peterik y Sullivan vuelven a reunirse con el primer cantante, Dave Bickler, sacan un "Greatest Hits" con dos temas nuevos y vuelven a hacer una gira mundial. Debido a que Jamison sigue girando bajo el nombre de Survivor, Peterik y Sullivan deciden ir a juicio contra él para recuperar el nombre de la banda.
Entre 1993 y 1996 graban unas 20 demos para un nuevo disco pero no pueden conseguir un contrato discográfico debido a los continuos juicios por el nombre del grupo.
Finalmente Peterik decide abandonar la banda tocando por última vez con Survivor el 3 de Julio de 1996 en el festival "The Eye In The Sky" en Lisle, Illinois. Survivor reemplazan a Peterik por el compositor y teclista Chris Grove, mientras Peterik vuelve a grabar y girar con Ides of March y funda su nuevo grupo, Pride of Lions.
En 1997 Marc Droubay vuelve a Survivor como batería y percusionista y Stephen Elis deja el grupo y es sustituido por Billy Ozzello al bajo.
Survivor siguen grabando demos para un próximo disco, incluyendo temas como "Rebel girl'98" o "Lies" del disco en solitario de Sullivan.
En 1999, Jamison saca su disco "Empires" bajo el nombre de "Jimi Jamison's Survivor" que más tarde sería reeditado bajo su propio nombre. A finales de año, Frankie Sullivan obtiene todos los derechos sobre el nombre de Survivor y la batalla judicial llega a su fin.
principios del 2000, Dave Bickler es despedido dando origen a una nueva colaboración entre Sullivan y Peterik. Con Jamison de nuevo en el grupo, la banda vuelve a grabar nuevo material, sacando el tema "Velocitized" para la película de Sylvester Stallone "Driven". Mientras siguen girando por Norte América , Europa y Asia.
El 21 de Abril de 2006, Survivor saca un nuevo disco, "Reach", compuesto en su mayoría de temas nuevos pero con algún tema recuperado de sus demos.
El 14 de Julio del mismo año, se anuncia la marcha de Jamison y el fichaje de Robin McAuley, "McAuley Schenker Group". Se espera un nuevo disco con el nuevo cantante para este 2007, según palabras del propio Sullivan.

Discografía

Álbumes

Survivor (1979) #169 US
Premonition (1981) #82 US
Eye of the Tiger (1982) #2 US
Caught in the Game (1983) #82 US
Vital Signs (1984) #16 US
When Seconds Count (1986) #49 US
Too Hot to Sleep (1988) #187 US
Reach (2006)

Fuente: Wikipedia

Cherilyn Sarkisian (n. El Centro, 20 de mayo de 1946), conocida como Cher, es una cantante, actriz, compositora, diseñadora y productora estadounidense. Ha sido galardonada por su carrera musical y como actriz con, entre otros, los premios Óscar, Grammy, Emmy, Globo de Oro y un premio en el Festival de Cine de Cannes.
Denominada como «La Diosa del Pop», Cher llegó a la fama en 1965, formando parte del dúo musical Sonny & Cher, junto con su ex esposo Sonny Bono. Posteriormente Cher se estableció como solista. Ha lanzado veinticinco álbumes de estudio, varias compilaciones y cincuenta y seis sencillos; cinco de ellos han llegado a la cumbre del Billboard Hot 100, teniendo en cuenta además que trece de sus sencillos han entrado a esta lista. El más notable es «Believe». Fue número uno en veintitrés países y la hizo acreedora al premio Grammy, además puede considerarse como la tercera canción más exitosa de toda la historia interpretada por una artista de sexo femenino detrás de “My Heart Will Go On” de Céline Dion y “I Will Always Love You” de Whitney Houston. Según Billboard, ella es la 9º mejor artista de la historia dentro de la lista encabezada por The Beatles, Elton John y Michael Jackson. Se convirtió en actriz de televisión a mediados de 1970 y en actriz de cine a comienzos de 1980. En 1987 ganó el premio Óscar como mejor actriz por la película Hechizo de Luna.
Con una carrera que rebasa los 40 años y sin mostrar signos de decadencia, Cher ha sido conocida por ser un ícono pop y una de las pocas cantantes consideradas divas de la música. Ha vendido más de 250 millones de discos como solista lo cual la convierte en una de las cantantes más exitosas de la historia y en una de las artistas más exitosas de todos los tiempos. Dentro de los Estados Unidos la artista ha logrado la venta de 30 millones de copias certificadas por la RIAA. Asimismo, la revista Rolling Stone ha considerado a su canción "I Got You Babe" como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.
Desde 2009, la cantante reside en el hotel Caesars Palace de Las Vegas, presentando allí su espectáculo Cher At The Colosseum. También es reconocida por poseer un rango vocal de contralto.

Récords y otros logros

Es la artista femenina de más edad en el mundo en ocupar la primera posición en el Billboard Hot 100 con "Believe" en 1999. (53 años)
Es la artista que registra la mayor cantidad de tiempo entre dos interpretaciones que hayan alcanzado el puesto #1 del Billboard: desde 1974 con Dark Lady hasta 1999 con Believe. (25 años)
Ha participado en cuatro películas que han sido exitosas a nivel mundial: Silkwood, Mask, Hechizo de luna y Las brujas de Eastwick
Es una de las cantantes con más ventas discográficas en el mundo con más de 250 millones de discos vendidos.
Ha sido nominada siete veces al premio Grammy y lo ha ganado una vez, en 1999 con "Believe".
Ha sido nominada dos veces al premio Óscar y lo ha ganado una vez, en 1987 con Hechizo de luna.
Ha sido nominada seis veces al Globo de Oro y ha salido galardonada tres veces.
Es una de las pocas cantantes que ha logrado ganar el Óscar, Grammy, Globo de Oro, Emmy y el Cannes.
Es la única artista que tiene el récord de ser la única artista de la historia en posicionase #1 del Billboard Dance/Club Play Songs durante 6 décadas consecutivas

Discografía

Álbumes de estudio

1965: All I Really Want To Do
1966: The Sonny Side of Cher
1966: Cher
1967: With Love, Cher
1968: Backstage
1969: 3614 Jackson Highway
1971: Gypsys, Tramps & Thieves
1972: Foxy Lady
1973: Bittersweet White Light
1973: Half Breed
1974: Dark Lady
1975: Stars
1976: I'd Rather Believe in You
1977: Cherished
1979: Take Me Home
1979: Prisoner
1980: Black Rose
1982: I Paralyze
1987: Cher
1989: Heart of Stone
1991: Love Hurts
1995: It's a Man's World
1998: Believe
2000: Not.com.mercial
2001: Living Proof
2011: TBA

Recopilatorios

1968: Golden Greats
1972: Superpack
1974: Greatest Hits
1992: The Greatest Hits 1965 – 1992
1999: If I Could Turn Back Time: Cher's Greatest Hits
1999: The Greatest Hits
2003: The Very Best of Cher
2005: Gold
2010: Goddess of Pop: The Remix


Bandas Sonoras

1969: Chastity
1979: Roller Boogie
1980: Foxes
1989: Chances Are
1990: Days of Thunder
1990: Mermaids
2010: Burlesque

Sencillos número uno

1971: "Gypsies, Tramps and Thieves"
1973: "Half Breed"
1974: "Dark Lady"
1979: "Take Me Home"
1989: "After All"
1989: "If I Could Turn Back Time"
1991: "The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)"
1995: "Love Can Build a Bridge"
1998: "Believe"
1999: "Strong Enough"
1999: "All or Nothing"/"Dov'è L'amore"
2001: "The Music's No Good Without You"
2002: "Song for the Lonely"
2002: "A Different Kind of Love Song"
2003: "When the Money's Gone"/"Love One Another"
2010: "You Haven't Seen the Last of Me"

PLAYLIST

1 - Arizona Sky
2 - Black Man Ray
3 - Wishful thinking
4 - Diary of a Hollow Horse
5 - Here come a raincloud
6 - Tragedy and Mistery
7 - You did cut me
8 - Hard to be around
9 - St. Saviour Square
10- Every Day The Same

China Crisis se formó en Liverpool por Gary Daly (vocales, bajo, synths) y Eddie Lundon (guitarra, percusión, synths) (Ambos habían empezado a componer después de terminar el colegio) . En 1981 debutaron con el single “African and white” al que le siguió “Scream down at me” en 1982. Ambos sencillos se editaron en el pequeño sello independiente Inevitable (donde habían fichado bandas como Modern Eon, Faction, y unos primerizos Dead Or Alive) .
China Crisis firmó luego por Virgin quienes re-editaron “African and White”, el cual fue un hit menor en GB llegando sólo al lugar 45 de los charts. El Primer album “Difficult shapes and passive rhtyhms, some people think it’s fun to enetertain” aparece a finales de 1982 y llega al lugar 21. Para entonces la banda consistia de Gary, Eddie y Dave Reilly (bateria, percusión y synths). Para 1984 y con el lanzamiento de “Working with fire and steel: possible pop songs vol.2″ La banda reemplaza a Reilly con Kevin Wilkinson (Waterboys, Squeeze, Proclaimers, etc.) y Gary “Gazza” Johnson (bajo) y entre los músicos invitados destaca Steve Levy en el oboe cuyo sonido distingue a CC durante esta etapa y Anthony Thistlethwaite en el saxofón.
Después del éxito en Europa del segundo album, China Crisis atrajo el interés de Walter Becker (la otra mitad de Steely Dan) quién produce el tercer album “Flaunt the imperfection”, que se edita en abril de 1985. Aparentemente Becker no fue la primera elección de los muchachos, ellos querian a Brian Eno pero no estuvo disponible en ese momento. El resultado fue bastante elegante, muy trabajado…muy “steelydanizado” (como lei por ahi!). Este fue el album más exitoso de la banda llegando al puesto 9 en el Reino Unido. De este album se extrajeron 4 sencillos: “Black Man Ray” (Nº 14), “King In A Catholic Style” (Nº 19), “You Did Cut Me” (Nº 54) y “The Highest High”. Por la época de “You Did…” se editó un video de promos “Showbiz absurd”

Singles (1981-1996)

"African and White" INEV 011, Inevitable, UK - 1981 UK #45, AUS #75
"Scream Down at Me" VS 495, Virgin, UK - 1982
"No More Blue Horizons" VS 521, Virgin, UK - 1982
"Christian" VS 562, Virgin, UK - 1982 UK #12
"Tragedy and Mystery" VS 587, Virgin, UK - 1983 UK #46
"Working with Fire and Steel" VS 620, Virgin, UK - 1983 UK #48, AUS #47 US Billboard Hot Dance Club Songs #27
"Wishful Thinking" VS 647, Virgin, UK - 1983 UK #9, AUS #57
"Hanna Hanna" VS 665, Virgin, UK - 1984 UK #44
"Black Man Ray" VS 752, Virgin, UK - 1985 UK #14, AUS #30
"Animalistic" 1985 VS1266DJ, Virgin, CAN Promo - 1985
"King in a Catholic Style (Wake Up)" VS 765, Virgin, UK - 1985 UK #19
"You Did Cut Me" VS 799, Virgin, UK - 1985 UK #54
"The Highest High" VS 829, Virgin, UK - 1985 UK #82
"Arizona Sky" VS 898, Virgin, UK - 1986 UK #47, AUS #52
"Best Kept Secret" VS 926, Virgin, UK - 1987 UK #36
"St. Saviour Square" VS 1168, Virgin, UK - 1989 UK #81
"Red Letter Day" VS 1188, Virgin, UK - 1989 UK #84
"African and White (The Steve Proctor remix)" VS 1197, Virgin, UK - 1990
"Everyday the Same" 12STA001, Stardumb, UK - 1994 #99
"Black Man Ray (Live)" tlg cd 006, Telegraph, UK - 1996


Álbumes de estudio

Year Album
1982 Difficult Shapes & Passive Rhythms, Some People Think It's Fun to Entertain
1983 Working with Fire and Steel - Possible Pop Songs Volume Two
1985 Flaunt the Imperfection
1986 What Price Paradise
1989 Diary of a Hollow Horse
1994 Warped by Success

Fuentes: Stereo Filia y Wikipedia

PLAYLIST

1 - Why
2 - There must be an angel
3 - Love Song For A Vampire
4 - A whiter shade of pale
5 - Sweet Dreams
6 - Walking on Broken Glass
7 - The Miracle of Love
8 - Into the West
9 - Waiting in Vain
10 -Ladies of the Canyon
11 -Wonderful
12 -Stay by me
13 -Money can't buy it
14 -Wonderful
15 -Loneliness
16 -Don't Let It Bring You Down
17 -Take me to the River
18 -Sing

Ann Lennox, OBE (n. 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia), más conocida como Annie Lennox, es una cantante de rock británica, ganadora del Óscar, Brit Awards, Grammy y el Golden Globe. Comenzó su carrera como vocalista del grupo pop británico The Tourists, que abandonó para formar con otro de sus miembros, Dave Stewart, el dúo Eurythmics, que alcanzó un gran éxito a lo largo de los años 1980 con sencillos como «Sweet Dreams (Are Made of This)» o «Here Comes the Rain Again».
En la década de 1990, Lennox se embarcó en una carrera en solitario que arrancó con su álbum de debut Diva (1992), que produjo los sencillos de éxito «Why» y «Walking on Broken Glass». En 2004 ganó tanto el Globo de Oro como el Óscar a la mejor canción original por «Into the West», escrita para la banda sonora de la película El Señor de los Anillos: el retorno del Rey.
Sale a la venta el 1 de octubre de 2007 editado por Sony BMG, incluye el himno feminista 'Sing', nacido del compromiso de Lennox con la fundación Nelson Mandela 46664 y con la Treatment Action Campaign (TAC), organizaciones que luchan a favor de los derechos humanos, la educación y la salud de los afectados por el virus VIH.
'Sing', uno de los temas ha reunido a 23 cantantes femeninas de todo el mundo, quienes hacen coros a la "diva" con la intención de reclamar la atención sobre la labor de estas organizaciones y recaudar fondos para las iniciativas del TAC. Entre estas artistas, además de Madonna, Céline Dion, Anastacia o Shakira, está el grupo vocal del TAC conocido como The Generics, cuyo álbum inspiró a Annie Lennox para componer esta canción.
Para este trabajo Lennox abandona a su habitual colaborador Steve Lipson para trabajar en Los Ángeles con el productor Glenn Ballard, conocido por sus grabaciones con Anastacia, Christina Aguilera, Shakira, Alanis Morissette o Aretha Franklin.
De la inquietud de 'Sing' en favor de los mas necesitados, Annie Lennox ve la necesidad de tomar acción y crea Sing campaign, que plantea hacer conciencia ante la problemática del VIH Sida, recaudando fondos y previniendo la propagación de la enfermedad en niños y mujeres.
En 1986 una eufórica Annie Lennox en pleno concierto en Birmingham junto a su banda Eurythmics se quitó el sujetador ante más de 10.000 personas.
En 1992 participó en el Tributo a Freddie Mercury interpretando la canción «Under Pressure» junto con David Bowie.

DISCOGRAFÍA

Año Álbum
1992 Diva
1995 Medusa
2003 Bare
2007 Songs of Mass Destruction
2009 The Annie Lennox Collection
2010 A Christmas Cornucopia

Fuente: Wikipedia

PLAYLIST

1 - Gimme a chance
2 - Looking back over my shoulder
3 - The living years
4 - Behind those eyes of blue
5 - Satisfy my Soul
6- Don't shed a tear
7 - One Small Setp
8 - Tempted
9 - How Long
10 - Love Will Keep Us Alive
11- Beutiful World
12- If I were you
13- Nothing to lose
14- Harvest for the World
15- When you walk in the room
16- For once in our lives

Paul Carrack (nacido el 22 de abril de 1951 en Sheffield, Inglaterra) es un teclista, cantante y compositor inglés. Ha sido miembro de varios grupos musicales como Ace, Roxy Music, Squeeze o Mike & The Mechanics aunque también ha tenido éxito como artista en solitario.
Trayectoria
Su carrera musical comienza con el conjunto de rock progresivo Warm Dust, que lanzó tres álbumes entre 1970 y 1972. Carrack era el pianista y de vez en cuando utilizaba otros instrumentos pero no era el solista del grupo. Después de la disolución de Warm Dust, Carrack y el bajista Tex Comer crearon el grupo de pop-rock llamado Ace. Carrack compuso y cantó «How long», un sencillo que fue un éxito a ambos lados del Atlántico en 1975. Sin embargo, ninguna otra grabación del grupo ganó popularidad. En 1977 As se disolvió y Carrack comenzó a trabajar como músico de apoyo para Frankie Miller. Luego se incorporó como miembro de Roxy Music, tocando los teclados en el álbum de 1979 Manifesto. Carrack también participaría en los dos siguientes álbumes del grupo, pero como un músico de sesión, no un miembro de la banda.
Tras su paso por Roxy Music publica su primer álbum en solitario, Nightbird, que no fue un éxito comercial. En 1981, Glenn Tilbrook lo recluta para unirse a Squeeze como reemplazo del pianista Jools Holland. Esta nueva formación alcanzó el éxito internacional con el álbum East Side Story, donde Carrack es el vocalista en la canción «Tempted», su mayor éxito de esa época en Estados Unidos. Pero hacia 1982, Carrack había abandonado el grupo, y había sido substituido por Don Snow.
Previamente, a finales de 1981, Carrack se había unido a Nick Lowe para formar una banda de acompañamiento denominada Noise To Go, cuyo propósito era intervenir en los respectivos álbumes en solitario de ambos artistas, de modo similar a la banda Rockpile en los álbumes de Dave Edmunds y del propio Lowe. Noise To Go también intervendría en Blue Nun, LP en solitario de Carlene Carter, esposa de Nick Lowe. La banda se completaba con Martin Belmont en la guitarra, James Eller en el bajo y Bobby Irwin en la batería. En 1982, esa formación acompañó el LP en solitario de Carrack Suburban Voodoo.
Tras ese álbum, James Eller abandona Noise To Go, Nick Lowe se encarga del bajo eléctrico y la banda se rebautiza como Nick Lowe and His Cowboy Outfit, que graba dos álbumes entre 1983 y 1985, con Lowe como vocalista. Durante esta época, Carrack también trabajó como músico de sesión para The Smiths y The Pretenders.
En 1985, Nick Lowe and His Cowboy Outfit fue disuelto y Mike Rutherford, de Genesis, se puso en contacto con Carrack para que se uniera a Mike & The Mechanics, el nuevo proyecto de Rutherford. Al principio, Carrack era uno de los dos cantantes alternos junto a Paul Young; así canta el éxito de 1985 «Silent Running (On Dangerous Ground)». Además, compagina su intervención en el grupo con otras actividades musicales. En 1986, Carrack se incorpora al recién formado grupo de Roger Waters, The Bleeding Hearts Band, con quienes graba en ese año la banda sonora de la película «When The Wind Blows» y al año siguiente el álbum en solitario de Waters Radio KAOS —al que sigue una gira por Europa y Estados Unidos—; aprovechando el éxito de Mike & The Mechanics, en 1987 edita su propio álbum One Good Reason, y el sencillo «Don't Shed A Tear». Desde entonces, logra mantener tanto su carrera en solitario como con Mike & The Mechanics, una banda que grabó y viajó irregularmente debido a los compromisos de Rutherford con Genesis. En 1989 la banda alcanza el número 2 de las listas británicas con «The Living Years» con Carrack como voz. También en 1989, interpreta a duo con Terri Nunn «Romance», una canción basada en un éxito de sintetizador de una banda alemana. La canción apareció en la banda sonora de la película «Sing».
A principios de la década se produce una pequeña parada en su carrera aunque continúa trabajando con "Mike + The Mechanics" sobre todo con los teclados. En 1990 en Berlín, trabaja en el innovador espectáculo "The Wall" de Roger Waters, interpretando "Hey You" ante 250.000 personas. En 1993, se une al bajista Tony Levin, al batería Steve Ferrone, al guitarrista Phil Palmer y el productor y tecladista Rupert Hine para formar la banda "Spin 1ne 2wo". lanzando un álbum con temas de Jimi Hendrix, The Who, Led Zeppelin, Blind Faith, Steely Dan o Bob Dylan. También en 1993, "Squeeze" contrata la vuelta de Carrack para su álbum "Some Fantastic Place" y su tour de promoción. Con Carrack a la voz, el disco fue un éxito con su canción "Tempted" que apareció en el film "Reality Bites" (1994). Sin embargo, Carrack abandona de nuevo el grupo un año después. Después de esta segunda etapa con "Squeeze" se une a Timothy B. Schmit y Don Felder de "The Eagles" para un nuevo y ambicioso proyecto de grabación que finalmente no se termina. En 1996 recopila su carrera en solitario con el disco "Blue Views".
Mantiene su carrera activa como artista en solitario y músico de sesión compaginando su trabajo en "Mike + The Mechanics" en 2000. En 2004, el grupo se rebautiza entonces como "Mike + The Mechanics & Paul Carrack".

Discografía

En solitario

1980 Nightbird
1982 Suburban Voodoo
1987 One Good Reason
1989 Groove Approved
1996 Eyes of blue
1997 Blue Views
1997 Beautiful World
2000 Satisfy My Soul
2001 Groovin'
2003 It Ain't Over
2005 Winter Wonderland
2007 Old, New, Borrowed and Blue
2008 I Know That Name
2010 A Different Hat

Recopilaciones

1987 Ace Mechanic
1988 The Carrack Collection
1994 Twenty-One Good Reasons: The Paul Carrack Collection
1995 Carrackter Referente
2006 Greatest Hits - The Story So Far

Fuente: Wikipedia

Playlist

1 - To France
2 - Muse
3 - Blackbird
4 - Man In The Rain
5 - Celtic Rain
6 - Cochise
7 - Moonlight Shadow
8 - Family Man
9 - The top of the morning
10- Tubular Bells I (Introduction adaptacion 2003)
11- Far above the clouds
12- Summit Day
13- Sentinel - TBII
14- Heaven's Open
15- Weightless
16- Misty
17- Return to the origin
18- To be free
19- Daydream
20- Lament for Atlantis
21- Hipernova
22- Ommadawn parte 2
23- Tubular Bells 2003 (Parte 1)
24- Crises
25- Punkadiddle
26- Holy
27- Earth Moving

Michael Gordon Oldfield, nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra, es un compositor, multiinstrumentista y productor británico.
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".
Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
"Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
Mike se aproximó en más profundidad a la música rock, formando otro grupo de corta vida llamado Barefeet, con su hermano Terry. Eso le condujo a trabajar como bajista en Kevin Ayers & The Whole World. Kevin Ayers había sido miembro fundador de Soft Machine, pero abandonó el grupo en 1968. Al año siguiente publicaron el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.
Entre los miembros de The Whole World se encontraba David Bedford ocupándose de los teclados. Bedford, un compositor de formación clásica, entabló una buena amistad con Mike, ayudándole en la composición de una temprana versión del que sería su primer álbum en solitario. Estando de gira con The Whole World, Mike entró en contacto con Centipede, una enorme orquesta de jazz dirigida por Keith Tippett. La amplia gama de instrumentos de que disponían influyó a Mike en el carácter multiinstrumentalista que más tarde daría a sus propias composiciones.
Kevin Ayers & The Whole World grabaron dos álbumes, Shooting At The Moon y Whatevershebringswesing, antes de disolverse en agosto de 1971. Para entonces, Mike había pasado de ser bajista a ser el guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación.
Entre 1971 y 1973 Mike comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa... Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello "no era comercial" y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

En solitario
Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, "todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia".

Tubular Bells

El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.
Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo bien que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.
Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, "si le pones letra te lo compró por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.
Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa.
En junio de 1973, Tubular Bells se presentó en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para esta ocasión, se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de The Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight. También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong, y que sería uno de los nombres fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así: "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento".
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

Discografía

1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven's Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light & Shade
2007 – Music Of The Spheres

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica
Guitarra española
Guitarra acústica
Bajo
Gaita
Piano
Sintetizador

Fuente: Wikipedia