Playlist

1 - To France
2 - Muse
3 - Blackbird
4 - Man In The Rain
5 - Celtic Rain
6 - Cochise
7 - Moonlight Shadow
8 - Family Man
9 - The top of the morning
10- Tubular Bells I (Introduction adaptacion 2003)
11- Far above the clouds
12- Summit Day
13- Sentinel - TBII
14- Heaven's Open
15- Weightless
16- Misty
17- Return to the origin
18- To be free
19- Daydream
20- Lament for Atlantis
21- Hipernova
22- Ommadawn parte 2
23- Tubular Bells 2003 (Parte 1)
24- Crises
25- Punkadiddle
26- Holy
27- Earth Moving

Michael Gordon Oldfield, nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Inglaterra, es un compositor, multiinstrumentista y productor británico.
El padre del músico, Raymond Oldfield, adquirió una guitarra cuando servía en la Royal Air Force en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre "solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, 'Danny Boy'". Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto cuando vio al virtuoso guitarrista Bert Weedon: "Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert nunca hubiera llegado a ser lo principal en mi vida".
Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: el hermano mayor de Mike, Terry Oldfield, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y tiene varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal Mirrors, y en la actualidad continúa en activo.
A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
"Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
Mike se aproximó en más profundidad a la música rock, formando otro grupo de corta vida llamado Barefeet, con su hermano Terry. Eso le condujo a trabajar como bajista en Kevin Ayers & The Whole World. Kevin Ayers había sido miembro fundador de Soft Machine, pero abandonó el grupo en 1968. Al año siguiente publicaron el álbum Joy of a Toy, que les llevó a hacer una gira en 1970.
Entre los miembros de The Whole World se encontraba David Bedford ocupándose de los teclados. Bedford, un compositor de formación clásica, entabló una buena amistad con Mike, ayudándole en la composición de una temprana versión del que sería su primer álbum en solitario. Estando de gira con The Whole World, Mike entró en contacto con Centipede, una enorme orquesta de jazz dirigida por Keith Tippett. La amplia gama de instrumentos de que disponían influyó a Mike en el carácter multiinstrumentalista que más tarde daría a sus propias composiciones.
Kevin Ayers & The Whole World grabaron dos álbumes, Shooting At The Moon y Whatevershebringswesing, antes de disolverse en agosto de 1971. Para entonces, Mike había pasado de ser bajista a ser el guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación.
Entre 1971 y 1973 Mike comenzó a ordenar las ideas musicales que bullían en su cabeza. Usando una grabadora de cuatro pistas que le prestó Ayers, dos pistas en un sentido y las otras dos en el otro, descubrió que si cubría el cabezal de borrado con un trocito de cartón podía grabar en cuatro pistas. De esta forma podría empezar a grabar las ideas necesarias para realizar su gran proyecto: crear una sinfonía, similar a las composiciones de gran escala para orquesta con diferentes movimientos que se podían encontrar en muchas obras de música clásica, pero utilizando para ello instrumentos de toda índole, sobre todo pertenecientes al mundo del pop-rock. Se ha mencionado que la Quinta Sinfonía de Jean Sibelius le influyó profundamente por aquel entonces.
Con la grabadora prestada se metió en el dormitorio de la casa que compartía con los otros miembros del grupo, y las ideas para su nuevo trabajo empezaron lentamente a tomar forma. Ya metido en faena, Mike se decidió a tocar todos los instrumentos él mismo, y pensó que no le sería difícil con su don natural para la música el poder dominar casi cualquier instrumento; desde el xilófono al piano de cola, la guitarra clásica, el órgano Farfisa... Mientras aún trabajaba con Kevin Ayers, ayudaba también en las grabaciones que se hacían en los famosos estudios Abbey Road de Londres, donde tuvo la oportunidad de compartir algunas conversaciones con The Beatles. Pronto descubrió que el estudio tenía un almacén repleto de todo tipo de instrumentos, algunos de los cuales pertenecían al cuarteto de Liverpool, así que se las arreglaba para llegar más temprano y, mientras los demás usuarios del estudio llegaban, él experimentaba con esos instrumentos e incorporaba nuevos sonidos y texturas a su proyecto. Ensimismado en un trabajo que sabía iba a ser revolucionario, se propuso plasmar en él todas las profundas emociones que estaba experimentando como explorador de un campo musical virgen. La obra que estaba componiendo sería, además, un trabajo que se convertiría gradualmente en el vehículo para descargar sus emociones más profundas, y con las que más le estaba costando vivir.
Después de crear una primera maqueta, empezó a recorrer todas las discográficas tratando de convencer a alguien para que apoyase su proyecto. Por toda respuesta obtuvo negativas de las discográficas, que argumentaban que aquello "no era comercial" y que, si en algún caso llegaba a editarse, nadie lo compraría; obviamente, eso le había pasado por poner su fe en aquella poco trabajada maqueta. Tras haber compuesto la hipnótica introducción (la melodía más emblemática de su primera obra), seguiría acordándose de aquello: ¡si tan solo pudiese grabarlo, editarlo y promocionarlo!

En solitario
Un rayo de luz iluminaría el futuro de Oldfield. Cuando Mike dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, para ganarse la vida trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó en la banda de acompañamiento de la producción londinense de Hair, el "musical de amor-rock tribal" por 5 £ la noche. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis. El grupo iba a grabar a un estudio recientemente inaugurado en una mansión de Shipton-on-Cherwell, a 20 millas de Oxford. Los estudios de grabación The Manor fueron construidos por aquel entonces para Richard Branson por Tom Newman, asistido entre otros por Simon Heyworth. El reunido en The Manor era un equipo de buenos amigos, y también estaban allí las novias de algunos de ellos para atenderlos, así como un cocinero, limpiadoras y jardineros. Como Mike comentó más tarde, "todos los problemas que surgían los tratábamos como si fuésemos una gran familia".

Tubular Bells

El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente.
Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1).
Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo bien que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.
Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, "si le pones letra te lo compró por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records.
Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer.
Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa.
En junio de 1973, Tubular Bells se presentó en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para esta ocasión, se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de The Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight. También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong, y que sería uno de los nombres fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así: "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento".
Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

Discografía

1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven's Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light & Shade
2007 – Music Of The Spheres

Instrumento(s)

Guitarra eléctrica
Guitarra española
Guitarra acústica
Bajo
Gaita
Piano
Sintetizador

Fuente: Wikipedia

Playlist

1 - Equinoxe V
2 - Oxygene (Part 03)
3 - Oxigene (Part 04)
4 - Oxigene (Part 08)
5 - Orient Express
6 - Magnetic fields
7 - Chronologie 3
8 - Aero
9 - El Dorado
10- Revolutions
11- The Emigrant
12- Two Moon's Night
13- Souvenir Of China
14- Revolution Industrial (Part 01)
15- Revolution, Revolutions
16- Bells
17- Diva


Jean Michel Jarre nace el 24 de agosto de 1948 en Lyón, Francia. Hijo de France Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.
Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales de Sudes", liderado por el maestro Jorge Gentile, el Rey Sudes, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage - Eros Machine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.
Así llegó 1976, cuando este joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygène (considerado el álbum más importante de música electrónica). Este disco es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema Oxygene 4. Fue todo un evento, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.
Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo éxito que obtendría con Oxygene, así como tampoco con su posterior Equinoxe, que terminó consolidándolo como el más destacado de la escena mundial. Y dio inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en París en 1979, reuniendo a 1.000.000 de personas y rompiendo por primera vez en su vida un "Récord de Guinness". Tras esto prepara su tercer disco oficial, Chants magnétiques (cantos magnéticos juego de palabra con campos magnéticos, ambos se pronuncian igual en francés), que incluso en Estados Unidos (bajo el nombre Magnetic Fields) lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo éxito, es invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de ochocientos millones de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco The Concerts in China.
En 1983 graba Musique pour supermarchés (música para supermercados), disco de una sola copia, cuyos masters fueron destruidos y que fue subastado para incrementar la partida presupuestaria para los artistas franceses. Tras ese notable experimento (Récord Guinness de nuevo) llega Zoolook, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea bases y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes.
Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de 1 millón de personas (otro Récord mas). El astronauta Ronald McNair fue elegido para interpretar la parte de saxofón de Last Rendez-Vous de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger. Iba a ser la primera pieza de música grabada en el espacio. Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada Ron's Piece, y el concierto y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair. El gran concierto de Houston, sumado a un homenaje al Papa Juan Pablo II en su natal Lyon fueron plasmados en Cities In Concert, Houston-Lyon (originalmente "In Concert Houston-Lyon")
Llega 1988 y con su disco Revolutions hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, que finalmente se lleva a cabo los días 8 y 9 de octubre de 1988 en el Muelle Victoria ante más de 200.000 espectadores y que cuenta con la participación especial del guitarrista de The Shadows, Hank Marvin, con quien Jarre hace duple en London Kid, uno de los temas más destacados del álbum. Aquel concierto realizado en el Docklands de la capital britanca fue grabado en el álbum "Jarre Live", rebautizado en 1997 como Destination Docklands, the London Concert.
Al comenzar la década de 1990 Jean Michel dedica su trabajo En attendant Cousteau ('esperando a Cousteau') al biólogo francés Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de los steeldrums -tambores metálicos con un característico sonido melódico, muy populares en Trinidad y Tobago o en Jamaica en los temas Calypso 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos. El momento para estrenar este álbum fue en el concierto Paris - La Défense, el cual fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi 2.000.000 de personas (convirtiendo en récord la reunión), y donde además hace una revisión de todos sus discos como manera de presentación de su proximo disco, el albúm recopilatorio Images estrenado en 1991. En este disco, además de incluir los mejores éxitos de entre "Oxygene" y "En attendant Cousteau", aparecen tres temas inéditos: Eldorado, Globetrotter y Moon Machine (éste último se edita como "inédito", pero en realidad se publicó con anterioridad como cara B del maxi Fourth Rendez-Vous).
Los temas Eldorado y Globetrotter tienen una particularidad, pues antes del estreno del álbum pero siguiendo en 1991, Jarre comienza la promoción de un concierto que tendría lugar en la zona arqueológica de Teotihuacán, México durante el eclipse solar del 11 de julio de 1991; en el cual, haria estreno tal canción. Sin embargo, este nunca logró realizarse. De un principio se especuló que su cancelación se debió a problemas con los patrocinadores y con autoridades nacionales. Sin embargo, en el documental "Making the Steamroller Fly", que está incluido en el DVD "Oxygene Moscow", Jarre y otros colaboradores cuentan que la verdadera razón para la cancelación del concierto en México fue el hundimiento de un barco que transportaba desde Europa el escenario en forma de pirámide especialmente diseñado para la ocasión y otro material técnico sin el cual era imposible para Jarre realizar el espectáculo como lo tenía concebido. El músico comenta que había compuesto piezas especiales con influencias mayas y aztecas para el evento, aparte de los estrenados en el álbum recopilatorio. El propio Jarre señala que fue tal su frustración con la cancelación de este proyecto que "no pudo probar comida mexicana durante dos años". Aun asi, el single Eldorado de todas maneras pudo ser tocado en vivo despues de un tiempo, solo unos años antes de ser nombrada como el "Himno oficial de la UNESCO".
Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking La Historia del Tiempo lanza Chronologie, un disco que nos comunica la evolución en la historia del hombre. Este álbum incluye samples de sus primeros trabajos, como Eros Machine. Inicia un espectacular tour por Europa que lo lleva además a Hong-Kong. Es nombrado Embajador Universal por la Unesco y con este propósito realiza el megaconcierto Concert pour la Tolerance (1995).
En 1997 Jarre firma un contrato con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygene 7-13. Un álbum donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de 3.500.000 de personas disfrutaron del show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del álbum de remezclas Odyssey Through O2.
1999 fue el año donde planifica su más ambicioso proyecto: The 12 Dreams of the Sun, un espectacular show de doce horas para celebrar la llegada del séptimo milenio bajo las Pirámides de Egipto. Los temas recibieron una nueva armonización y el músico francés aprovechó para mostrar algunos cortes de su futuro disco "Metamorphoses". El concierto fue transmitido por Internet y ganó varios premios. Su lanzamiento en DVD se retrasa debido a problemas de derechos con el gobierno egipcio, pero es probable que se edite en unos años mas según una entrevista en el periódico El Mundo.
Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natacha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia de su música. Aquel año, Jarre preparaba un nuevo proyecto que no tuvo mucho éxito, llamado The Vizitors; y en donde participaban Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher además de Jean-Michel. Durante el año 2000 se cancelaron varios conciertos.
En junio del 2001 Jarre brindó dos conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la asociación griega Elpida. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual sólo se regalaron mil copias) con 2 piezas de música incidental especialmente preparadas para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de sonido y video) en Francia. En este año también preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star y diversas composiciones para el canal francés Match Tv.
Durante el 2002 lanzó Sessions 2000, un compilado de temas creados durante el año 2000 los cuales fueron llamados según el dia en que fueron grabados. El 7 de septiembre realizó el concierto AERO - Tribute to the Wind en la localidad de Aalborg, Dinamarca. Este concierto tuvo como tema central la ecología, por lo cual gran parte de la energía necesaria para el concierto fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el evento.
El año 2003 se pone a la venta Geometry for Love, el cual tuvo un tanto de música "electro-chill". El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Pekín, China; para celebrar el inicio del Año de Francia en China, el cual fue transmitido por televisión todo el gigante asiatico. Este concierto fue plasmado en el álbum Jarre in China, y sirvio para presentar su nuevo álbum recopilatorio conocido como AERO. El termino "AERO" (que correctamente debe escribirse como A.E.R.O.) es la abreviación de "Anthology of Electronic Revisited Originals" (en español "Antología de Originales Electrónicos Revisitados") y contiene sus mas grandes clasicos (entre "Oxygene" y "Chronologie") como también temas inéditos creados especialmente para este álbum, todos en formato de sonido 5.1 (transformandose en el primer álbum de Jarre grabado en este formato).
El 2005 y 2006 realiza pocos, pero concurridos conciertos. El 2005 realiza el concierto en Polonia Solidarnosc Live, Space of Freedom en la ciudad de Gdańsk, en honor al partido obrero cristiano "Solidarność" y al recien fallecido Papa Juan Pablo II; concierto que seria plasmado en el álbum Live From Gdańsk. En este concierto interpretó el tema musical "Mury", versión excepcional del tema "L'estaca" de Lluis Llach. En su rol de embajador de la UNESCO, brinda un espectacular concierto en la ciudad de Merzouga, Marruecos llamado Water for Life el 16 de diciembre de 2006, celebrando el año de la desertificación en el mundo.
El 26 de marzo de 2007 lanzó su nuevo disco de estudio titulado Téo & Téa, que cuenta con 13 temas orientados a volver al Jarre de los años 80, pero sin dejar los sonidos del género dance del nuevo milenio. No tuvo una muy buena acogida. Ese mismo año, planifica un concierto en un parque eólico en Albanella (Italia), dentro del festival de tres días Powerstock, pero a cinco días antes del concierto el Power Stock Festival aún no se había dignado a firmar el pliego de condiciones de honorarios de la agencia del músico francés para su participación en el festival. Muchos fans que habían adquirido sus entradas, comprado sus billetes de avión y reservado sus hoteles, se quedaron tirados sin capacidad de cancelar, perdiendo mucho dinero por esta falta de seriedad del organizador italiano.
Jarre en la gira Oxygene, 30th. Anniversary Tour
El 4 de diciembre también del 2007 lanza la tan esperada edición remasterizada de su gran álbum "Oxygene", titulado Oxygene, New Master Recording. Este es su nombre oficial, sin embargo su estreno no fue fechado al azar sino que coincide con el 30º aniversario del estreno internacional de su obra magna, es por eso que también se le llama "Oxygene, 30th. Anniversary". Y por último, y en paralelo se estrena Oxygene, Live in Your Living Room el cual consiste en un DVD donde se escuchan los temas de "New Master" con ciertas variaciones entre los temas y un video en formato 2D. En edición limitada, se comercializo un pack con el CD de "New Master" mas el DVD de "Live in Your Living Room" en formato 3D (con sus respectivas gafas en 3D); luego, sale como álbum definitivo con el CD y el DVD en 2D. En forma de estreno de esta remasterización, brinda una serie de conciertos en Europa el año 2008 llamado Oxygene, 30th Anniversary Tour.
El año 2009 Jarre realiza una gira en Europa donde repasará todos sus grandes exitos hasta la remasterización de "Oxygene" titulada In-Doors Arena Tour. Esta gira comenzo el 4 de mayo de 2009 en el pabellón Fonix Csarnok de la localidad húngara deDebrecen acompañado por Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard. A fines de 2009 se confirmó que la gira seguiría hasta septiembre de 2010 en mas ciudades del viejo continente y se agregaría un país del Medio Oriente asiatico (El Libano); nuevamente confirmando mas locaciones a mediados de aquel año, para Octubre, Noviembre y Diciembre. Hasta principios de diciembre de 2010 se presumía de que la gira seguiría prolongándose para el 2011, hecho que se confirmó el 20 del mismo mes ratificando mas conciertos en Europa para fines del 2011. Sin embargo, tanto en su Twitter oficial como en su Blog ha dado a entender de que la gira el 2011 llegará a los otros continentes (dándole el carácter de "Gira mundial") diciendo principalmente que "We're working on it! Hope to be there next year!! Thanks" ("¡Estamos trabajando en ello! ¡¡Esperamos estar el año que viene allí!! Gracias"), no oficializándose nada, hasta el mismo 20 de diciembre de 2010 donde la pagina "Newsletter Jean-Michel Jarre" menciona de que efectivamente la gira llegará a América y Asia durante el 2011 aun cuando la pagina oficial de Jarre no confirma ningún concierto.

Depeche Mode es un grupo de música electrónica formado en Basildon, condado de Essex, en Inglaterra. El grupo puede ser considerado como uno de los más importantes exponentes del Synth Pop. Su álbum Violator de 1990 es considerado por algunos como una joya del movimiento Techno de las décadas de los ochentas y noventas. El grupo está integrado por:

* David Gahan (vocalista y actualmente también compositor), de 1980 a la fecha.
* Martin Lee Gore (compositor, ocasionalmente vocalista, tecladista y guitarra), de 1980 a la fecha.
* Andrew John Fletcher (tecladista y actualmente también bajista), de 1980 a la fecha.

Miembros anteriores:

* Vincent Clarke (compositor y tecladista), de 1980 a 1981. Compositor de Erasure de 1985 a la fecha.
* Alan Charles Wilder (tecladista, arreglista, ocasionalmente compositor y batería), de 1982 a 1995.

Principales miembros de apoyo en conciertos:

* Christian Eigner (batería, aunque con David Gahan compuso canciones para el grupo), de 1997 hasta la actualidad.
* Peter Gordeno (tecladista y ocasionalmente bajista), de 1998 hasta la actualidad.

Los Ochenta, primer período

El surgimiento de Depeche Mode se encuentra en un primer intento de dúo llamado No Romance in China formado por Vince Clarke y Andrew Fletcher en 1976, el cual no logró nada. Despúes Clarke formó con Martin L. Gore y con Rob Marlowe un nuevo grupo llamado French Look al cual se integraría nuevamente Andy Fletcher en lugar de Marlowe en 1979 dando origen al trío Composition of Sound en donde Martin Gore y Andrew Fletcher eran guitarristas y vocalistas, y Vince Clarke era compositor y tecladista. Para 1980 reclutaron al vocalista David Gahan después de que Clarke lo contactara tras oírlo cantando Heroes de David Bowie cuando ensayaban. Desde aquel momento Gore y Fletcher cambiaron las guitarras por los sintetizadores, se convirtieron en un grupo de música tecnopop y cambiaron su nombre a Depeche Mode por sugerencia del mismo Gahan quien lo tomó de estar hojeando una revista de moda francesa llamada así. Después de estar tocando puertas, el grupo pudo grabar una canción para un sello independiente de música electrónica llamado Some Bizarre, la canción era Photographic y apareció en un recopilatorio de nuevas promesas de ese sello, convirtiéndose así en su primera grabación para un disco. Semanas después el productor Daniel Miller, fundador del sello Mute Records y quien era uno de los que antes les había cerrado la puerta, los oyó tocar en directo y reconsideró su decisión por lo cual les dio una oportunidad al permitirles grabar su primer álbum a través de Mute y produciéndoselos él mismo, todo en un contrato únicamente verbal. Ese primer disco de 1981, Speak & Spell, logró posicionarse en listas de éxitos sobre todo gracias al tema bailable Just Can’t Get Enough y obtuvo buenas críticas gracias al talento de Clarke para manejar el teclado por lo cual se le consideraba el “mago de los teclados”. El álbum se conforma casi en su totalidad por nueve canciones de Vince Clarke, incluida Photographic, más una canción y un tema instrumental compuestos por Martin Gore. Además de Just Can’t Get Enough el otro sencillo fue New Life. La canción I Sometimes Wish I Was Dead en la versión américana del álbum fue cambiada por la canción Dreaming Of Me, esta última también sencillo. Tras el relativo éxito del primer disco Vince Clarke abandonó el grupo alegando que esa no era la forma en que él quería trabajar. Al no tener compositor principal, Martin L. Gore tomó el control creativo del grupo, la primera canción que compuso para Depeche Mode sin la presencia de Clarke fue See You y se convirtió en el mayor éxito que habían tenido hasta ese momento por lo cual realizaron una gira llamada así, See You Tour. Para ello necesitaron de un nuevo tecladista que tocara la parte de Clarke en los conciertos, así que pusieron un anuncio en la revista Melody Maker con el requisito de que no rebasara los 21 años. Alan Wilder en un principio mintió sobre su edad (ya tenía 22) para poder hacer la prueba, pero se quedó con el puesto. En poco tiempo concretaron su segundo disco, A Broken Frame de 1982, que nuevamente fue producido por Daniel Miller. El disco tiene un sonido muy distinto al primero pero sobre todo cambió el contenido de las letras al mostrarse Gore mas introspectivo que Clarke. Generalmente se considera a éste como el peor disco de Depeche Mode, incluso Martin Gore ha llegado a declarar eso, sin embargo contiene los primeros clásicos del grupo, Leave In Silence y la misma See You; el tercer sencillo fue The Meaning Of Love. Es en el disco A Broken Frame en el cual aparecen por primera vez como trío, Alan Wilder no tuvo nada que ver con su proceso creativo, y aunque ya aparece como miembro en el video de la canción Leave In Silence, fue cuando ya estaba concluido el álbum que se integró formalmente a la banda. La primer canción que Alan Wilder grabó con Depeche Mode fue Get The Balance Right. Nuevamente como cuarteto se pusieron a trabajar en su siguiente disco, Construction Time Again de 1983, otra vez producido por Miller y en el cual colaboró el ingeniero Gareth Jones. El disco se compone de siete nuevas canciones de Martin Gore y dos de Alan Wilder, quien se metió de lleno en el grupo encargándose de casi todo el trabajo de producción. Hay quienes consideran a este disco el primer trabajo verdaderamente importante de Depeche Mode, por su sonido más depurado y porque comenzaron a experimentar con los sampleos (lo cual no era muy frecuente en esa época). Ellos mismos han llegado a decir que aún era un trabajo pretencioso, de cualquier modo el tema Everything Counts de ése álbum es considerado por algunos como una de las mejores canciones en la trayectoria de la banda. Además de Everything Counts se lanzó también la canción Love, In Itself como sencillo, siendo el único álbum de estudio del grupo del cual se han desprendido solamente dos sencillos, aunque hubo ediciones limitadas del tema Told You So también como sencillo. En 1984 apareció la compilación People Are People, un EP que en su momento hizo de primer disco en América y que contiene por primera vez el tema que le da nombre. Poco después apareció su cuarto álbum, Some Great Reward, producido por Daniel Miller y Gareth Jones, que contiene siete nuevas canciones de Martin Gore, además de la canción People Are People (que formalmente se desprende como sencillo de ese disco) y una nueva de Alan Wilder. El disco fue escandaloso por sus letras sensuales y provocativas, e incluso debido a ello fueron censurados del concierto Live Aid. Aunque ese álbum musicalmente es parecido al Construction Time Again hay quienes piensan que fue el primer disco verdaderamente bien logrado de Depeche Mode por lo atrevido de sus letras y por seguir arriesgándose al experimentar con nuevos sonidos y recursos técnicos, y lo consideran dentro los mejores trabajos que han hecho. Además de People Are People, los otros sencillos fueron Master And Servant, Blasphemous Rumours y su lado b Somebody. 1985 fue su primer año sabático pero apareció la compilación Catching Up With Depeche Mode en Norteamérica, que recoge temas de los cuatro discos que llevaban hasta ese momento, además de cuatro nuevas canciones de las cuales Shake The Disease e It’s Called a Heart fueron los sencillos promociónales. Paralelamente apareció en Europa la compilación The Singles 81-85 (con el mismo arte de portada y los mismos sencillos promociónales que de hecho formalmente se desprenden de este disco) así como el VHS Some Great Videos. También existe de ese año el VHS titulado The World We Live In And Live In Hamburg que como su nombre dice recoge un concierto dado en esa ciudad alemana. En 1986 apareció su siguiente disco, Black Celebration, nuevamente producido por Miller y Gareth Jones, y que se convertiría otra vez en su trabajo más exitoso hasta el momento y otra vez considerado por algunos como su primer gran disco. Ese álbum se distinguió por la diversidad musical mostrada en los temas que lo componen, la experimentación, y por manejar un sonido un tanto más oscuro. Los sencillos del disco fueron, Stripped, Question Of Time y Question Of Lust. La canción But Not Tonight, inicialmente lado b del sencillo Stripped, fue incluida de último momento en el álbum por lo cual no aparece la letra en el booklet. Además de los videos de los tres sencillos se realizó también el video de la canción But Not Tonight debido a que fue empleada en los créditos de la película Modern Girls y a que de hecho fue sencillo para los Estados Unidos. Fue también a partir de ese disco que comenzaron a trabajar con el fotógrafo holandés Anton Corbijn, quien desde el momento se convirtió en el diseñador de producción de Depeche Mode. Para el siguiente año trabajaron por primera vez con un productor distinto a Daniel Miller o a Gareth Jones. El disco Music for the Masses de 1987 producido por David Bascombe los convirtió en uno de los grupos más importantes de la década y las canciones Behind The Wheel, Strangelove y Never Let Me Down Again se convirtieron en temas de éxito del grupo; además de aquellas la canción Little 15 fue sencillo para Europa. Con ese disco entraron de lleno al mercado de los Estados Unidos y realizaron una gira constituida de 101 presentaciones, la última de ellas publicada en 1989 en un álbum doble precisamente titulado 101 (one-oh-one en inglés) que recoge la presentación del 18 de junio de 1988 en el Rose Bowl de Pasadena California, y que es su primer álbum en vivo; la canción Everything Counts en vivo fue lanzada como sencillo de ése álbum. También en ese año se lanzó el VHS Strange. Asimismo existe de 1989 la edición en VHS del 101, aunque sólo con la mitad de las canciones, el resto es un documental realizado por el director D.A. Pannebaker sobre el paso del grupo por los Estados Unidos. En 1989 Martin Gore llevó a cabo su primer álbum solista, Counterfeit, a la par que siguió trabajando en Depeche Mode.

Los Noventa, segundo período

Fue en 1989 que se comenzó a escuchar en la radio el tema Personal Jesus del álbum Violator que apareció hasta 1990, esta vez producido por Mark Ellis, quien es más conocido en el mundo de la música como Flood, y que cambió por completo el sonido del grupo hacia algo más oscuro, sofisticado y elegante. La canción Personal Jesus es normalmente el tema más conocido de Depeche Mode hasta la fecha, y la canción Enjoy The Silence es generalmente el tema más gustado entre los seguidores del grupo. Aparte de esas dos canciones se lanzaron otros dos sencillos, World In My Eyes y Policy Of Truth, además de que se realizaron seis videos en total: los de ésos cuatro sencillos y los de los temas Halo y Clean; los seis videos se pueden encontrar en el VHS Strange Too. El disco Violator habitualmente es considerado el mejor álbum que Depeche Mode ha realizado en su historia. Después de la gira con el Violator se pusieron a trabajar en su siguiente disco, el cual apareció hasta 1993, Songs of Faith and Devotion, nuevamente producido por Flood y en el cual se dio un cambio total en el sonido del grupo, notablemente influido por el movimiento grunge que en aquella época estaba en su apogeo, lo cual consta en los cuatro sencillos del álbum, I Feel You, Walking In My Shoes, Condemnation e In Your Room; aparte de aquéllas cuatro también se realizó el video de la canción One Caress que fue sencillo en los Estados Unidos. La influencia grunge del Songs of Faith and Devotion se dio sobre todo en la imagen del grupo, musicalmente si bien se orientaron hacia el rock también tenía parte de lo que habían estado haciendo desde el inicio de su carrera, el cambio se encontró en haber incorporado instrumentos acústicos en lugar de sólo los sintetizadores y los sampleos. En aquel momento muchas revistas especializadas consideraron que el grupo se alejaría cada vez más de la música con la que se habían dado a conocer. El disco Songs of Faith and Devotion también apareció como álbum en directo simplemente titulado Songs of Faith and Devotion Live convirtiéndose en su segundo disco en vivo, consecuentemente también apareció un VHS en vivo con el título de Devotional que es como se llamó la gira. Durante el Devotional Tour David Gahan ya evidenciaba un creciente problema de adicción a las drogas, además, para 1994 la gira se extendió con el nombre de Exotic Tour, la cual prácticamente fue toda una nueva gira. Andy Fletcher comenzó con el grupo esa extensión del Devotional Tour, pero dado el desgaste físico que esto representaba, la mala relación que él y Alan Wilder siempre habían tenido, su carácter ya de por sí depresivo, la imparable adicción de Gahan a las drogas además de que Gore ya tenía problemas parecidos y en general la enorme tensión de llevar a cabo una gira tan prolongada le hicieron tomar la decisión de abandonarla después de las primeras presentaciones por lo que debió ser sustituido por Daryl Bamonte, colaborador en éste y en el anterior disco, quien concluyó con el resto del grupo el Exotic Tour. Durante el Devotional Tour y el Exotic Tour los miembros de Depeche Mode vivieron excesos de los que actualmente ninguno desea hablar públicamente, Martin Gore y David Gahan llegaron a desvanecerse y hasta a sufrir ataques cardiacos en el escenario, sin embargo el grupo concluyó la extenuante gira a mediados de 1994 dejando los incidentes de Gahan y Gore así como la ausencia de Fletcher en el Exotic Tour tan sólo como aparentes episodios aislados. En 1995 comenzarían a trabajar en lo que sería su siguiente disco, sin embargo David Gahan tuvo una hospitalización de emergencia por un intento de suicidio debido a una sobredosis, poco tiempo después Alan Wilder dejó la banda. Oficialmente el abandonó de Wilder se debió a diferencias laborales, aunque en realidad salió por la condición de Gahan, por la aceptación de Martin Gore de que estaba “peleando con sus demonios internos” y por la mala relación que llevaba con Andrew Fletcher. Después de la salida de Wilder la prensa vaticinó que era el principio del fin de Depeche Mode. En 1996 Andrew Fletcher se reunió con Martin Gore para comenzar a trabajar en un nuevo álbum ya sin Alan Wilder, sin embargo David Gahan estaba ya completamente hundido en las drogas. Después de unos días meditándolo lo llamaron para grabar con ellos, pero pronto recayó de nuevo en su adicción por lo que se pensó muy seriamente en excluirlo del grupo, Gahan recibió entonces una advertencia por parte de las autoridades norteamericanas de impedirle la entrada a los Estados Unidos si no solucionaba su problema e irónicamente fue por ello que comenzó a rehabilitarse, por su parte Gore y Fletcher decidieron darle su lugar en Depeche Mode y esperarlo, mientras que el disco debió tomarse para su realización unos meses más. Hasta 1997, nuevamente reducidos a trío, Depeche Mode concretó su nuevo álbum, Ultra, que fue producido por Tim Simenon. Era un año en que la música electrónica nuevamente se había puesto de moda y el disco provocó críticas encontradas pues en él el grupo volvía a la música electrónica por lo cual tuvieron elogios de la prensa, por otro lado hubo quienes lo criticaron de ser un disco inseguro y poco arriesgado, además de que no se llevó a cabo gira debido al estado en que aún se encontraban, sólo dos pequeños conciertos ante la prensa con el nombre de Ultra Parties. Daniel Miller por su parte insistió en calificarlo como un disco de transición. El disco Ultra se distingue porque las canciones son particularmente largas (casi todas rebasan los cinco minutos), además de contener tres cortos temas “instrumentales” (menores a tres minutos cada uno) notoriamente producto de la novedad del Trip Hop, así como también por haber tenido varias participaciones de músicos de apoyo para llenar el vacío dejado por Wilder. Los cuatro sencillos fueron Barrel Of A Gun, It’s No Good, Home y Useless, y el título Ultra a decir de los integrantes se debió a que sonaba bien no porque reflejara algún cambio en la banda. También con motivo del álbum Ultra, en 1997 apareció el sitio oficial de la banda en Internet, depeche mode dot com. Para el siguiente año se publicó una compilación de sencillos de los seis últimos álbumes (o sea, los cinco de estudio y el 101), en un álbum doble simplemente titulado The Singles 86>98 con el sencillo promocional Only When I Lose Myself. Esa compilación también apareció en un DVD titulado The Videos 86>98 que como su nombre indica contiene los videos de todas aquellas canciones y que es su primer material en ese formato. Con esa compilación realizaron una pequeña gira para la cual reclutaron a dos músicos de apoyo en sustitución de Alan Wilder, el baterista Christian Eigner que ya había participado con ellos en las Ultra Parties, y el tecladista Peter Gordeno. El resultado obtenido fue tan bueno que poco después publicaron una compilación paralela de los faltantes discos llamada The Singles 81>85, que es en realidad una nueva edición del previo The Singles 81-85 pero con la curiosidad de contener la versión original de Photograhic del disco de Some Bizarre.

Depeche Mode en el nuevo siglo

Con el mismo ritmo de trabajo mas espaciado de los últimos años, hasta el año 2001 lanzaron su siguiente disco, Exciter, producido por Mark Bell, que fue comparado con el Black Celebration debido a la diversidad musical de los temas que lo componen y en donde otra vez tuvieron distintas colaboraciones. El álbum provocó nuevamente opiniones encontradas aunque en general obtuvo buena recepción, los cuatro sencillos demuestran su diversidad musical, el tecnopop de Dream On, el house de I Feel Loved, la balada Freelove y hasta la canción de cuna Goodnihgt Lovers (sencillo sólo en Europa). Con ese disco bajo el brazo se embarcaron en una nueva gira, el Exciter Tour, nuevamente con el apoyo de Eigner y de Gordeno. La presentación del 10 de octubre del 2001 en el Palais Omnisport de la Ciudad Luz, fue publicada en DVD con el título de One Night In Paris, convirtiéndose en su primer álbum en vivo en ese formato. En 2002 apareció una nueva edición en DVD del Videos 86>98, en dos discos. En 2003 Dave Gahan realizó su primer álbum solista, Paper Monsters, en donde él compuso buena parte de sus propias canciones y con el que incluso salió de gira. De la misma manera apareció también en ese año el segundo disco en solitario de Martin Gore, Counterfeit 2. Asimismo Andrew Fletcher fundó su propio sello especializado en promover música electrónica de donde ya resultó el dueto Client. En 2003 y 2004 respectivamente se lanzaron para DVD los ya existentes 101 y Devotional. También en 2004 apareció el sencillo promocional Enjoy the Silence '04 antecediendo a la colección de tres discos titulados Remixes 81-04 que como su nombre dice contienen variadas mezclas de canciones de la trayectoria del grupo realizadas por conocidos músicos especializados en ello. También en ese año apareció una colección de seis cajas conteniendo todos los sencillos del grupo. En octubre del 2005 se publicó su último álbum hasta el momento, Playing the Angel, producido por Ben Hillier y en donde por primera vez aparecen tres temas compuestos por Dave Gahan, quien los escribió animado por el éxito de su proyecto solista. La banda inició en noviembre la gira promocional Touring the Angel acompañados de sus ya conocidos músicos de apoyo por los Estados Unidos y Canadá, la cual en el año 2006 se centra en Europa e incluso visitará países como México, la más larga que han realizado desde 1994. Una versión preliminar del disco fue objeto de piratería por Internet un mes antes de su lanzamiento. Fuera de ello, Precious fue el primer sencillo, un tema escrito por Martin Gore que habla sobre los sentimientos tras la separación de un ser querido, inspirada en su reciente divorcio. La función industrial A Pain That I'm Used To es el segundo; Suffer Well de David Gahan es el tercero, lo cual la convierte en la primer canción no compuesta por Martin Gore que Depeche Mode lanza como sencillo en 25 años; ha trascendido además que John the Revelator será el cuarto sencillo. El álbum ha provocado la misma reacción que los dos anteriores discos, mientras que algunos medios norteamericanos lo han calificado de malísimo, las revistas musicales inglesas lo han considerado como uno de los mejores álbumes en la trayectoria del grupo, la cual al parecer es la opinión prevaleciente pues el disco está logrando importantes posiciones de popularidad que no se habían alcanzado con los dos anteriores álbumes. El disco muestra un Depeche Mode más cercano a la corriente de Música industrial, lo cual ya habían experimentado en sus primeros años con los álbumes Construction Time Again y Some Great Reward, aunque a veinte años de distancia de aquellos el disco Playing the Angel es de sonido mucho más agresivo. La banda ha anunuciado que relanzará sus diez anteriores álbumes con todos sus lados b como bonus tracks en formato de SACD y DVD. Algunas personas piensan que tras la salida de Alan Wilder el grupo ya no ha sido el mismo, otros sólo lo ven como una etapa diferente de Depeche Mode lo cual explicaría el recibimiento que han tenido los tres últimos discos. Tradicionalmente designada como banda de música electrónica, Depeche Mode ha rebasado los estándares para ser considerado actualmente como un grupo de música alternativa. Depeche Mode ha vendido más de 70 millones de discos.

Discografía
Álbumes

* Speak & Spell (1981)
* A Broken Frame (1982)
* Construction Time Again (1983)
* Some Great Reward (1984)
* Black Celebration (1986)
* Music for the Masses (1987)
* Violator (1990)
* Songs of Faith and Devotion (1993)
* Ultra (1997)
* Exciter (2001)
* Playing the Angel (2005)
Fuentes: http://www.depechemode.es; http://es.wikipedia.org/wiki/Depeche_Mode

David Robert Jones nació el 8 de enero de 1947 en Brixton, Londres. Los primeros años de su vida vivió en una zona pobre habitada por familias que tenían algo en común: sus casas habían sido destruidas por el bombardeo a Londres.
Influenciado por su hermano Terry, David Bowie se acercó al jazz y a los escritores beat como Kerouac y Allen Grinsberg.
Las transformaciones serían un rasgo característico en su camino. Como siguiendo al pie de la letra la frase de Tom Waits: “No puedes dejar de estar en movimiento, ningún perro ha meado sobre un coche en marcha”, el medio en el que David se sintió cómodo fue el artístico y el estético, y el soporte intelectual: su mejor argumento. Pintar, escribir, cantar, diseñar ropa, actuar; cualquier camino hacia la expresión se presentó ante su mirada como útil para decir cosas.
Para 1966 adoptó el nombre que lo haría reconocido en todo el planeta: David Bowie. Algunos sostienen que el nombre fue tomado de la marca de un famoso cuchillo de caza americano otros, que es el apellido de alguna de las ramas familiares de su madre. Su carrera a partir de entonces estuvo signada por los cambios y la experimentación. Aquellas épocas en las que tocaba donde podía, como una especie de marciano. desesperado por hacer llegar su mensaje a alguien, fueron quedando atrás gracias a una suma de talento y esfuerzo.
Sin duda los ‘70 fueron su tiempo. Siempre en el equilibrio, como un ejemplo de la modernidad y de una década específica que cuestionaba límites (hija del Mayo Francés y del fracaso de los dorados ‘60), Bowie oscilaba entre la vanguardia y lo espectacular de la cultura mediática.
Como ejemplo alcanza ver la variedad de personajes que lo acompañaron en los diversos pasajes por los que transitó su carrera artística. Desde Mick Jaegger hasta Iggy Pop, desde Warhol a Lou Reed, los músicos y artistas más representativos de la época, ya desde un lugar de estrellas consumadas o como simbólicos exponentes vanguardistas, aparecían junto a su nombre dadas diferentes circunstancias.
Su carrera, que bien podía ser desarrollada a lo largo de muchas páginas, dejó discos antológicos, videos históricos y películas como El Hombre que Vendió a la Tierra, Laberinto, El Ansia, y otras tantas donde lejos de aparecer como un músico exitoso David Bowie junto a Iggy Pop dedicado a la actuación por cuestiones de marketing, demuestra que no es más de lo uno que de lo otro sino que pertenece a una especie en extinción de artistas integrales.
Inquieto, siempre buscando sus propios límites, siempre cambiando, siempre sorprendiendo. Los escenarios lo vieron con una simple guitarra acústica, con una super orquesta, con una banda conservadora, vestido de caballero inglés, de dama provocativa y hasta de una especie de bizarro marciano de cabaret. Aquel chico nacido en Brixton dio el mejor ejemplo de una vida en constante transformación cuando allá por el ´72 se convirtió en Ziggy. La puesta en escena, en la que colaboró nada menos que Lindsay Kemp, mostraba un escenario construído a distintos niveles y con David Bowie y Marc Bolan andamiajes que facilitaban los cambios de vestuario. Aparecían sobre las tablas no sólo los Spiders Fron Mars y los músicos sino también el grupo de danza de Kemp. Hielo seco, luces y el espectáculo de rock más extravagante que se haya presentado en Gran Bretaña fue sin duda uno de los puntos más altos en la camaleónica carrera de Bowie, pero la controversia estaría presente como en cada uno de sus proyectos; mientras algunos (como Lou Reed) catalogaron al espectáculo como el más maravilloso que habían visto, otros no dudaron en esbozar críticas encarnizadas sobre la estrella de rock y el sobrepeso de ese Kemp que bajaba con disfraz de ángel mientras Bowie entonaba “Star Man” para cerrar con una versión sollozante de “Over The Rainbowl”.
Así, el Duque Blanco, llegó a todos los límites estéticos, bordeó todas las fronteras musicales, y esa curiosidad inquieta y esa búsqueda permanente de códigos novedosos es lo que aún lo mantiene tan vigente.
Bowie no se privó de nada: teatro, cine, música y cuanto medio expresivo pudiera enumerarse fue recorrido con su estilo de manera eficiente.
Hacer un punteo de su discografía y filmografía no haría más que corroborar la productividad de este artista.
Ziggy Stardust, Suffragette City, Changes, Fame, Ashes To Ashes, Fashion, Heroes, Modern Love, Blue Jean y una larga lista de temas que se acrecienta con cada disco nuevo han quedado David Bowie y Lou Reed como marca registrada de un artista que, de tan influenciado, se ha vuelto uno de los más influyentes y que, de tan abierto a los cambios, volvió imposible, a los gustosos de los generalismos, encontrar en pocas palabras un término acabado de lo que su obra representó en las últimas tres décadas.
La última travesura de Bowie lo encontró protagonizando junto al novelista William Boyd un episodio creativo por demás significativo en muchos aspectos. Reuniendo a la crema del mundillo artístico y a los críticos neoyorquinos más renombrados presentaron la biografía de «Nat Tate», un pintor exquisito y depresivo que, luego de quemar toda su obra, saltó desde el ferry para darse muerte a corta edad de 31 años. Muchos comentaron la maravilla de su obra y otros, inclusive, hacían alarde de haberla visto. La gala terminó con Bowie legitimando la cuestión leyendo fragmentos de la biografía escrita por Boyd.
Días después se conoció la verdad, pequeño detalle: el pintor Nat Tate jamás existió.
Debe haber sido imperdible el momento en que Bowie y Boyd rieron de la broma, que no hizo más que dejar en ridículo cierto aspecto real del mundo del arte, pero más fascinante aún debe haber sido estar en el momento en que los críticos parlanchines se enteraron de la verdad.
Más allá de anécdotas como esta, David Bowie es todo un símbolo de la época más turbulenta y destellante de la historia de la música moderna.David Bowie junto a Mick Jagger
Las andanzas de este duque parecen no tener fronteras en lo que a la esfera cultural se refiere. Musicalmente está, como siempre, preparando material para una nueva placa; como se aburre con una sola tarea se hizo tiempo para fundar una editorial y una galeria de arte a la cual podemos acceder, mediante internet (www.bowieart.com/), tanto para curiosear sus obras como para comprarlas.
Mucho es lo que se podría agregar de este artista, ya desde la crítica o desde una posición de devoto admirador de su obra. Lo indiscutible de la cuestión es que David Bowie parece resistir el paso del tiempo con solvencia, apoyado sobre una fórmula que le impide estarse quieto. Escribió páginas importantes de la historia musical de las últimas décadas, se mostró alternativo, pragmático, comercial, vanguardista , equilibrado y extremista a la vez. Hoy, mitad figura de culto por su pasado, mitad admirado por su presente, David se muestra tan vigente como siempre. Siempre un paso adelante, atrás o a los costados, pero nunca «parte del rebaño». Bowie parece tener las llaves de la máquina del tiempo.

Discografía

Álbumes de estudio

* 1967 - David Bowie
* 1969 - Space Oddity
* 1971 - The Man Who Sold the World
* 1971 - Hunky Dory
* 1972 - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
* 1973 - Aladdin Sane
* 1973 - Pinups
* 1974 - Diamond Dogs
* 1975 - Young Americans
* 1976 - Station to Station
* 1977 - Low
* 1977 - Heroes
* 1979 - Lodger
* 1980 - Scary Monsters And Super Creeps
* 1983 - Let's Dance
* 1984 - Tonight
* 1987 - Never Let Me Down
* 1989 - Tin Machine
* 1991 - Tin Machine II
* 1993 - Black tie, White noise
* 1993 - The Buddha of Suburbia
* 1995 - Outside
* 1997 - Earthling
* 1999 - Hours...
* 2002 - Heathen
* 2003 - Reality
Fuente: Wikipedia y Canal Trans